TOUJOURS RAISON.

Maintenant, c'est ici que ça se passe.

2011-11-07T12:52:00.000+01:00

Comment tuer son blog

2011-09-07T22:15:00.001+02:00

C'est toujours délicat de tuer un blog. De l'étouffer à petit feu après 6 années passées à le nourrir, le chérir, lui offrir des ravalements de façade plus ou moins judicieux. Pourtant, il est temps.

Je n'aime plus ce blog, voilà tout. Les phases durant lesquelles je n'ai plus envie d'écrire le moindre mot sont de plus en plus nombreuses et de plus en plus longues. Je n'ai plus envie de défendre mon point de vue sur les films, en tout cas pas ici, pas comme ça. J'ai envie de choses plus personnelles, ou plus spécialisées. Peut-être les deux. J'ai envie de parler de films autour d'une bière, pas en alignant laborieusement 3 paragraphes avant de répondre laborieusement (et souvent de ne pas répondre) aux commentaires de quelques charmants fidèles et de désespérants anonymes. Surtout, je n'ai plus envie d'aligner les critiques comme on aligne les perles. Ni, il est vrai, d'être un blogueur cinéma parmi tant d'autres, désormais noyé dans la masse car dépassé par des petits jeunes plus ambitieux, plus assidus, plus désœuvrés que moi. Je déteste une partie du blogueur que je suis devenu, celui qui courait après les sollicitations, mendiait pour quelques clics comme si sa vie en dépendait, oubliait au final la notion de plaisir. J'ai perdu l'envie, je crois, et je compte bien la retrouver en levant le pied quelques temps. Et plus si affinités.

Je me souviens qu'en 2005, lorsque j'ai ouvert ce blog longtemps orange, nous n'étions que quelques-uns. Un Benoît par ci, une Camille par là, des gens simples et modestes à qui tout n'était pas dû et qui n'étaient mus que par l'envie de voir et de partager. Allez, jouons les vieux cons une fois pour toutes (j'ai 27 ans, c'est l'âge) : aujourd'hui, je déplore que la grande majorité de la blogosphère cinéma, moi y compris, ait perdu cette spontanéité. On pleure parce qu'on n'est pas invité à telle ou telle projection. On casse du sucre sur le dos de tel ou telle attaché(e) de presse qui ne vous a pas déroulé le tapis rouge. On écrit pour écrire. On vise l'exhaustivité, la visibilité sur Google. On revendique bien haut la fameuse indépendance d'esprit des blogueurs, leur totale liberté rédactionnelle, alors qu'ils sont au contraire en route vers un asservissement inévitable. Sur la forme et sur le fond, les conventions sont partout. J'aimerais avoir le talent pour tirer ce petit monde vers le haut, mais c'est impossible. La prolifération des blogs cinéma généralistes a eu un effet étonnamment nuisible. Parce que désormais, chacun se proclame expert du septième art dès qu'il possède 10 Blu-ray et a eu l'honneur immense d'être convié à quelques projections presse. Je ne veux plus appartenir à ce monde-là, qui patauge dans le mainstream mais pense appartenir à une élite.

Des blogs ciné, j'en lis peu. Je parle de lire vraiment. Les seuls que je parviens encore à lire avec plaisir sont ceux qui ont su conserver, par rigueur ou par nature, ce sens du spontané. Leurs auteurs ont su se rappeler qu'un blog, au départ, est censé être un espace personnel. Pas un site facilement personnalisable et livré clé en main sur lequel on peut se proclamer mollement critique. Je pense à elle, elle, elle, lui, lui, lui, lui, eux, et sans doute quelques autres que j'oublie sous le poids de la précipitation. Chacun a ses particularités, son style, ses lubies. Mais tous sont réunis par une passion qui ne fléchit quasiment jamais. Droits dans leurs bottes, sans poudre aux yeux, ils parlent VRAIMENT de cinéma. Oui, VRAIMENT. Avec de belles grandes majuscules. C'est ça que j'aimerais pouvoir faire ou refaire un jour, quand je serai assez grand pour cesser un peu de me prendre pour un grand cinéphile doté d'une mission divine. Écrire bien et savoir pourquoi j'écris. Le faire quand j'en ai vraiment envie, pas parce que le film sort après-demain et que c'est le moment. Aller voir des films et savoir délibérément que je n'écrirai pas une ligne dessus.

Alors voilà. Je ferme ce blog. La couleur grise aura eu raison de moi. Je compte bien poursuivre mes collaborations actuelles si Snatch Magazine et Playlist Society veulent toujours de moi, et pourquoi pas en entamer d'autres si tout cela est placé sous le signe de l'envie. Et je continue à réfléchir à un espace plus à mon image, avec d'autres règles et d'autres perspectives. En tout cas, je ne veux plus être un blogueur cinéma au sens 2011 du terme. Avec tout le respect que j'ai pour certains d'entre eux.

J'aurais bien aimé que ce billet soit bourré d'humour, de bons mots, de petites piques justes assez bien dosées pour faire marrer sans blesser personne, mais je crois que je ne sais pas faire. Ce n'est pas rien, de tuer son blog. C'est à peine moins douloureux que de se couper un bras. On tire un trait sur des heures à trimer sur son clavier, des expressos à n'en plus finir, des litres de sueur à l'idée d'interviewer tel ou tel artiste qu'on admire (plus beaux souvenirs : Mia Hansen-Løve, Jonathan Zaccaï, Bong Joon-ho, João Pedro Rodrigues, Valérie Donzelli & Jérémie Elkaïm, Miranda July). Ça ne veut pas dire qu'on oublie ou qu'on renie le passé. Ça veut juste dire qu'on passe à autre chose. Est-ce que je ne risque pas de regretter ce geste ? Si, sans doute. Demain, après-demain ou dans un mois. Mais je sais ce que je perds et je sais ce que je gagne. De toute façon, n'en déplaise à ceux qui ne peuvent pas me blairer (avec plus ou moins d'humour), je reviendrai un de ces quatre. Plus discrètement. Avec tout à prouver. Ou plutôt rien à prouver. Je ne serai jamais journaliste ou critique professionnel. Juste un modeste cinéphile se réservant le droit de dire ce qu'il pense ou de le garder pour lui, et de préférer de plus en plus souvent la vraie vie.

Merci pour vos clics, vos remarques, vos compliments et vos insultes. Vous pouvez toujours me contacter ici si ça vous chante, ou m'oublier illico. Je vous embrasse, les loulous. Vous me manquez déjà.

COMMENT TUER SON BOSS ?

2011-08-13T08:42:00.044+02:00

Niveau comédies américaines, il semblerait que 2011 soit bien partie pour décrocher le titre de pire année de l'histoire. Chaque nouvelle sortie semble en effet faire pire que la précédente, comme si une crise d'inspiration générale avait frappé les réalisateurs et les scénaristes. On constate d'une manière générale un manque de sang neuf, que ce soit dans le choix des sujets ou la construction des castings. Consensuelle, teintée de beauferie, la comédie US 2011 n'a quasiment aucune leçon à donner à son homologue française. C'est dire si son niveau est faible.

Avec son sujet tape-à-l'oeil et son casting foisonnant, Comment tuer son boss ? donnait pourtant envie de se pencher sur la question afin de trouver enfin de quoi se dérider les zygomatiques. Le résultat est hélas extrêmement faible, déjà parce que le film souffre d'un déséquilibre assez fatal. Ses trois héros, employés modèles souhaitant poursuivre une vie professionnelle bien rangée sans faire de mal à personne, manquent sérieusement de fantaisie et sont avant tout caractérisés par une platitude franchement consternante. En revanche, les fameux boss qu'ils rêvent d'exterminer sont bien plus originaux, mal élevés, arrivistes et médiocres. Donc potentiellement bien plus drôles. Résultat : on passe un temps fou en compagnie d'un trio de blancs becs ennuyeux à mourir alors qu'on rêverait de passer davantage de temps avec leurs patrons affreux, sales et méchants.

Extrêmement faible, l'écriture ne permet malheureusement pas à cette brochette de chefs hauts en couleur d'exister pleinement, et la drôlerie de leurs apparitions est finalement assez limitée. Il faut tout l'abattage de Kevin Spacey (en sale con aux dents très longues, façon Swimming with sharks), la folie nouvelle de Jennifer Aniston (excellente en dentiste chiennasse) et surtout le sens du contre-emploi de Colin Farrell (fabuleux beauf cocaïné) pour parvenir à sauver une poignée de séquences. Également présent dans le rôle d'un miteux "consultat en crimes", Jamie Foxx se débrouille plutôt bien également. Merci à eux quatre de nous sauver de la dépression.

Pour le reste, Comment tuer son boss ? est un film éminemment mensonger, qui nous promet de se tourner vers la comédie noire en fin de course mais trouve le moyen d'effectuer quelques pirouettes assez consternantes pour éviter que la moindre goutte de sang n'abime les petites chemises bien repassées des héros. Réalisé par un Seth Gordon visiblement persuadé que mettre de la musique tout le temps et très fort permet de masquer un manque de rythme criant, le film se voudrait rocambolesque mais n'est que mollasson. À l'image d'un Jason Bateman étonnamment carbonisé, comme si la nullité cosmique de Jason Sudeikis et la voix haut perchée de Charlie Day avaient suffi à enrayer le génie comique du héros d'Arrested development.

Tandis que Mes meileures amies tente d'apporter un souffle comique différent ou en tout cas d'autres points de vue, Comment tuer son boss ? semble confirmer en tout cas qu'une certaine comédie américaine est morte : les fameux films de potes et autres bromances ont sérieusement du plomb dans l'aile, et devront s'éclipser pour un temps afin de trouver un nouveau souffle sous l'impulsion de scénaristes plus affûtés et plus en phase avec leur temps.

Comment tuer son boss ? (Horrible bosses) de Seth Gordon. 1h40. Sortie : 17/08/2011.

EL BULLI - COOKING IN PROGRESS

2011-08-10T14:14:00.000+02:00

Le 30 juillet dernier, El Bulli fermait ses portes après un ultime dîner offert à son personnel. Situé en Catalogne, El Bulli fut élu meilleur restaurant du monde à 5 reprises entre 2002 et 2009, sous la direction du grand chef Ferran Adrià. Avant même de savoir que le restaurant allait bientôt tirer sa révérence — l'événement n'est même pas mentionné dans le film —, le réalisateur allemand Gereon Wetzel décidait de réaliser un documentaire sur le restaurant au taureau, qui n'ouvre que six mois par an puis ferme le temps de recomposer patiemment une carte toujours plus étonnante. El Bulli, c'est 8000 couverts par saison pour près de 2 millions de demandes de réservations. Cooking in progress tente de nous expliquer les raisons de ce succès.

C'est un documentaire sans voix off, qui fait la part belle à l'image et à l'imagination. Fait un peu frustrant, jamais le chef Adrià ne s'expliquera face caméra. Pour des explications sur son mode de pensée ou la façon dont il est arrivé là, il faudra repasser. Le film de Wetzel se concentre presque uniquement sur le travail, maître mot de la vie du maestro et de ses très nombreux employés. C'est bien simple : lorsqu'elles fonctionnent à plein régime, les cuisines d'El Bulli ressemblent à une incroyable fourmilière, minutieusement organisée mais gagnée par une frénésie de tous les instants.

Le film débute en automne, au moment où le restaurant entre en mode hibernation. Wetzel suit longuement les préparatifs des prochaines recettes, qui relèvent davantage de la chimie que de la cuisine telle qu'on la connaît. C'est tout le principe de la cuisine moléculaire : tenter d'exploiter un aliment sous toutes les formes possibles et imaginables, en ayant recours à des machines diaboliques s'il le faut, puis tester chaque résultat afin de ne garder que le meilleur. Un procédé très scientifique où le facteur humain et sensitif semble finalement n'avoir que peu de place. Le réalisateur est-il admiratif ou un peu déçu lui aussi ? Difficile à établir, et c'est justement là que El Bulli - Cooking in progress pèche un peu : il ne prend jamais parti et se contente d'observer béatement.

Semaine après semaine, mois après mois, Adrià et ses nombreux adjoints compilent sur papier et sur support numérique l'ensemble des comptes-rendus illustrés effectués lors des très nombreux tests. Puis choisissent froidement, grâce à un système de notation, ce qu'ils finiront par servir à leurs clients. El Bulli ne fonctionne pas sur un mode entrée - plat - dessert : chaque visiteur y goûte une bonne trentaine de plats, en quantité souvent microscopique. Une bouchée ou deux, pas plus. Comme le dit Ferran Adrià à un sommelier qui passait par là, c'est d'abord la magie qui importe. Le goût ne passe qu'en deuxième. Le but est donc que quelques maigres grammes d'un alliage savamment réfléchi, le client soit étourdi. Un étourdissement qu'on ne ressent que moyennement face aux images certes belles de Wetzel, tant le film semble poser les limites de cette fameuse cuisine moléculaire sans coeur.

Cette absence de sentiments est parfaitement symbolisée par la façon qu'a Adrià de travailler et de goûter les plats (?) qu'on lui propose. Visage figé, regard dur et froid, il semble penser à autre chose, ne prendre aucun plaisir à tester et déguster les préparations. Son manque d'enthousiasme fascine autant qu'il agace, et finit hélas par devenir hautement communicatif. El Bulli - Cooing in progress est un film instructif, intéressant... mais certainement pas appétissant. La notion de plaisir qui constitue la base même de la cuisine française manque sacrément ici. Un film comme The trip de Michael Winterbottom ouvrait nettement plus l'appétit en quelques plans. Un regard plus acerbe et plus critique de la part de Gereon Wetzel aurait sans doute permis de compenser cet étrange défaut en nous focalisant sur autre chose.

El bulli - cooking in progress de Gereon Wetzel. 1h48. Sortie : 12/10/2011.

L'artiste et le poker : un full sentimental

2011-08-07T08:57:00.093+02:00

Est-ce à cause de Patrick Bruel ou de l'avènement des années Internet ? Toujours est-il que le poker, ce beau jeu de cartes aux dix mille variantes, effectue depuis quelques années une montée en puissance assez vertigineuse. Les pratiquants prolifèrent, les émissions TV se multiplient, et c'est un véritable phénomène qui ne cesse de prendre de l'ampleur sous nos yeux.

Qui s'est assis quelques heures devant une table de poker (ou face à un écran d'ordinateur, même si le plaisir est bien différent) sait bien à quel point il est difficile de ne pas devenir accro à cette discipline exigeante, aussi crispante qu'enthousiasmante, qui délivre son lot d'adrénaline et d'angoisse. Tenter de cerner ses adversaires, leur faire imaginer un jeu qu'on n'a pas en main, se voir déjà gagnant mais se faire coiffer au poteau, regretter éternellement une prise de décision malheureuse... les parties de poker sont des histoires, les tournois de vraies petites vies, avec une naissance, une croissance et une mort plus ou moins lente mais en tout cas inexorable. Fascinant à tous points de vue. Alors comment expliquer que les films consacrés au poker n'aient pour l'instant pas fait mouche ?

Laissons de côté les westerns, dans lesquels des parties de poker se jouent effectivement (voir par exemple La ville du diable, avec John Wayne dans le rôle principal), pour se consacrer à un cinéma plus contemporain, donc potentiellement plus ouvert sur le poker actuel, et sa variante la plus pratiquée, le Texas Hold'em. L'une des premières scènes d'Ocean's eleven montre comment Brad Pitt et George Clooney parviennent à truander de jeunes blancs-becs trop sûrs d'eux. Le film Les joueurs, avec Matt Damon et Edward Norton en tête d'affiche, dispense quelques scènes vaguement divertissantes mais s'intéresse surtout aux à côtés d'ordre pécuniaire. Quant à la comédie The grand, avec notamment Woody Harrelson, elle se consacre effectivement à un tournoi de poker, mais ses joueurs sont réduits à l'état de stéréotypes dans le simple but de faire rire. Bref, le cinéphile amateur de poker est frustré de voir ses deux occupations favorites peiner à converger de façon satisfaisante.

La première raison de cet échec chronique est simple : il s'agit généralement de réaliser des films s'adressant au plus grand nombre, y compris aux néophytes. Par conséquent, il faudrait à la fois expliquer les règles, les enjeux et les finesses du poker, puis dérouler une intrigue et des parties de façon crédible, le tout en deux heures à peine. Même le plus pédagogue des scénaristes risque de se casser les dents face à un tel défi : si le poker était aussi simple, il serait pratiqué dès l'école primaire.

Penchons-nous un instant sur les films consacrés aux échecs, autre discipline éminemment complexe : ils s'attardent davantage sur les grands champions, aussi géniaux que névrosés, que sur le jeu lui-même. Le modèle du genre, à savoir La diagonale du fou de Richard Dembo, est peut-être le seul film à se focaliser véritablement sur les échecs, pas seulement sur ceux qui le pratiquent avec génie. Coup de maître : avoir foi en l'intelligence du spectateur et rendre l'ensemble assez passionnant pour que les petits détails stratégiques difficilement explicables finissent par passer au second plan.

Autre difficulté : la façon de cerner les joueurs. Après tout, ce qu'il y a de fascinant au poker, c'est qu'on ne sait jamais véritablement qui on a en face de soi. Avant que les émissions télévisées ne leur permettent de décoder a posteriori les différentes mains jouées, les joueurs professionnels ne pouvaient jamais déterminer de façon certaine s'ils avaient été salement bluffés ou si leur opposant avait effectivement un jeu de plus haut niveau que le leur. Et c'est dans ce mystère éternel, cette frustration de l'inconnu, que s'opère une partie de la fascination exercée par cette discipline. Or, si l'on commence à tout dévoiler des joueurs, de leur tactique et de leurs cartes, cette aura risque de s'envoler en quelques scènes à peine. Difficile pour un réalisateur et un scénariste de garder la distance nécessaire pour en montrer suffisamment sans trop en dire.

Enfin, à supposer qu'un auteur trouve l'angle juste pour traiter convenablement du poker et de ceux qui le pratiquent, pas sûr que l'étrange rythme de ce jeu puisse coller à une adaptation cinématographique. Jouer au poker, c'est accepter que le temps se dilate, que les mauvaises mains se succèdent pendant des dizaines de minutes, que d'autres raflent la mise devant vos yeux... puis qu'en une main et quelques secondes à peine, tout change. La cadence des séries télévisées serait finalement plus adaptée pour rendre compte du rapport entre le joueur de poker et le temps.

L'artiste et le poker ont donc très fort à faire pour parvenir à trouver l'équilibre parfait entre une description juste du monde du poker et les contraintes de l'industrie cinématographique. Il y a pourtant des émotions communes dans ces deux disciplines : cette façon de ménager des surprises, de créer des fausses pistes, de garder d'autres atouts pour plus tard. Un jour peut-être, qui sait, une bande de petits génies parviendra à réunir ces deux arts et à en faire un chef d'oeuvre susceptible de toucher l'intégralité du public, connaisseur ou non.

Pour en lire plus sur le poker, cliquez sur le lien.

THE TRIP

2011-08-04T08:09:00.037+02:00

The trip risque de faire enrager ceux qui, depuis désormais plus de 15 ans, tentent de trouver un quelconque fil conducteur dans la carrière de Michael Winterbottom. Mais le cinéaste n'en a que faire. Tout comme il se moque bien de l'avis de ceux qui pourront estimer — un peu à juste titre — que The trip n'est qu'un film de vacances financé par le contribuable. Version courte d'une série (6 épisodes de 29 minutes) diffusée fin 2010 sur la BBC, ce long-métrage raconte en effet le voyage de presse de Steve Coogan et Rob Brydon, acteurs britanniques invités par The Observer à sillonner la campagne anglaise pour tester un certain nombre de restaurants gastronomiques. Quelques trajets épiques et quelques repas de choix : c'est tout le menu de ce Trip sans scénar, où le duo d'acteurs principaux joue son propre rôle et se paye le luxe de pouvoir improviser une bonne partie de ses répliques. Peut-on vraiment aller au cinéma pour regarder deux types tailler la route et manger des plats très appétissants ? La réponse est oui.

Car The trip est comme certains amis : on ne sait pas forcément pourquoi mais on les aime quand même, bien qu'ils soient parfois insupportables ou inintéressants. Dans le film Coogan et Brydon se retrouvent après des mois, voire des années sans se voir, et semblent aussi heureux qu'agacés de partager cette expérience ensemble. Il faut les voir chanter du Abba à tue-tête, procéder au pire concours d'imitations du monde (de Michael Caine à Hugh Grant), jouer mille milliards de fois la même réplique pour déterminer qui ferait le meilleur méchant dans James Bond, se demander pourquoi les héros des films de guerre doivent toujours se lever à l'aube... Bref, un voyage lambda, plein de trips entre amis, au sens "français du terme". Laissant libre cours à l'inspiration de ses deux acteurs, Winterbottom prend un plaisir incroyable à étirer jusqu'à plus soif certaines scènes et effets comiques. On ressent une sorte d'euphorie teintée de ras-le-bol, parce que Coogan et Brydon sont aussi cabotins qu'attachants.

Allant parfois fureter du côté des cuisines, Winterbottom filme des plats qu'on imagine succulents, puis laisse ses héros les engouffrer... sans forcément y faire attention. The trip est aussi un film sur ces bons moments dont on ne profite pas forcément comme il se doit, et sur le regret qui s'ensuit. Car c'est aussi l'occasion pour Steve Coogan de ressasser son amertume teintée d'ironie, lui qui aurait tant voulu devenir un acteur incontournable mais qui n'a pu devenir que l'idole d'une poignée de cinéphiles se délectant de chacune de ses apparitions. Un propos d'une franchise absolue, qui n'avait sans doute pas besoin d'être souligné par un épilogue inutile. Situé après le retour du fameux voyage gastronomique, on y voit Brydon retrouver femme et enfant pour son plus grand plaisir, tandis que Coogan nous la joue artiste esseulé, observant l'horizon depuis son grand appartement pour nous rappeler à quel point il a raté sa vie. La légèreté de The trip est quand même ce qu'il y a de mieux à en retenir.

The trip de Michael Winterbottom. 1h47. Sortie : 20/07/2011.

BAD TEACHER

2011-08-03T08:49:00.002+02:00

Au milieu des années 2000, Richard Linklater, Mike White et Jack Black mettaient tout le monde d'accord en mettant au monde ce qui fait désormais office de référence en matière de comédie-avec-des-profs-dedans. Ça s'appelait School of rock — Rock academy en VF, avec l'affreux Sébastien Cauet pour doubler Black — et ça dépotait sévère, les trois sales gosses cités plus haut ayant su trouver le dosage idéal entre une subversion bon enfant et une énergie bien contrôlée.

Bad teacher, lui, ne risque pas de rejoindre le film de Linklater au panthéon des grands films-avec-des-profs-dedans. L'idée était pourtant alléchante : il s'agissait de permettre à Cameron Diaz de jouer avec son image médiatique de garçon manqué - buveuse de bière- championne de rot - sacrée chaudasse, le tout dans l'objectif d'insuffler un vent de folie vulgos dans un système scolaire ne cessant de courir après les conventions. Soyons francs : de temps à autres, au gré d'une saynette ou deux, ça marche. il y a quelque chose d'assez plaisant à voir la miss Diaz se planquer derrière son bureau pour s'enfiler une mignonnette dans le gosier pendant que ses chers élèves regardent Esprits rebeles ou Scream. Le problème, c'est que tout a ne fait pas un film, surtout lorsqu'une intrigue laborieusement mise en place vient prendre toute la place avant de se dégonfler comme une baudruche.

Principale ligne directrice d'un script confondant roue libre et paresse : il s'agit pour la prof rock'n roll et incompétente de trouver l'imagination suffisante pour parvenir à rafler près de 10.000 dollars grâce à son job, le tout pour se payer une nouvelle paire de seins qui lui permettra à coup sûr de séduire un bon gros richard qui l'entretiendra jusqu'à la fin de ses jours. Pourquoi pas. Mais passée la scène vue et revue pendant laquelle elle pratique un lavage de voiture ultra-racoleur sous l'oeil de parents d'élèves hagards, l'enseignante en question rentre rapidement dans le rang, tout comme ce scénario qui met peu à peu les enjeux de départ à la poubelle pour virer in extremis vers un final digne d'une très mauvaise comédie romantique. Soit quelques scènes explicatives ont été sacrifiées au montage, soit Bad teacher est le film le plus mal écrit de l'année.

Pas très drôle, le film de Jake Kasdan souffre en outre d'un fâcheux manque de rythme et de percussion, ratant même quelques gags imparables de façon inexplicable. Et lorsqu'il tente de jouer sur le contraste entre l'héroïne intenable et ses collègues plus que consensuels, il semble piller en règle la fameuse série musicale Glee, qui joue avec bien plus de talent du côte tartignole de ses personnages. Même Justin Timberlake, qui nous avait déjà fait le coup du contre-emploi dans le plus qu'oubliable Love gourou, semble ne pas trouver le ton adéquat. Seul un Jason Segel affûté et rigolard apporte sufifsamment de distance pour tenir la dragée haute à une Cameron Diaz il est vrai plutôt en forme, qui trimbale ses longues jambes et ses pommettes mal refaites dans cette comédie poussive qui donne surtout envie de rentrer chez soi et de regarder School of rock pour la énième fois.

Bad teacher de Jake Kasdan. 1h33. Sortie : 27/07/2011.

[CONCOURS] THE FUTURE : places, livres et affiches

2011-08-02T16:25:00.001+02:00

Il FAUT voir The future, deuxième film de Miranda July, qui sort le 17 août dans toutes les bonnes salles de cinéma. Comme je l'ai beaucoup aimé, je souhaite vous faire profiter de quelques cadeaux liés à cette sortie. Je vous propose donc de gagner 5 x 2 places pour aller voir le film, ainsi que 5 affiches du film et 2 exemplaires d'Un bref instant de romantisme, recueil de nouvelles écrit par Miranda July. Pour participer, voici la marche à suivre :

il faut être fan de la page Facebook de ce blog,
et/ou suivre mon compte Twitter et avoir retweeté ce message,
puis me laisser un commentaire au bas de ce billet pour m'indiquer quel lot vous préférez (places / affiche / livre) en m'indiquant votre nom (si vous avez choisi l'option Facebook) et/ou votre pseudo Twitter (si vous avez choisi l'option Twitter) pour que je puisse vérifier cela.

Il est tout à fait permis de jouer par Twitter ET par Facebook, ce qui vous permettra de doubler vos chances au moment du tirage au sort effectué par Rob le chat...

Fin du concours le lundi 15 août à 18 heures. Bonne chance à tous.

BEGINNERS | THE FUTURE

2011-08-02T07:34:00.000+02:00

Et pourquoi pas placer dos à dos — ou peut-être côte à côte — Beginners et The future, liés ne serait-ce que par la relation amoureuse qui unit leurs réalisateurs respectifs, à savoir Mike Mills (Âge difficile obscur) et Miranda July (Moi, toi et tous les autres). Une convergence pas si artificielle puisque tous deux livrent un cinéma terriblement personnel, repoussant assez loin les limites de l'intime, et où la notion de couple est fortement mise en avant.

Dans Beginners, le héros joué par Ewan McGregor assiste à l'implosion de ses certitudes : à 75 ans, son père effectua en effet son coming out après avoir tu son homosexualité pendant toute sa vie. Le film suit Oliver, artiste de talent, à deux moments de son existence : quelques mois avant le décès du fameux paternel, rongé par un cancer mais bien décidé à profiter de sa nouvelle vie jusqu'au bout, et après le décès de celui-ci, au moment même de sa rencontre avec Anna, une française indépendante et libre comme l'air.

Dans The future, l'héroïne (July elle-même) et son compagnon disposent d'un dernier mois rien qu'à deux avant de recueillir Paw Paw, un chat abandonné et souffrant. Ces trente jours sont pour eux la dernière occasion d'accomplir des choses véritablement importantes avant de ne plus en avoir la possibilité.

Chacun des deux films, à sa manière, joue la carte du compte à rebours et fait du temps un ennemi pas tout à fait malfaisant, qui vous accule pour mieux vous contraindre à crier qui vous êtes réellement. Le brutal changement de vie du vieil Hal dans Beginners rejoint le besoin qu'éprouvent les Sophie et Jason de The future de se trouver enfin. Les personnages semblent stimulés par le couperet qui s'apprête à s'abattre sur eux, même si la concrétisation semble plus sereine chez Hal, pourtant à deux doigts de s'éteindre, que chez Sophie et Jason, qui semblent avoir encore toute la vie devant eux.

Il y a aussi cette fascination pas si innocente pour les animaux qui parlent. Dans Beginners, le chien Arthur n'hésite pas à exprimer ses sentiments à Oliver, ceux-ci étant tout simplement retranscrits à l'aide de sous-titres. Très concerné par l'histoire qui naît entre son nouveau maître et l'intrigante Anna, il semble bien décidé à ne pas laisser Oliver (Ewan McGregor, grandiose) répéter les erreurs du passé. Qu'on se rassure, il ne s'agit pas d'un chien magique façon Chihuahua de Beverly Hills, capable de prendre réellement les choses en main pour arriver à ses fins : Arthur n'est là que pour apporter un point de vue légèrement différent sur les événements qui se déroulent sous ses yeux. Dans The future, c'est en voix off que le chat Paw Paw (dont on ne voit généralement que les deux grosses pattes avant) raconte les trente journées qui le séparent de son arrivée programmée chez Sophie et Jason. Miranda July prête ses drôles de cordes vocales à l'animal, dont l'utilisation semble moins futile que chez Mills : il s'agit là encore d'expliciter l'étrange relation de la cinéaste avec la notion de temps qui passe. Dilatées, distordues, les heures semblent se succéder sans souci de cohérence ou d'égalité. Au fond de sa cage, avec pour seul point de vue l'horloge du cabinet vétérinaire, Paw Paw a de quoi sombrer dans la dépression.

Et puis il y a cette vision du couple. Menant des carrières d'artistes polyvalents et indépendants, July et Mills expriment tous les deux leur incapacité de vivre un amour fusionnel dont ils semblent pourtant avoir très envie. Dans Beginners, cela se traduit par la bougeotte permanente du personnage d'Anna (Mélanie Laurent, très bien), qui va d'hôtel en hôtel et de ville en ville pour fuir cette stabilité qui l'effraie tant. Pas sûr que cette façon de voir les choses soit très neuve, même si les choses ont le mérite d'être claires. Dans The future, cette fêlure conjugale se ressent de façon bien plus viscérale, non seulement au niveau du style — un mur de glace semble séparer Sophie et Jason, et ce dès leur première apparition devant la caméra, sur un canapé pourtant censé les rapprocher —, mais également sur un plan narratif. Très vite, Sophie semble en effet opérer un glissement qui l'éloigne du cercle intime pour la pousser dans les bras de Marshall, père de famille plus âgé qu'elle et dont on peine à percevoir le charme. Comme s'il fallait trouver n'importe quel moyen de fuir toute forme d'engagement durable. La beauté de The future, c'est que tout ceci ne s'effectue pas à la façon d'une bête comédie de moeurs, puisque Richard Kelly et David Lynch semblent s'être invités à la fête. L'étrangeté malsaine de la relation de Sophie et Marshall et son côté potentiellement onirique ont de quoi perturber sacrément.

C'est là, dans le style et la façon de raconter, que Mike Mills et Miranda July ne semblent plus tout à fait sur la même longueur d'onde. Lui opte pour un dispositif résolument classique, celui d'une comédie dramatique indépendante qui nous propose de côtoyer de façon fort éphémère quelques personnages attachants pendant une heure quarante-quatre. Elle prend des risques parfaitement inconsidérés, quitte à semer une partie de son auditoire ou à se planter de temps à autres, en triturant le temps et l'espace jusqu'à offrir une vision ô combien déstabilisante et déprimante du couple des années 2000. Mills, dont l'histoire est très largement autobiographique, voudrait nous faire entrer dans son intimité, rendre ses protagonistes familiers, nous mettre le nez dans sa propre vie, mais il y échoue en partie. D'abord par excès de pudeur, ensuite parce que ces gens-là sont trop beaux et trop riches pour qu'il soit réellement possible de s'identifier à eux et à leurs petits soucis quotidiens. En revanche, July ne cache à aucun moment la peur panique qui la prend dès qu'il est temps pour elle de se mettre à nu, ce qui rend d'autant plus touchant la façon dont elle finit par le faire. Soubresauts narratifs, plongées métaphysiques et étrangetés visuelles sont là, jusqu'à une scène bouleversante de chorégraphie dans laquelle son corps et son esprit semblent enfin s'abandonner.

Beginners :

The future :

Beginners de Mike Mills. 1h44. Sortie : 15/06/2011.
The future de Miranda July. 1h31. Sortie : 17/08/2011.
Bientôt : une interview de Miranda July à retrouver ici.

LE MOINE

2011-07-31T09:37:00.001+02:00

En 2000, Dominik Moll frappait un grand coup avec le chef d'oeuvre Harry, un ami qui vous veut du bien, thriller intimiste témoignant d'une véritable fascination pour le Mal, la création, l'éthique familiale, amicale et amoureuse. Après un Lemming reprenant, sous une autre forme, des thèmes sensiblement voisins, Moll nous revient enfin avec ce Moine ô combien attendu car adapté d'un roman extrêmement réputé de Matthew Gregory Lewis. Publié en 1796, le roman fit très rapidement scandale, notamment parce qu'il mêlait des thèmes d'ordre religieux à des réflexions beaucoup pus ésotériques et surtout à des sujets aussi polémiques que l'inceste. Aujourd'hui encore, le contenu du roman de Lewis devoir être pris avec des pincettes : sa vision de la passion, de la foi et de l'abandon de soi a en effet de quoi faire grincer les dents de plus d'un croyant, en particulier du côté des extrémistes les plus fervents.

Le fameux moine du titre se nomme Ambrosio, homme robuste et charismatique abandonné à la naissance devant la porte d'un couvent, et dont les prêches pleins de conviction et de vérité semblent être à même de réunir les croyants autour d'un message assez fort pour les rendre meilleurs. La perte d'Ambrosio viendra de son rapport aux femmes, les différentes demoiselles qu'il sera contraint de côtoyer pour des raisons diverses présentant toutes une raison ou une particularité le poussant du côté obscur. Celui du désir, de la chair et du Mal. Pourra-t-on véritablement parler de perte ? Rien n'est moins sûr, car comme dans nombre de récits religieux, la fin d'un être coïncide toujours avec l'éveil d'un autre, dans un système cyclique et spiralé qui a de quoi inspirer le vertige.

Aussi académique dans ses cadrages dignes de téléfilms de luxe que fantaisiste dans le choix de ses effets de style (un appareillage gothique et rococo dont on comprend l'intérêt mais qui a parfois de quoi faire pouffer), Le moine est un film plus qu'imparfait, mais c'est au moins un film qui se tient, avec du sens, du coffre, et une véritable cohérence narrative et stylistique. Démarrant de façon assez catastrophique (à moins que le spectateur n'ait tout simplement besoin d'un peu de temps pour se faire à cet univers), le film ne fait que se bonifier à mesure que l'apparente stabilité d'Ambrosio semble devoir s'évaporer. Refusant toujours le manichéisme, Moll fait preuve d'une absolue malice pour dépeindre l'ambiguïté absolue qui caractérise le personnage, qui semble tiraillé entre plusieurs passions, plusieurs destinées, et finit par se rendre compte que toutes le mèneront dans ses propres limbes. Plus Ambrosio s'abandonne aux ténèbres, plus Vincent Cassel se fait intense, et plus le film est beau. La conclusion, dont l'esthétique rappelle de façon frappante l'ouverture d'Essential killing, fait preuve d'un imposant sens du tragique et du mystique. Si son film est loin d'être pleinement convaincant, Dominik Moll ne cesse pas pour autant d'être l'un des cinéastes les plus fascinants de France par la façon dont il aime à s'enfoncer dans les tréfonds de l'âme humaine.

Le moine de Dominik Moll. 1h41. Sortie : 13/07/2011.

[reprise] DEEP END

2011-07-30T15:42:00.000+02:00

Honoré par plusieurs festivals au cours des derniers mois, Jerzy Skolimowski semble toujours aussi insaisissable. Sa filmographie de haute volée, caractérisée par des migrations géographiques et des silences incroyablement longs, peine en effet à être réduite à quelques lignes directrices, quelques thèmes communs qui permettraient sans doute de mieux saisir le personnage. La ressortie de Deep end, quarante ans après sa première présentation au public, permet néanmoins d'effectuer quelques ponts entre sa filmographie passée et sa seconde carrière entamée en 2008 avec Quatre nuits avec Anna. Il s'agit dans les deux oeuvres de disséquer une fascination, celle entretenue en secret par un jeune home à l'égard d'une femme dont le magnétisme n'est plus à prouver.

Dans Deep end, le jeune homme en question se nomme Mike, qui trouve un petit job dans une piscine londonienne après avoir quitté les études de faon très prématurée. Il trouve sur sa route l'intrigante Susan, rouquine tellement consciente de ses charmes qu'elle n'hésite pas à monnayer ses services aux messieurs fréquentant les lieux. Une collègue dont la désinvolture apparente n'est poussée à l'extrême que pour mieux aguicher les hommes. Ce qui devait arriver arrive : l'adolescent timoré confond sentiments, désir et pulsions sexuelles, et sombre rapidement dans un comportement déraisonné et sanguin, celui d'un mari jaloux et violent. Incapable de supporter que l'élue de son coeur et de ses gonades puisse être convoitée (voire davantage) par d'autres que lui, refusant d'admettre qu'il n'a aucun droit sur elle, Mike fonce droit dans le mur de la folie et oublie trop vite qu'il n'a que 15 ans.

Le film de Skolimowski repose en grande partie sur la fantaisie de son ton, communiquée avec aisance par les deux acteurs principaux : John Moulder-Brown (dont la carrière se poursuit) livre une prestation pétaradante et décalée que n'aurait pas renié Jean-Pierre Léaud ; quand à Jane Asher (désormais spéclaisée dans les séries TV britanniques), elle rend parfaitement plausible l'état d'hypnose dans lequel elle semble plonger les mâles qui la croisent. Que Mike transporte avec lui une silhouette cartonnée sur laquelle il croit reconnaître Susan, ou qu'il transporte avec elle de grandes quantités de neige pour y retrouver un simple diamant, on adhère sans sourciller. De fait, la rapidité exponentielle avec laquelle la relation Mike-Susan s'intensifie est crédible et emballante, notamment parce que les deux personnages assument leur grain de folie. Coloré, confirmant le talent pictural de Skolimowski (ah, ce générique et cette scène finale), le film ne manque finalement que d'un peu de tripes : son côté teen movie semble en effet avoir contraint le cinéaste à rester à hauteur d'adolescent. Si bien que malgré son passage chez une prostituée plâtrée jusqu'en haut de la cuisse ou dans un cinéma moyennement fréquentable, Mike semble étonnamment épargné par le désir, le vrai, moite et turgescent à la fois. Une tendance qui semble s'inverser au moment de la conclusion, mais celle-ci a hélas de quoi décevoir en s'abandonnant un peu trop facilement aux sirènes de la fin-choc. De quoi gâcher un rien la fête que constitue cette formidable ressortie d'été.

Deep end de Jerzy Skolimowski. 1h30. Sortie : 15/12/1971. Ressortie : 13/07/2011.

I'M STILL HERE

2011-07-30T00:47:00.000+02:00

Le cas Joaquin Phoenix a longtemps fasciné les médias, les cinéphiles et les amateurs de tabloids. Impossible de croire sincèrement à la retraite cinématographique de ce fabuleux comédien, qui annonçait en 2008 sa décision de tout plaquer pour se consacrer au hip-hop. Impossible, et pourtant le doute a longtemps subsisté. S'il est désormais établi que tout cela n'était qu'un gigantesque canular destiné à tourner le film dont il est question ici, l'écheveau savamment noué par Phoenix et son beauf Casey Affleck a mis du temps à être démêlé. On avait du mal à gober cette histoire, mais l'aplomb total de l'acteur, apparemment bien décidé à saccager sa carrière, a permis à cette gigantesque entreprise d'affabulation de perdurer aussi longtemps que possible. Il a fallu en fait que I'm still here soit enfin montré au public, puis que Phoenix annonce l'air de rien ses prochains projets ciné, pour que la vérité jaillisse de façon certaine. Ce qui rend le film encore plus passionnant, celui-ci possédant un grand nombre de niveaux de lecture.

Car I'm still here est loin d'être un film de simple petit malin, du genre « regardez comme on s'est bien moqués de vous ». Récit chronologique et méthodique de l'année au cours de laquelle Phoenix amorça (en apparence) son changement de vie, le film n'inclut jamais son propre making of. Autrement dit, l'un des choix essentiels pris par Casey Affleck est de livrer un pur doc sur cette reconversion surprise, comme si elle était "vraie", et pas de disséquer la genèse et les coulisses de cette hallucinante opération de duperie. À une poignée de détails près, on pourrait y croire totalement. Ce premier degré parfaitement assumé est essentiel et assure au film solidité, longévité ainsi qu'une dimension supérieure. Il opère en effet une jonction rarement vue (et en tous points passionnante) entre le genre documentaire et la fiction. En effet, si Phoenix et les rares membres de sa bande savent bien qu'ils sont en train de "jouer" (même si à ce degré d'implication il n'est plus question d'un simple jeu), le reste du monde l'ignore, et agit donc face caméra avec le naturel le plus total. Comment rendre plus crédible, plus palpable, l'histoire préécrite d'un artiste en or décidant un jour de changer de registre et se heurtant soudain à l'incompréhension générale ? Le même récit en mode fictionnel aurait forcément été moins fort par manque d'ancrage dans le réel.

Le plus fort, c'est que bien que le pot aux roses ait été découvert depuis longtemps, I'm still here continue à fonctionner même en le regardant sans cynisme. Le personnage que s'est créé Joaquin Phoenix est un monument de fragilité, de faiblesse, de désorientation, qui s'enlise dans une médiocrité de plus en plus inextricable et s'éloigne à vitesse grand V de la vie dorée dans laquelle il ne s'épanouissait plus, et ce malgré les acclamations des professionnels et du public. Tout quitter pour tenter de se retrouver enfin : c'est l'un des thèmes ô combien sérieux du film, qui ridiculise régulièrement son anti-héros mais le fait avec une moquerie teintée de compassion. Humilié par David Letterman devant des millions d'américains puis par P. Diddy dans un studio d'enregistrement désert, Phoenix semble comprendre assez rapidement qu'il s'est fourvoyé. Mais il décide de persévérer coûte que coûte, et là est la beauté de la chose. I'm still here est l'un des plus beaux portraits de losers qu'il ait été donné de voir sur grand écran. Et cela finit par devenir réellement émouvant.

Sous forme de mockumentary, il aurait sans doute été hilarant, et seulement hilarant ; or I'm still here va bien plus loin que cela. C'est un film magnifique, qui compense ses rares écarts (une scène où l'acteur se fait déféquer dessus par un collaborateur mécontent, que l'on peut voir comme un gigantesque indice destiné à prouver la vraie teneur de l'ensemble) par des scènes d'une profondeur inouïe. L'épilogue et surtout le prologue du film, qui voient Joaquin Phoenix renouer avec la nature et entrer dans une communion mystique que n'aurait pas renié le Gus van Sant de Last days. C'est comme si le Blake joué par Michael Pitt s'était soudain réincarné ici. Le voir s'enfoncer dans la végétation comme s'il souhaitait atteindre enfin le point de non-retour a de quoi donner la chair de poule. Cet objet incroyable et unique, loin d'être une facétie boratienne ou un vague crachat nombriliste, n'a pas fini de faire tourner les têtes.

I'm still here de Casey Affleck. 1h48. Sortie : 13/07/2011.

LA MUJER SIN PIANO

2011-07-28T10:43:00.000+02:00

À presque 50 ans, Rosa mène une existence médiocre entre son mari, qui ne se soucie que de ce qu'elle compte lui cuisiner, et son passionnant job consistant à épiler au laser des clientes manifestement plus aisées qu'elle. La mujer sin piano se penche tout particulièrement sur la nuit où Rosa, excédée mais toujours aussi calme, profite du sommeil de son époux pour faire sa valise et se faire la malle. Pour aller où ? n'importe où sauf ici. Très bien. Très bien.

Le film de Javier Rebollo est une sorte de road movie immobile, qui suit Rosa dans ses vaines tentatives pour s'éloigner de sa vie pourrie. On comprend très vite le principe de l'ensemble : pas aidée par des institutions sans coeur et d'évidentes prédispositions pour la poisse, Rosa ne parviendra jamais à concrétiser sa folle envie de tout plaquer. Un message éminemment déprimant, mais qui aurait pu donner lieu à un long-métrage d'excellente facture si le cinéaste ne se montrait pas aussi lourd dans son illustration. Téléphoné dans son déroulement, usant et abusant d'un symbolisme éculé, le film ne crée rien d'autres qu'une consternation polie.

Refoulée au guichet de la Poste en raison d'une pièce d'identité invalide, dans l'incapacité d'aller aux toilettes à cause des agents d'entretien, interdite de fumer par des lois répressives, Rosa est victimisée à chaque seconde, comme si les conventions sociales et les règles en vigueur étaient seules responsables de sa vie ratée. Et si les acouphènes dont elle est victime sont supposées la rendre encore plus humaine, encore plus digne d'obtenir notre compassion, il n'en est rien : le film n'impose ni le rythme nécessaire ni une intensité suffisante pour permettre de s'identifier et de la prendre en pitié.

Comme dans tout road movie, le parcours de Rosa est jalonné par des rencontres : Rosa croisera en particulier un réparateur polonais en fuite, avant tout intéressé par la bouffe et les appareils électriques. Imperméable à sa détresse, illuminé et légèrement obsessionnel, l'homme n'a d'autre intérêt pour Rebollo que celui d'enfoncer encore un peu plus l'héroïne dans une incommunicabilité édifiante. Le personnage n'est qu'un pion, un symbole de plus, comme tous les autres objets auxquels le réalisateur a recours.

Un tableau qu'on décroche puis qu'on raccroche, un téléphone portable dirigeant tous les appels de Rosa vers une messagerie désespérante, un piano destiné à montrer que cette femme-là n'est pas sans talent : chaque élément du film souffre d'un grave problème de dosage, puisque tout y est soit surligné mille fois, soit absolument sans signification. La mujer sin piano ressemble au film d'un ado qui aurait visionné et mal digéré de nombreux films d'auteur avant d'en recracher maladroitement les tics les plus grossiers. Le cinéma espagnol vaut sans doute mieux que ça.

La mujer sin piano de Javier Rebollo. 1h35. Sortie : 13/07/2011.

THE MURDERER

2011-07-27T12:31:00.001+02:00

C'est l'histoire d'un cinéma coréen rattrapé par un autre. The murderer, deuxième long de Na Hong-jin après The chaser, est le parfait et passionnant symbole de ce qui se trame actuellement dans le cinéma coréen (en tout cas dans celui qu'il nous est permis de voir sur les écrans français) : deux tendances divergentes cohabitent et finissent parfois par se télescoper, de façon plus ou moins heureuse. Les deux tendances en question peuvent se résumer ainsi : il y a la frange délicate, où une écriture ciselée n'empêche pas les sentiments les plus forts (ou les plus monstrueux) d'affleurer ; et il y a la frange brutale, où l'intensité semble devoir se mesurer en fonction du nombre de litres de fausse hémoglobine déversés face caméra.

Pendant près d'une heure et demie, The murderer se veut un brillant défenseur de la frange délicate de ce cinéma si riche. L'écriture est sèche et maligne, la tension permanente, et la perversité de la situation n'échappe à personne. C'est l'histoire d'un joseonjok, terme désignant les 800.000 sino-coréens vivant dans la ville chinoise de Yanji, coincée entre la Corée du Nord et la Russie. Criblé de dettes, il est contraint d'accepter un contrat à l'aveugle : passer la frontière coréenne pour tuer un homme dont il ne connaît que le nom et l'adresse. Les fantômes du héros ne cesseront de le hanter, non seulement parce qu'il n'est pas le genre de type qui tue sans raison , mais également parce que sa femme s'est tirée en Corée quelques mois plus tôt pour le boulot et n'a plus donné de nouvelles par la suite. Interprété magistralement par Ha Jung-woo, le pauvre Gu-nam passe alors des jours et des nuits devant l'immeuble de sa cible, ressassant un plan que l'on devine approximatif, et mangeant des saucisses sur des brochettes comme pour se donner une contenance. Si sa mise en scène n'est pas toujours éblouissante, Na Hong-jin fait preuve dans cette première moitié d'un joli sens de l'espace, d'une vraie conscience politique et surtout d'une maîtrise aiguë des silences et de leur signification. Souvent seul devant la caméra, désemparé dans un pays qu'il ne connaît pas et qui ne veut pas de lui, le personnage principal s'enferme dans un mutisme qui nous terrasse.

Le film s'articule autour d'une longue séquence jouant réellement le rôle de pivot, puisqu'elle va à la fois bouleverser tous les enjeux précédemment mis en place, mais également influer sur le style de l'heure restante. Se déroulant à l'instant même où Gu-nam décide enfin de passer à l'acte, elle mêle une belle surprise scénaristique, une scène d'action violente en diable, et une course-poursuite effrénée qui n'a pas fini de servir de modèle aux cinéastes du monde entier. Somptueuse... mais fatale. Car peu après, The murderer finit par basculer doucement mais sûrement dans la fameuse frange brutale présentée plus haut. L'évolution de l'intrigue explique en partie ce basculement, puisqu'il est à présent question pour des personnages aux motivations opposées de chercher à avoir le dessus sur les autres. Une guerre des clans dans laquelle certains clans sont composés d'une seule personne, déterminée à aller jusqu'au bout de ses capacités physiques et mentales pour s'en sortir. En bref, un jeu de massacre pervers et parfois jouissif, mais qui fait perdre au film l'inquiétante beauté qui le faisait tant briller jusque là. Symbole de ce changement de cap, Gu-nam finit même par passer au second plan, éclipsé par un certain Myun, mafieux charismatique et ultra-violent, qu'on se régale à regarder évoluer tout en se demandant s'il ne s'est pas trompé de film. Heureusement, Na Hong-jin connaît les limites de ce système et ne dépasse quasiment jamais la ligne blanche, même s'il faut regretter la présence de quelques images du genre "gros plan sur une hache qu'on sort doucement du crâne d'une victime".

L'oeuvre magistrale entrevue en début de métrage laisse donc place à un thriller honnête, efficace, bien mené jusqu'à son terme, mais qui tend hélas à s'éparpiller en multipliant les protagonistes et les enjeux là où on aurait aimé pouvoir continuer à suivre le fameux meurtrier du titre français. Le film s'achève même en demi-teinte, comme sur les rotules, au gré d'une conclusion un peu plate et surtout déjà vue. Le contexte géopolitique saisissant et l'effroi palpable du vibrant Gu-nam semblent avoir été jetés aux orties en cours de route sous l'effet du manque d'inspiration ou d'influences néfastes. Il n'empêche que ce Murderer demeure bien plus profond que les récents monuments de vacuité qui nous ont été envoyés de Corée, de Breathless à J'ai rencontré le diable...

The murderer (The yellow sea / Hwanghae) de Na Hong-jin. 2h20. Sortie : 20/07/2011.

[DVD] 2 films de Jacques Audiard | 2 films de Cristian Mungiu | France Inter

2011-07-26T17:06:00.001+02:00

Après notamment Xavier Beauvois et Ken Loach, c'est au tour de Jacques Audiard et Cristian Mungiu d'être à l'honneur de la collection DVD 2 films de... initiée par France Inter. Deux doubles programmes hétéroclites mais quoi qu'il en soit nécessaires.

Pour Jacques Audiard, tout a commencé avec Regarde les hommes tomber, premier film venu de nulle part qui lui a permis de se faire un prénom en un clin d'oeil. L'un des fabuleux atouts de ce joyau est sa narration ultra-moderne, Audiard étant l'un des très rares cinéastes français capables de retrouver le ton des meilleurs romans noirs américains. Seul le Corneau de Série noire semble en fait l'avoir devancé... L'autre immense qualité du film, c'est son casting impressionnant, avec sa triplette d'interprètes que l'on n'aurait jamais imaginés ensemble. La classe très sèche du grand Jean-Louis Trintignant, dans l'un de ses derniers rôles importants sur grand écran, s'allie idéalement à la fragile innocence du petit Mathieu Kassovitz, tout le temps en train de bouffer, et dont le naturel laisse pantois. Quant à Jean Yanne, qui évolue en parallèle dans un registre éminemment douloureux, il rappelle son immense potentiel d'acteur, trop peu exploité si ce n'est par Pialat et Chabrol. La mécanique du film est parfaitement huilée mais tolère les micro-incidents, qui lui confèrent une incroyable humanité. Tendu de part en part, stressant comme un thriller mais poignant comme un drame, Regarde les hommes tomber reste le meilleur film d'un Audiard pas encore conscient de son propre talent.

Cinq ans après le fameux Un héros très discret, dans lequel il retrouvait Kasso dans le rôle d'un mythomane professionnel, Jacques Audiard revient avec Sur mes lèvres, film qui accroît subitement sa popularité auprès du public. Paradoxalement, il s'agit pourtant de son moins bon film, amorçant un glissement regrettable (mais pas dramatique) vers un cinéma trop calculé, trop soucieux d'être magistral, trop conscient de ses effets. Techniquement, comme ce fut le cas ensuite pour De battre mon coeur s'est arrêté et Un prophète, c'est parfait. La photographie est archi travaillée, le jeu sur le son poussé à son paroxysme (le personnage joué par Emmanuelle Devos est malentendant), les prestations des acteurs réglées au millimètre (Devos piqua d'ailleurs le César promis à Audrey "Amélie" Tautou)... Résultat : pas une once d'oxygène ou d'imprévu, pas la moindre faille, rien qui différencie ces héros-là de simples robots. Quant à l'intrigue, bâtie par Audiard et Tonino Benacquista, elle traîne souvent des pieds, à tel point que le climax tant attendu ne prend pas vraiment. Sur mes lèvres est un film propre, dans le bon sens du terme comme dans le moins bon, mais c'est surtout le symbole de la fin d'un grand cinéaste, qui laissa ensuite place à un professionnel ultra doué mais sans âme.

Regarde les hommes tomber de Jacques Audiard. 1h50. Sortie : 31/08/1994.
Sur mes lèvres de Jacques Audiard. 1h55. Sortie : 17/10/2001.

En mai 2007, un jeune cinéaste roumain fait imploser la Croisette et le jury de Stephen Frears, qui lui décerne une Palme d'Or approuvée par la majorité des festivaliers : avec 4 mois, 3 semaines, 2 jours, Cristian Mungiu réussit son entrée par la grande porte... bien que son film soit un puits de vacuité sans fond, un monument de provocation gratuite et de faux bon cinéma d'auteur. Racoleur, complaisant et plus poseur que jamais, le film surexploite son sujet principal (l'avortement clandestin) pour jouer avec les nerfs du spectateur et lui mettre le nez dans la misère des personnages sans lui donner le droit de prendre de la distance. Faut-il vraiment servir un foetus mort sur un plateau pour choquer ou éveiller les consciences ? Pas sûr. Mais la relative maestria technique du roumain aura eu raison de bien des pigeons. Cette Palme 2007 fut une mauvaise nouvelle pour le cinéma d'auteur en général, et pour le cinéma roumain (plutôt en forme depuis le début du siècle) en particulier.

Curieusement, Mungiu revient à Cannes deux ans plus tard, mais de façon plus que discrète puisqu'il débarque à Un Certain Regard avec un film à sketches ouvertement comique, réalisé avec d'autres réalisateurs roumains. Loin du provoc 4 mois..., Contes de l'âge d'or est un film modeste mais chaleureux, qui brocarde avec tendresse mais sans pitié le système Ceaucescu. Hypocrisie, propagande, manipulation et excès en tous genres ont fait de cet Âge d'Or un moment passablement désagréable pour une Roumanie transformée en vrai petit théâtre absurde. Ce que les 4 sketches proposés ne manquent pas de rappeler. Sorti en France fin 2009, ce film tordant et édifiant (dont la critique complète est à retrouver ici) fut suivi d'une deuxième partie sortie en juillet 2010 (critique ici), presque aussi savoureuse et toujours dirigée par un Mungiu apparemment pas pressé de nous livrer son deuxième long-métrage.

4 mois, 3 semaines, 2 jours (4 luni, 3 saptamini si 2 zile) de Cristian Mungiu. 1h53. Sortie : 29/08/2007.
Contes de l'âge d'or (Amintiri din Epoca de Aur) de Cristian Mungiu, Ioana Uricaru, Hanno Höfer, Rãzvan Mãrculescu et Constantin Popescu. 1h20. Sortie : 30/12/2009.

ABSENT

2011-07-25T17:50:00.014+02:00

Malaxer les genres pour traiter de l'homosexualité, qu'elle soit sous-jacente, refoulée ou finalement assumée : tel semble être le plan de carrière de Marco Berger, dont l'Absent débarque chez nous un an moins un jour après un Plan B fichtrement prometteur. Après être passé par la case comédie romantique / bromance pour son premier long, le cinéaste argentin touche ici au thriller psychologique et au huis clos pour montrer l'éveil aux sentiments d'un jeune nageur vraisemblablement attiré par son professeur de sport. La mise en place est feutrée et délicate, tournant patiemment autour des protagonistes et laissant les situations dans un flou artistique volontaire. Puisqu'il s'agit de faire planer l'ambiguïté autour des deux personnages, il serait inconscient de foncer dans le tas. Alors, comme dans Plan B, Berger prend son temps.

Le défaut d'Absent, c'est qu'il semble au final trop évasif, pas assez appuyé pour que son propos soit clairement identifiable. À des dialogues risquant d'être trop didactiques, Berger préfère les longues scènes muettes ou presque, hélas trop appuyées par une illustration musicale à la limite du lourdingue. On a bien compris ses envies de jouer avec les codes du thriller, de tirer du suspense à partir d'éléments semblant en être totalement dépourvus, mais sa façon de procéder manque sérieusement de finesse. C'est comme si le réalisateur comptait sur la partition musicale pour signifier ce qu'il n'ose dire clairement dans son script. Cela aurait sans doute pu fonctionner à l'aide d'un compositeur de génie ; ce n'est franchement pas le cas ici, ce qui donne parfois à Absent des allures de film pompier.

Fort heureusement, le film de Marco Berger atteint régulièrement de troublants sommets. Il opère une saisissante inversion des points de vue, imperceptible pendant un bon moment, afin de quitter les yeux du jeune Martin pour adopter le regard de Sebastian, son professeur, dont le désarroi se fait de plus en plus profond. À quel instant réalise-t-il qu'il est l'objet du désir de Martin ? Quelle est la nature exacte de la gène qu'il éprouve ? Berger ne répondra pas avec précision à ces questions, préférant se faire de plus en plus vaporeux quitte à perdre l'attention de son audience. Fantasmes, rêves, réalité : tout se mélange dans l'esprit des deux personnages, et leur confusion est la nôtre, sans que l'on sache jaais vraiment si tel était le but.

Absent (Ausente) de Marco Berger. 1h20. Sortie : 27/07/2011.

SUBMARINE

2011-07-25T12:37:00.020+02:00

Submarine est un film assez difficile à défendre. Non pas qu'il s'agisse d'un drame ouzbek de sept heures douze sur la dépression filmée en temps réel d'un mineur unijambiste. Si les immenses atouts du film de Richard Ayoade sont aussi difficiles à mettre en avant, c'est parce qu'il possède toutes les caractéristiques typiques du petit film indépendant américain sur la jeunesse torturée d'un lycéen intello-dandy. Submarine, c'est Rushmore, c'est Gentlemen broncos, c'est mille films alliant distanciation, décalage et une pointe de snobisme pour raconter les premiers émois amoureux et culturels d'un adolescent génialement en marge. Un ado généralement fan de romans de science-fiction possiblement démodés, ou de chanson française à la mode, du genre Françoise Hardy ou Serge Gainsbourg.

Non, décidément, il est bien délicat de vanter les mérites de ce savoureux premier film en le racontant par le menu. Pourtant, malgré son côté déjà vu, Submarine est un film pétri de singularités, d'élans narratifs originaux, de sentiments universels et pourtant si peu explorés. Découpé de façon littéraire (prologue - 3 chapitres - épilogue), le film donne à voir l'adolescence telle qu'elle est vraiment, même s'il tend à la déformer à travers un prisme légèrement hype. Autrement dit, il est assez aisé de s'identifier au jeune Oliver Tate, 15 ans, amoureux d'une fille pas spécialement charmante (mais c'est souvent le propre de l'amour que de viser là où on ne l'attend pas) et contraint d'observer des parents qu'il considère comme ringards suivre des trajectoires divergentes... sauf que tout ceci est raconté à grands renforts de digressions, d'élucubrations mentales et d'astuces de montage. Résultat : le film atteint un équilibre assez miraculeux entre mélancolie nostalgique, causticité grinçante et classe infinie.

Si le film parvient à toucher à ce point, c'est sans doute parce que contrairement à Rushmore, mètre-étalon absolu du genre, il n'est pas hanté par cette obsession du cadre parfait qui peut autant séduire que rebuter chez Wes Anderson. Réalisé "à l'ancienne", comme un document provenant des années 80, Submarine a le charme des vidéos Super-8... tout en se moquant bien de ce genre d'artifice. À plusieurs reprises, le narrateur tentera d'imaginer à quoi pourrait ressembler l'adaptation cinématographique de tel ou tel moment de sa vie, façon assez craquante de condamner les clichés du genre. Et c'est par la force de ce décalage permanent, comme s'il était conscient à chaque seconde de ne pas livrer le film le plus neuf de l'histoire et qu'il décidait d'en jouer, que Richard Ayoade (venu de la série The IT crowd) réussit pleinement son coup. Le reste est assuré par un casting tout bonnement ahurissant, mené par le jeune Craig Roberts. Quelque part entre Harmony Korine et Anton Yelchin, l'acteur navigue entre flegme et angoisse, sans jamais tomber dans le côté poseur inhérent à ce genre de personnage. Mis en musique par Alex Turner (Arctic Monkeys), ce Submarine aura peut-être du mal à passer à la postérité, mais son réalisateur a sans doute de beaux jours devant lui.

Submarine de Richard Ayoade. 1h47. Sortie : 20/07/2011.

Séances de rattrapage : PATER / J'AI RENCONTRÉ LE DIABLE / LA PERMISSION DE MINUIT

2011-07-22T16:32:00.001+02:00

Se marier, c'est aussi cesser d'aller au cinéma et d'écrire sur le cinéma pendant des jours ou même des semaines... Allez, rattrapons le temps perdu et tournons-nous vers l'avenir.

Difficile de le nier : Pater est un bon film, stimulant et ludique. En revanche, son statut de petit chef d'oeuvre, accordé par plus d'un spectateur depuis sa projection à Cannes, est plus difficile à saisir. Car ce petit jeu éminemment conceptuel, dont il semble difficile de saisir toutes les règles, est une kermesse intimiste et politique dont la portée reste très limitée. La bouffe, les rapports de pouvoir, la fiction, la réalité, les hommes : Cavalier (acteur très moyen face caméra, qui joue le Président de la République avec l'aplomb d'en enfant de six ans) et Lindon (aah, Lindon, qu'on rêve de voir devenir Premier Ministre) s'amusent beaucoup, nous amusent aussi, mais semblent au final assez conscients du caractère anecdotique de l'ensemble, de la maigreur voire de l'inexistence du message délivré... Original, singulier, mais sans structure, Pater est un film chouettement inhabituel, certes, mais c'est loin d'être la plus belle oeuvre de Cavalier, notamment auteur de journaux filmés pétris de sens et d'émotion.

Thriller fantastique, film noir, western spaghetti : tour à tour, le sud-coréen Kim Jee-woon explore chaque genre avec une pédanterie et une inculture qui rendent d'autant plus incompréhensible son succès d'estime. Pur thriller mâtiné de film de vengeance, J'ai rencontré le diable est une nouvelle preuve de l'absence totale de talent de ce pauvre mec, réduit à aligner les petites provocations visuelles pour tenter de faire vivre des personnages émaciés et des situations barbantes. Écrit avec du sang, ce film-ci est simplement consternant, d'autant qu'il met plus de deux heures vingt pour mettre en place une seule et même idée : en gros, la vengeance est un plat qui se mange très froid, et en prenant vraiment son temps. L'argument idéal pour ce cinéaste de pacotille, qui prend un malin plaisir (quel ennui) à aligner les séquences d'acharnement physique. Un snuff movie aurait eu plus de tenue et d'intérêt que ce pur navet dans lequel Choi Min-sik, jadis splendide dans Old boy, n'en finit plus de cabotiner.

Anecdote passionnante : Delphine Gleize est la fille de madame Gleize. Jusqu'ici, rien de nouveau, sauf que madame Gleize était la formidable conseillère principale d'éducation du collège dans lequel j'ai usé mes fonds de culottes. Hélas, cet incroyable lien existant entre Delphine et moi ne suffit pas à rendre cette Permission de minuit passionnante ou même sympathique. Filmée moche et racontée avec un excès de sérieux qui finit par basculer dans le sinistre, cette histoire d'un "enfant de la lune", allergique à la lumière du jour, et du grand médecin chargé de son dossier n'est que gris et tristesse, sans guère d'aspérité. Spécialisée dans l'insertion parfois saugrenue de petites bizarreries narratives ou visuelles destinées à perturber le spectateur, Gleize ne parvient jamais à trouver l'idée stimulante ou l'angle original qui auraient permis de rendre l'ensemble un peu moins inintéressant. Mais Vincent Lindon est toujours aussi grand. D'ailleurs, c'est amusant, on parle de La permission de minuit dans Pater. Le cinéma, c'est fou.

Pater d'Alain Cavalier. 1h45. Sortie : 22/06/2011.
J'ai rencontré le diable (Akmareul boatda) de Kim Jee-woon. 2h22. Sortie : 06/07/2011.
La permission de minuit de Delphine Gleize. 1h50. Sortie en salles : 02/03/2011. Sortie DVD : 05/07/2011.

Alors...

2011-07-16T11:00:00.001+02:00

Lettre à toi, cher lecteur

2011-07-12T23:23:00.004+02:00

Bonjour, cher lecteur. J'espère que je ne te manque pas trop. Mais vois-tu, l'ordinateur de la maison est en train d'être opéré à cœur ouvert, je ne trouve pas le temps de voir des films parce que j'ai mes raisons, et puis je suis en pleine réflexion parce que j'ai envie d'ouvrir un nouveau blog ciné spécialisé (je ne te dis pas en quoi), comme si je n'avais pas déjà assez de travail. Je reviens la semaine prochaine, gentil lecteur, et je te raconterai peut-être le bien (relatif) que je pense de Pater, ma haine absolue pour J'ai rencontré le diable, mon enthousiasme fragile pour I'm still here, mon indifférence à l'égard de La permission de minuit... On parlera aussi de Skolimowski et de films argentins.

Merci de t'être inquiété.

Je t'embrasse,

Rob

UN AMOUR DE JEUNESSE

2011-07-04T17:09:00.000+02:00

Le talent est dans l'imperceptible. Sans coup férir, Mia Hansen-Løve vient une nouvelle fois de nous le prouver. Pas loin d'être irréprochable, son troisième long-métrage est une nouvelle fois porté par la grâce, la vraie, celle qui transporte personnages et spectateurs au-delà de leurs carcans habituels. Un amour de jeunesse est un film-tortue, qui part modestement pour s'approcher ensuite de la ligne d'arrivée avec autant de patience que de panache. Un petit miracle d'écriture et de mise en scène qui subjugue d'autant plus qu'il est difficile d'en saisir le fonctionnement.

D'un postulat que l'on pensait connaître par coeur (la description d'un amour adolescent, puis ses répercussions à l'âge adulte), la réalisatrice tire un film intime et personnel, dont les aspects autobiographiques (notamment l'histoire d'amour avec un homme plus âgé) ne doivent pas parasiter la très bonne tenue de son univers fictionnel. Construit en trois parties correspondant chacune à une étape du parcours amoureux de la jeune Camille, le récit s'étend sur une période d'une dizaine d'années mais parvient à éviter tous les pièges liés au vieillissement et à l'évolution de ses protagonistes. Science des détails et sens de l'harmonie : Hansen-Løve sait faire exister et durer ses personnages, comptant pour cela sur des interprètes irréprochables. La jeune Lola Creton, parfaitement dirigée, se tire merveilleusement d'un rôle extrêmement difficile : aussi crédible en gamine de 15 ans qu'en jeune architecte, elle est le joli fil conducteur de cet Amour de jeunesse, qu'on ne lâcherait pour rien au monde.

La grande beauté du film tient à sa façon de décrire l'instant présent et de le rendre aussi intense que possible, jusqu'à nous faire oublier comment on en est arrivé là et quelles seront les conséquences. Qu'il y ait risque de rupture amoureuse ou ébauche de triangle amoureux, il n'est jamais question d'en faire une affaire de suspense, mais bien de disséquer les sentiments, leur évolution, les impulsions et aspirations de chacun. Quand Camille, après avoir enfin trouvé ce qui semble être une existence stable, retrouve sur sa route le Sullivan qu'elle aima tant, l'enjeu n'est pas de savoir s'il y aura faute ou non, fuite ou non. C'est aussi ça, la patte Hansen-Løve : traiter les sujets les plus graves, les plus blessants, sur un ton faussement paisible, où l'hystérie n'a pas lieu d'être. Les problèmes d'adultes peuvent aussi se régler sans hauts cris, mais cette absence de décibels est pourtant loin de leur ôter toute leur sève cinématographique ; c'est ce qu'a compris depuis ses débuts cette cinéaste hors pair, douce mais sans illusions.

Il y a cependant une réserve à émettre, un petit "mais" à brandir pour expliquer qu'Un amour de jeunesse est sans doute le moins fabuleux des trois films de la réalisatrice : le choix ou la direction de l'un des acteurs. On a toujours salué la qualité absolue des castings de Mia Hansen-Løve, composés d'acteurs peu ou pas connus mais toujours incontestables. Ici, c'est encore le cas à une exception près. Venu d'Allemagne (on l'a notamment vu dans le brillant Pingpong), Sebastian Urzendowsky incarne Sullivan, l'amour de jeunesse de Camille, celui qui marquera au fer rouge son adolescence avant de venir perturber plus ou moins malgré lui ses certitudes d'adulte. L'idéal aurait été qu'on s'attache à ce couple fragile, qu'on s'interroge sur sa pérennité, qu'on ressente la brûlante passion qui envahit Camille dès qu'elle croise ou recroise ce premier amour. Hélas, par excès de préciosité et de maniérisme, et sans doute parce qu'il n'est pas tout à fait à l'aise avec la langue française, l'acteur rend Sullivan assez antipathique et déséquilibre en grande partie l'architecture de l'ensemble. D'autant que l'autre homme de la vie de Camille, interprété par le danois Magne Havard Brekke, est aussi passionnant que charismatique.

Malgré ce défaut, Un amour de jeunesse est un délicat roman d'éducation qui voit une femme se construire en temps réel ou presque. Pour Camille et pour tant d'autres, tout est affaire de fascination : celle qu'exerce Lorenz, brillant architecte qui prodigue des cours souvent abstraits mais toujours passionnés, et qui finira par devenir davantage que son maître à penser ; et celle qu'exercera toujours Sullivan, petit être apparemment sans dimension, mais qui restera à jamais le premier amour de la jeune femme, celui qu'elle n'oubliera jamais, qui influera consciemment ou non sur chacune de ses décisions. La fascination de Camille est la nôtre. De quoi quitter la salle les yeux légèrement mouillés, transis de déférence à l'égard d'une cinéaste unique dont l'ahurissant parcours est loin de s'achever ici.

Un amour de jeunesse de Mia Hansen-Løve. 1h50. Sortie : 06/07/2011.

[CONCOURS] HARRY POTTER ET LES RELIQUES DE LA MORT - PARTIE 1 : gagnez 2 DVD

2011-07-03T16:31:00.003+02:00

Avant de découvrir le huitième et dernier film de la saga Harry Potter (qui sort le 13 juillet en salles), je vous propose de revoir le volume 7 à la maison. Pour participer au tirage au sort et gagner l'un des 2 doubles DVD mis en jeu, 2 possibilités :

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Comme il est tout à fait permis de cumuler, cela donne deux façons de gagner un DVD de Harry Potter et les reliques de la mort - partie 1. Tirage au sort dimanche 10 juillet.

À venir : des places à gagner pour aller voir l'ultime volet en salles.

Séances de rattrapage : INSIDIOUS / LA PRIMA COSA BELLA / NI À VENDRE NI À LOUER

2011-06-30T21:40:00.000+02:00

Il est temps que les vacances scolaires arrivent... Sur les rotules, les yeux fatigués, je n'ai que ces quelques lignes à vous offrir.

C'est confirmé : James Wan aime les vieux pantins, les vieux visages et les vieux fonds de tiroir. Vaste compilation des courants les plus en vogue du cinéma fantastique (de l'horreur pur jus au surnaturel), Insidious ne crée rien d'autre qu'un terrible malaise : celui qu'éprouve le prof à la lecture d'une copie clairement pompée sur les meilleurs élèves de la classe. D'influences trop visibles en séquences éculées, Wan s'empêtre dans un rôle de mauvais copycat, jamais capable de susciter effroi ou angoisse malgré des excès en tous genres. C'est bien dommage, tant le couple Rose Byrne - Patrick Wilson semblait idéalement choisi pour incarner le malaise d'un foyer tout entier. Multipliant les fautes de goût depuis le succès inattendu de Saw, James Wan prouve une fois encore qu'il est l'un des pires usurpateurs d'Hollywood.

C'est l'histoire d'une mère courage qui fit tout pour préserver et élever ses enfants dans les meilleures conditions, et ce malgré les assauts du monde extérieur et des hommes. Bien que pas très fin, ce portrait d'une mamma à l'italienne, sexitude en supplément, aurait pu donner lieu à une chronique plutôt recommandable ; hélas, Paolo Virzi (Napoléon et moi) choisit d'alterner deux époques et de montrer, en parallèle, les derniers jours de l'héroïne, âgée et atteinte d'un cancer, sous le regard de ses enfants. Là, on plonge dans les pires travers du cinéma italien : ultra-larmoyant, à la limite du putassier, le film ne s'écroule pas tout à fait grâce au personnage du fils, un bon vieux macho italien, qui peine à prendre conscience des sacrifices fournis par sa mère durant toute son existence. Ce qui ne justifie pas que Virzi nous inflige d'indécents tunnels de larmes. Et pourquoi pas filmer la veillée funèbre en temps réel ?

Un an après le succès surprise des mignons Petits ruisseaux, Pascal Rabaté remet ça, bien décider à imposer son univers au cinéma. Voiturette sans permis, partie de pêche, envie de vacances : Ni à vendre, ni à louer renoue avec les tendres facettes du film incarné par Daniel Prevost, à un imposant détail près. Conscient de son statut de metteur en images prometteur, Rabaté nous livre un film sans paroles, façon Tati, et entrecroise en silence les mésaventures balnéaires d'une brochette de français relativement moyens. Résultat : un ensemble qui fonctionne par intermittence, fait sourire parfois mais rire jamais, et rappelle que Tati avait globalement fait le tour de la question avec Les vacances de M. Hulot, film d'un tout autre acabit. Faisant également penser aux élucubrations du fatigant trio Abel/Romy/Gordon, le deuxième film du bédéiste manque tout simplement de Rabaté pour parvenir à susciter autre chose qu'un ennui poli. Mais, tant qu'on y est, vive François Morel.

Insidious de James Wan. 1h42. Sortie : 15/06/2011.
La prima cosa bella de Paolo Virzi. 1h51. Sortie : 29/06/2011.
Ni à vendre ni à louer de Pascal Rabaté. 1h20. Sortie : 29/06/2011.

OMAR M'A TUER

2011-06-23T10:32:00.000+02:00

Les auteurs de polars l'ont bien compris : l'investigateur est souvent plus passionnant que l'enquête en elle-même, a fortiori si le suspect principal est un faux coupable trop évident. Le deuxième film de Roschdy Zem en est la preuve éclatante : dans Omar m'a tuer, ce n'est pas l'affaire Raddad, pourtant fascinante, qui en fait l'intérêt principal, mais la façon dont un homme va surgir de nulle part pour tenter de démontrer son innocence. Cet homme, c'est Pierre-Emmanuel Vaugrenard, écrivain tourmenté par une élévation sociale qui le culpabilise. Les plus belles scènes du film sont celles où Vaugrenard, descendu à Marseille pour coller au plus près de ce drame qui l'obsède, se cloître dans sa chambre d'hôtel pour reconstituer les faits et tenter de comprendre. Il fallait bien le génie lumineux de Denis Podalydès, qui fait aisément oublier ses facéties de La conquête, pour tirer le meilleur de ce zébulon angoissé. Son Vaugrenard ressemble au Rouletabille qu'il interpréta par deux fois sous la direction de son frère et au détective Luigi Primo incarné par Sergio Castellitto dans le grand À vendre de Laetitia Masson (« Je suis France Robert).

Bien entendu, Podalydès n'est pas le héros du film. Roschdy Zem lui accorde néanmoins une place non négligeable, ce qui a d'ailleurs pour effet de sauver les meubles. Car pour le reste, Omar m'a tuer n'est qu'une reconstitution un peu plate, un assemblage factuel et plaintif d'où n'émerge aucune thèse, aucun point de vue. Le seul parti pris que semblent prendre Zem et ses co-scénaristes (dont Rachid Bouchareb) a même tendance à desservir Omar Raddad : là où il aurait fallu de la combattivité, du mordant, le film tombe régulièrement dans une victimisation outrancière. Il y a ici une façon assez complaisante de filmer Raddad en train de pleurer, de clamer son innocence, de subir les pires traitements. Après avoir réalisé le mignonnet Mauvaise foi, Roschdy Zem a sans doute imaginé avoir assez d'épaules et d'expérience pour s'attaquer à un tel sujet. Son film manque hélas de carrure, de style, d'intensité : c'est le devoir trop appliqué d'un élève crispé par son sujet.

À ce titre, la prestation de Sami Bouajila a de quoi faire débat. Si les qualités de l'interprète sont difficiles à remettre en cause, il se dégage de sa prestation une sorte de gêne. Méthode Actors Studio dans la poche, Bouajila s'est fait la gueule de Raddad, avec le même nez accidenté et le même front interminable. Il singe avec réalisme le regard perdu et mouillé de l'accusé martyr. Pourtant, sa prestation ne nous touche jamais, probablement parce qu'il ne s'en dégage aucune humanité, juste des tonnes de froideur. Le Bouajila qu'on aime, sensoriel, délicat, parfois sanguin, a laissé place à un technicien hors pair, une machine artistique sans faille, d'un terrifiant ennui. Si bien que l'une des affaires criminelles les plus saisissantes du siècle dernier, imbroglio policier et sous-texte politique à la clé, se mue à l'écran en un film conventionnel qui ne touche jamais. On a de la peine pour Raddad comme on en a pour le film, qui milite sans passion pour la réhabilitation de ce pauvre petit jardinier auquel la vie n'a pas vraiment fait de cadeau.

Omar m'a tuer de Roschdy Zem. 1h25. Sortie : 22/06/2011.

Snatch Magazine Release Party #8 | Nouveau Casino & Café Charbon

2011-06-22T09:41:00.001+02:00

Le 24 mai, Snatch Magazine sort son huitième numéro, le meilleur depuis sa naissance. À cette occasion, les grands enfants du mag nous ont concocté une chouette soirée, comme à chaque fois. Celle-ci se déroulera au Nouveau Casino et au Café Charbon, lieu génialement bicéphale situé au 109 rue Oberkampf (Paris 11).

J'y serai probablement, le temps de siroter quelques verres en écoutant de très (mais alors très) bons artistes prendre possession des lieux. J'avoue n'en connaître aucun, mon inculture musicale étant chaque jour plus grande ; mais j'imagine que le niveau sera aussi élevé que lors des précédentes Release Parties. Je ne vais pas jouer au mec qui s'y connaît, ça ne serait pas crédible deux secondes : autant laisser parler le communiqué de presse.

Après un premier anniversaire de haute volée au mois d’avril, Snatch Magazine remet les pieds dans le plat musical avec une soirée qui risque d’être un moment d’anthologie pour nous tous. Préventes fortement conseillées si vous voulez dire plus tard que vous y étiez !

Mustang est la rencontre entre Renaud Deru et Andy Falsca. Partageant la même passion pour la House, Italo Disco ou encore les classiques Pop, ils ont sorti leur premier EP en 2009 sur l’excellent label Gomma. Cette sortie les a vite fait remarquer par des producteurs comme Vitalic ou Two Door Cinema Club pour faire des remix de leurs titres.

Linus Eklow aka Style Of Eye est un DJ et producteur suédois, globetrotter des platines. Il a sorti son dernier EP sur Sound Pellegrino avec des remixes de Zombie Disco Squad et Darabi. Aussi à l’aise derrière les platines qu’en studio, cet amateur de fromage va vous montrer que la Suède est l’autre pays de la sueur… sur le dancefloor !

Consacré meilleur espoir de la dance music par The Wire, Jackson & His Computer Band, DJ, producteur et remixeur hors pair, doit ce qualificatif à l’évolution permanente de son son. Sur disque ou sur scène, vous découvrirez à chaque fois une nouvelle facette de l’artiste dont le but unique est de vous faire danser !

La revanche a sonné, préparez vous à l’avalanche de lazer, les Nerds sont de retour. Composé de Marvy Da Pimp & Manaré, les deux frères s’opposent tel Super Mario et Sonic, l’un armé de basses destructives et l’autre de rythmes et synthé digitaux. Un nouveau show tech/house vs bass music et un nouveau swag à ne pas rater !

Producteur, compositeur - concepteur musical, arrangeur, réalisateur, directeur artistique et profondément Hip-Hop, Dj Sek « Kessey », co-fondateur du mythique label Time Bomb Records, cumule les aptitudes, les talents de création et le goût pour les plus beaux sons. Il prendra le contrôle de la danse au Café Charbon toute la nuit.

En résumé, la Snatch Mag Release Party #8, c'est :
STYLE OF EYE,
MUSTANG,
JACKSON & HIS COMPUTER BAND,
REVENGE OF THE NERDS (LA Complot),
DJ SEK "KESSEY" (TIME BOMB/MIC PRO),
des gens beaux et qui sentent bon (dont moi),
de délicieuses boissons à consommer avec plus ou moins de modération,
et sans doute l'occasion de rafler un ou plusieurs exemplaires de ce superbe numéro d'été.

10 euros en prévente, 14 euros sur place, et un événement Facebook pour récapituler tout ça.

Allez viens, quoi, on t'attend.

BALADA TRISTE

2011-06-19T08:40:00.003+02:00

La parenthèse britannique de Crimes à Oxford mise à part (ainsi que son Perdita Durango, spin-off de Sailor & Lula d'après Barry Gifford), Alex de la Iglesia semble faire toujours le même film depuis le début de sa carrière. On y voit des gens ordinaires, marginalisés de par leur condition sociale ou leur physique ingrat, devenir des parangons de médiocrité pour écrabouiller leurs congénères et/ou accomplir la vengeance d'une vie. Les films d'Alex Deléglise commencent souvent sur les chapeaux de roue, au rythme d'une idée par plan et de mille plans par minute. Chacun de ses films respire la passion d'un cinéaste transporté par l'envie de raconter de vraies histoires et de secouer sans cesse le spectateur quitte à le rendre nauséeux. Ce qui finit toujours par arriver : bien que talentueux, le metteur en scène finit toujours par ne plus pouvoir suivre un scénariste impossible à canaliser et dont les postulats délirants virent toujours à l'eau de boudin. Mettre en valeur des personnages singuliers puis les réduire en charpie comme un gosse piétinerait ses jouets : voilà le cinéma d'Alex de la Iglesia, artiste passionnant qui n'est toujours pas parvenu à nous offrir un film plus qu'à demi-convaincant.

Passé par le festival de Venise et porté par une réputation tumultueuse, ce Balada triste (de trompeta) est à l'image du travail habituel de son réalisateur... en bien pire. La scène d'ouverture suffit à donner une idée de l'absolue laideur de l'ensemble. L'image est grise et sale, symbole de la complaisance permanente d'un film bien décidé à tirer au maximum sur la corde afin d'extraire ce qu'il y a de plus pathétique chez chacun de ses personnages. Pour en faire quoi ? Rien, absolument rien, si ce n'est du pathos débité au mètre. Balada triste ressemble trait pour trait à ses héros, deux clowns bien décidés à devenir les meilleurs du marché et à ravir le coeur d'une belle acrobate. Or, par essence, les clowns ne sont pas drôles. Juste un peu sordides, et ce malgré leur nez rouge, leur attirail et leurs mauvaises blagues. C'est tout le drame d'Alex de la Iglesia : il gesticule en permanence, nous balance ses effets à la tronche, mais ne ramasse à la sortie qu'une série de bides assez consternants. S'il a tendance à commencer fort pour s'écrouler ensuite, il se plante ici dès le début en forçant le trait dans les premiers plans, pour ne plus jamais s'en relever.

À la vue de cet effroyable marasme, deux constatations s'imposent. Primo, De la Iglesia a visiblement tout intérêt à rester fidèle à son éternelle image de sale gosse fan d'humour macabre et de massacres généralisés. Après une expérience anglophone un rien conventionnelle, il tente avec Balada triste de renouer avec son style d'antan tout en adoptant un positionnement plus adulte, plus responsable. Parlant explicitement du franquisme dans les premières bobines, tentant ensuite une métaphore filée en faisant de ses clowns les symboles du déchirement de l'Espagne, le réalisateur a visiblement voulu atteindre la consécration et réussir le fameux « film de la maturité ». C'est à peu près aussi crédible que Gad Elmaleh tentant de nous émouvoir dans La rafle.

Deuxième conclusion : s'il ne semble pas pouvoir trouver de sitôt une quelconque crédibilité de cinéaste sérieux, l'Espagnol doit cependant trouver des solutions pour enfin se renouveler. De nombreuses fragments de Balada triste rappellent des morceaux plus convaincants de ses précédents films. La lutte fratricide et absolue entre les deux clowns n'est qu'un remake déguisé du combat acharné que se livrent les deux comiques de son inédit Mort de rire. Le combat final sur la croix géante ressemble à s'y méprendre à la conclusion de Mes chers voisins, récit d'une querelle de voisinage se déroulant dans un immeuble cossu. Situations, personnages, ambiances : tout semble déjà vu, en plus mou, plus triste, moins sinueux. Seule une partie de la direction artistique, avec notamment quelques décors à tomber, permet de relever le piteux niveau général. Pour le reste, Balada triste remporte tristement le trophée de moins bon film de son réalisateur. Ce n'est pas rien.

Balada triste (Balada triste de trompeta) d'Alex de la Iglesia. 1h47. Sortie : 22/06/2011.

Séances de rattrapage : PLAY A SONG FOR ME / BLUE VALENTINE / BLITZ

2011-06-16T11:57:00.000+02:00

Je serais bien en peine de trouver un point commun à ces 3 films. Un autocollant Snatch offert à celui qui aura l'idée la plus brillante.

Considéré comme très prometteur par une bonne partie de ses rares spectateurs, Play a song for me cumule pourtant tous les défauts du premier film. Excès de candeur, onirisme un brin ringard et utilisation intempestive des nouveaux supports numériques : on sent poindre à chaque plan le jeune âge du réalisateur Esmir Filho, 23 ans et toutes ses dents. Si le jeune homme a de belles choses à dire sur l'effroyable impression de solitude qui peut s'emparer de jeunes provinciaux en quête d'évasion, la mise en images un rien laborieuse donne à ce Play a song for me des allures de roller coaster le plus lent du monde. On a tout son temps pour en détecter les moments déplaisants et les géniales remontées. Filho reste une interrogation, car c'est principalement de maturité que manque ce tout petit premier essai.

Le saviez-vous ? Les histoires d'amour commencent bien et finissent mal. C'est ce que Derek Cianfrance met quasiment deux heures à établir au terme de ce laborieux Blue valentine, qui surexploite ses aspects indé tout en tentant de faire du Cassavetes. D'une fadeur effroyable, Michelle Williams imprime une morosité communicative au film, qui alterne lourdement petits instants de grâce (la rencontre et ses suites) et moments de glauquerie se voulant ultra-réalistes (la lente divergence de deux êtres s'étant jadis aimés). C'est plutôt bien filmé mais désespérément binaire. Heureusement qu'il y a Ryan Gosling, acteur sans égal, oscillant en permanence entre une froideur crispante et un cabotinage réconfortant. Sans lui, le film ne serait que peau de chagrin et trivialité thématique.

La meilleure surprise de Blitz, c'est que contrairement à ce qu'indique son affiche, Jason Statham est loin d'en être la star : si la première demi-heure du film lui offre clés en main un rôle façon Dirty Harry avec violence physique et verbale (loi du talion et homophobie notamment), la seconde met en, vedette Aidan Gillen, interprète complètement foufou du fameux Blitz, tueur de flics dont la motivation première est de devenir une star des médias. Il faut voir le personnage (et donc l'acteur) sombrer scène après scène dans une délicieuse mégalomanie pour se mettre à apprécier réellement ce petit polar nerveux, pollué par quelques tics visuels mais suffisamment farfelu pour captiver jusqu'au bout. La conclusion, génialement improbable, a de quoi plonger le spectateur dans un état proche de l'euphorie.

Play a song for me (Os Famosos e os Duendes da Morte) d'Esmir Filho. 1h47. Sortie : 25/05/2011.
Blue valentine de Derek Cianfrance. 1h53. Sortie : 15/06/2011.
Blitz d'Elliott Lester. 1h36. Sortie : 22/06/2011.

SUPER 8

2011-06-11T20:13:00.001+02:00

Nul besoin d'attendre la première image originale de Super 8 pour être automatiquement plongé une trentaine d'années en arrière. Il suffit de voir s'afficher le logo d'Amblin Entertainment, boîte de prod fondée par Steven Spielberg et ses potes dans les années 80, pour que le voyage dans le passé s'opère. De façon totalement frontale, le troisième long-métrage de J.J. Abrams assume son statut d'oeuvre nostalgique, pour ne pas dire passéiste. Le cinéaste semble avoir remonté le temps pour aller réaliser son film en 1979, avant de revenir en 2011, l'air de rien, bobines sous le bras. Hommage et exercice de style, Super 8 va en effet au-delà de la simple reconstitution d'époque et vise une sorte de grand chelem absolu en matière d'atmosphère... et de méthodes de travail. Il ressemble à un travail de copiste, authentique jusqu'au bout des ongles, avec çà et là quelques micro-variations destinées à permettre de faire la différence entre l'original et la reproduction. Seulement voilà : aussi sincère et passionné soit-il, un tel hommage peut difficilement être considéré comme un projet artistique à part entière, puisqu'il semble amené à s'écrouler comme un château de cartes pour peu qu'on lui retire ses fondations et ses modèles.

Au petit jeu des comparaisons, on pourrait rapprocher Super 8 d'un sacré nombre de films réalisés entre 1975 et 1990, mais le carré d'as Rencontres du troisième type - E.T. - Les Goonies - Stand by me semble suffire à décrire convenablement la bête. Avec sa façon de faire des enfants de véritables adultes miniatures dont la caractéristique principale est leur aptitude au rêve, Abrams renoue clairement avec cet âge d'or au cours duquel les mioches semblaient devoir conquérir le monde. Lui-même semble revivre à travers les deux petits héros de son film, à savoir un petit gros désireux de faire des films pour raconter des histoires, et son pote plus en retrait, plus romantique, mais tout aussi passionné. Quand au troisième personnage principal, incarné avec flegme par le fabuleux Kyle Friday night lights Chandler, il est le mix évident entre le géniteur du réalisateur et son père spirituel, celui qui lui transmit dès le plus jeune âge l'amour du septième art : Spielberg en personne. En plus d'être une ode au cinéma et à ceux qui le font, Super 8 est une touchante déclaration d'amour à cette double figure paternelle. Le film a d'ailleurs la naïveté de ces gosses qui regardent leur papa avec de grands yeux mais non sans oeillères : il multiplie les regards tendres mais s'éparpille plus souvent qu'à son tour dans des clins d’œil un peu gros. Y avait-il besoin de multiplier les références visibles à E.T. comme si ce n'était pas assez clair ? Fallait-il faire voler un vélo dans le ciel pour permettre au spectateur le plus obtus de saisir l'hommage ? De même, les blagounettes se rapportant aux nouvelles technologies de notre époque (l'ère du tout numérique, avec ses vidéos immédiatement "développables" et ses baladeurs en tous genres) se révèlent sacrément dispensables.

Qu'on ne s'y trompe pas : Super 8 possède des qualités cinématographiques indéniables, qui ne masquent pas son manque d'innovation ou de prise de risques, mais lui permettent de remplir honorablement ses fonctions de divertissement. Si la première partie du film est la meilleure, c'est parce qu'on y constate à nouveau le talent d'Abrams pour mettre en place des situations intrigantes et insolites. Auteur du script en solo (fait suffisamment rare dans le monde du blockbuster pour être souligné), ce cher J.J. fait preuve d'une réelle malice dans le déploiement de son postulat de départ. Cela se traduit dès le premier plan, anodin en apparence mais qui allie malice et efficacité narrative. Pour la première fois ou presque dans sa carrière de réalisateur-scénariste-producteur, Abrams s'acquitte de sa tache sans jamais verser dans le sensationnalisme : à une ouverture choc et grandiloquente, il préfère une approche modeste et rassurante, en parfaite cohérence avec son projet de réaliser un pur film de 1979. Puis c'est l'heure du premier et plus brillant morceau de bravoure : un déraillement de train qui permet aux jeunes protagonistes (tous assez ébouriffants car tellement dans le ton et l'époque) d'être plongés dans un monde quasiment parallèle qui reste pourtant le leur. Comme si leurs envies de cinéma étaient devenues réalité. À cet instant, l'émotion d'Abrams face à leur épiphanie, qui n'est autre que la sienne, est palpable et communicative. Dommage que la suite ne soit pas de ce niveau.

Car le film finit par passer trop de temps à offrir des réponses et à disséquer le fameux mystère disséminé dans les premières bobines. Décevante et parfois redondante, cette longue résolution s'accompagne de quelques rebonds scénaristiques inutiles : ni l'intrigue ni l'hommage n'en sortent grandis. Dissimulant ses airs de déjà-vu derrière une brassée de références, Super 8 ne parvient à se relancer qu'au terme d'un final gigantesque en terme de promesses, mais qui lorgne une nouvelles fois vers quelques sommets de la science fiction des années 70-80 (y compris Alien). L'excitation va decrescendo, l'affection aussi : fleurant le Spielberg jusqu'au bout des ongles, le film se clôt sur une apologie candide et un poil niaise du monde de l'enfance. Au final, c'est d'ailleurs aux enfants que s'adresse principalement le film de J.J. Abrams. Mais pas à ceux des années 2000, trop petits pour saisir la portée de l'hagiographie spielbergienne et goûter la noirceur de l'ensemble. Le film vise une autre cible, qu'il atteint en partie : les trentenaires et quadras d'aujourd'hui, qui devraient être ravis de sombrer dans cette plongée mélancolique au coeur de leurs jeunes années.

Super 8 de J.J. Abrams. 1h50. Sortie : 03/08/2011.

LONDON BOULEVARD

2011-06-09T08:03:00.004+02:00

Kingdom of heaven, Les infiltrés... Les premiers scripts écrits par William Monahan n'ont pas été portés à l'écran par des manchots. Rapidement adoubé par Hollywood, voilà le scénariste invité à réaliser son propre long-métrage. Pourquoi pas : lorsque les auteurs ont des choses à dire et à raconter, pourquoi ne pas les laisser tenter leur chance et mettre leurs tripes sur la table. Ça passe ou ça casse : et dans le cas de Monahan, ça a plutôt tendance à casser, puisque ce London boulevard ne vaut pas grand chose. Ni en terme de réalisation ni même sur le plan du scénario.

Dès le début, ça coince : Monahan tente de jouer la carte d'un cinéma bruyant, limite assourdissant, avec agression visuelle à la clé. Changer brusquement de format sans souci de cohérence, accentuer le grain de l'image pour faire indé, faire jaillir la violence par impulsions pour mieux harponner le spectateur... Visiblement, le réalisateur doute tellement du talent de son scénariste qu'il est prêt à exploiter les pires méthodes pour dissimuler ses faiblesses. Problème : London boulevard est écrit et mis en scène par la même personne. L'oeil et l'oreille irrités, on observe mollement ce petit théâtre d'influences dans lequel un ex-taulard devient le garde du corps d'une starlette et doit subir les pressions d'un mafieux qui aimerait s'offrir ses services. Les dialogues sont abondants mais sans étincelle, les situations se suivent et se ressemblent, et seul le sang afflue, là où il aurait surtout fallu de l'huile dans les rouages.

Même les interprètes semblent tous évoluer en mode mineur. Pas très concerné, Colin Farrell semble ailleurs, son regard sombre semblant toujours chercher un point d'ancrage à l'horizon. Quant à Keira Knightley et Ray Winstone, ils reprennent pour la énième fois des rôles mieux écrits et mieux défendus ailleurs, à savoir la jeune biche en mal de soutien et la brute épaisse masquant ses failles avec ses gros poings. Tous semblent se demander ce qu'ils fabriquent dans ce qui devient peu à peu un pur jeu de massacre. Vraiment pas inspiré, Monahan ne prend plaisir qu'à buter ses personnages un à un, jusqu'à réduire son casting à peau de chagrin. Encore plus mornes que le reste, les dernières bobines ne font que confirmer l'erreur d'aiguillage d'un type qui ferait mieux de rester dans l'ombre de Ridley Scott ou Martin Scorsese au lieu de tenter d'imposer un univers qu'il n'a pas.

London boulevard de William Monahan. 1h42. Sortie : 08/06/2011.

LIMITLESS

2011-06-08T09:54:00.004+02:00

Revenu de loin après un Illusionniste touchant de nullité, Neil Burger pourrait bien avoir trouvé sa place au soleil grâce à ce Limitless, succès surprise au box-office américain et preuve assez convaincante de son savoir-faire en matière de mise en scène. Sans déborder de génie, Burger fait preuve d'un beau sens de l'à propos en collant au plus près de son intrigue et en insérant régulièrement des gimmicks plutôt bien vus. Décrivant une drogue jamais vue, capable d'accroître considérablement l'intelligence et l'acuité mentale, le film se donne les moyens d'en transmettre les effets au spectateur. Cela donne lieu à une première partie extrêmement plaisante même si complètement vaine : on a l'impression d'assister à un cartoon à base de chair humaine, Bradley Cooper remplissant à lui seul les fonctions de Speedy Gonzales, de Bugs Bunny et de loup de Tex Avery.

Mais parce que le film devait forcément se trouver une intrigue, et parce qu'il ne pouvait se réduire à une sorte de gigantesque apologie d'une substance illicite, Limitless ne tarde pas à s'acheter une conscience... et à devenir immanquablement sinistre, comme une plaquette anti-drogues trouvée dans une infirmerie de collège. Si l'euphorie était totale, la descente est vertigineuse, et Burger s'en acquitte avec un premier degré fort compréhensible mais franchement barbant. Les effarantes séquelles du produit et la lutte menée par le héros contre tout un tas de sales types sont soudain beaucoup moins amusantes. Dommage : un scénariste moins coincé ou un réalisateur plus allumé auraient sans doute permis de maintenir le cap tout en préservant le propos.

Heureusement, il y a Bradley Cooper, qui n'en finit plus de séduire Hollywood. Le talent de ce mec tient à sa façon de tenir en équilibre entre la figure du charmeur décontracté et celle du sale con qu'on giflerait volontiers. Cet acteur plus complexe qu'il n'y parait permet à ce Limitless au titre mensonger de rester supportable jusqu'au bout même si on se contrefiche des personnages après seulement quelques bobines. Quant à Robert DeNiro, il ne fait que confirmer à chaque film son lent et inexorable déclin. Capitalisant sur ses excès d'antan, il n'est une fois encore que l'ombre de lui-même, se livrant à un cabotinage éhonté et absolument inutile. S'il s'est régulièrement attaqué à des rôles absolument indéfendables, il avait ici de quoi s'en tirer honorablement mais semble ne plus être capable de rester sobre plus de vingt secondes. Ses retrouvailles prochaines avec Martin Scorsese lui permettront-elles de retrouver enfin un peu de dignité ?

Limitless de Neil Burger. Durée : 1h45. Sortie : 08/06/2011.

AMERICAN TRANSLATION

2011-06-07T16:00:00.000+02:00

Sous son allure de film très mineur, prêt à être happé par la masse des sorties hebdomadaires, American translation présente un véritable intérêt grâce à au moins une de ses caractéristiques : plus que dans 99% des autres films, l'aimer est affaire d'interprétation.

Deux options s'offrent au spectateur venu découvrir le nouveau film de Jean-Marc Barr & Pascal Arnold. La première consiste à se moquer effrontément de l'histoire de ce tueur en série franchouillard et de cette jeune et belle bourgeoise éperdument accrochée à ses basques. Pourquoi rire ? Parce que Pierre Perrier, l'acteur principal, joue horriblement mal, sourcils froncés pour se donner l'air inquiétant, pectoraux fièrement mis en avant sous prétexte de charisme, cabotinage et putasserie. Sous cet angle, difficile de parvenir à sauver quoi que ce soit de ce qui doit ressembler de près à un petit navet.

Mais voilà : une deuxième option est offerte sur un plateau, sans qu'il soit possible de déterminer définitivement s'il s'agit du fruit d'un parti pris délibéré ou d'un malentendu né d'une série d'accidents artistiques. Plutôt bon d'habitude (on l'a vu à son avantage chez Antony Cordier et déjà chez le tandem Barr-Arnold), Perrier ne peut pas être devenu aussi mauvais en aussi peu de temps sans s'y être obstinément préparé. Il n'est alors pas difficile d'imaginer que ce n'est pas l'acteur qui joue faux, mais bien le personnage. Et c'est alors qu'un nouveau monde s'ouvre.

Car alors, le road movie en mode pathétique se meut en un portrait implacable et sans concession d'un couple de jeunes gens stéréotypés, empêtrés dans les idées reçues, ne sachant plus bien où se situer dans cet univers auquel appartiennent aussi bien Jeffrey Dahmer que Christophe Hondelatte. De fait, la scène où Chris raconte le plus sérieusement du monde comment il en est venu à tuer finit par être non pas ridicule, mais absolument édifiante. Ce type n'est pas un monstre. C'est un con doublé d'un beauf, qui pense qu'un homme se limite à l'équation yeux foncés + torse irréprochable + slip kangourou. Le titre permet d'ailleurs de pencher volontiers pour cette hypothèse certes un rien fumeuse : s'il avait déjà entendu parler de James Ellroy, Chris rêverait sans doute d'être un de ses personnages. En vain évidemment. Ses crimes et son parcours ne sentent pas assez le sang séché, ni même la semence.

Quoi qu'il en soit, le personnage incarné par la sublime Lizzie Brocheré est le plus réussi du lot. Effrayée, tétanisée, folle amoureuse de son Chris, cette Aurore ne voit rien. Transie et monolithique, elle laisse soudain une vie rangée pour devenir la pire midinette du monde, une groupie un peu minable se laissant embarquer par le charme dérangeant de ce type qu'elle eut un jour le tort de croiser dans un hôtel. Arnold et Barr font le reste : toujours empreints de la même naïveté, transportés par une gaucherie épisodique souvent rattrapée par le lyrisme inattendu de la scène suivante, les deux compères tissent leur toile quoi qu'il en coûte. On aime les voir évoluer ainsi auprès de jeunes interprètes qu'ils semblent vouloir porter au plus haut. On aime ce paternalisme un peu déplacé mais toujours sincère. On aime que ces mecs filment comme ils respirent quitte à s'étouffer plus d'une fois. Et que leurs films soient suffisamment libres pour laisser libre cours à toutes les interprétations, des plus néfastes au plus salvatrices. American translation échappe aux carcans et c'est la plus belle et la plus sûre de ses qualités.

American translation de Jean-Marc Barr & Pascal Arnold. 1h49. Sortie : 08/06/2011.

Critique publiée sur Playlist Society.

THE PRODIGIES

2011-06-07T01:00:00.002+02:00

Quand un réalisateur travaille avec l'auteur d'une oeuvre dont il dit être le fanboy numéro 1, on peut au pire s'attendre à un excès de dévotion. Dans le cas de The prodigies, adaptation animée d'un best-seller français nommé La nuit des enfants rois, cela ressemble pourtant à un hallucinant massacre. Rien ne tient debout dans le film d'Antoine Charreyron, qui allie un visuel creux et incohérent à un scénario repoussant sans arrêt les limites de l'ennui. L'animation française, qui avait déjà tenté de se distinguer avec le pompeux Renaissance, connaît avec ce film une deuxième désillusion qui devrait se solder par un énorme four au box-office. Mis à part les amateurs inconditionnels d'un livre paru il y a 30 ans, qui risquent d'être furieux à la vue de cette trahison faite film, on voit mal qui pourrait vouloir se risquer dans un tel marasme. Sans cible et sans but, The prodigies tente de vendre mille choses inabouties par le biais de gesticulations hystériques et lassantes. Résultat : une camelote inutilisable et injustifiable, qui fait passer l'ensemble de l'animation française pour un vaste cirque peuplé d'amateurs. C'est sinistre.

On a pourtant envie d'entrer dans cet univers qui n'est pas sans rappeler les débuts des X-men ou la série Heroes : hélas, cette histoire de jeunes surdoués sélectionnés à travers l'Amérique pour apprendre à exploiter leurs dons si spéciaux ne décolle jamais. Incapables de poser concrètement les motivations des protagonistes et les enjeux d'une histoire prétendument tragique, les scénaristes (déjà à l'initiative du scénar de Renaissance, tiens) semblent naviguer à vue pendant une interminable heure et demie. Femme enceinte en dangers, enfants menacés ou menaçants, télé-réalité prétexte : les éléments s'imbriquent si mal qu'ils ont plutôt tendance à se superposer lourdement.

En fait, The prodigies ressemble à une (trop) longue cinématique d'un (très) mauvais jeu vidéo, avec sa façon de vouloir en donner beaucoup en un minimum de temps. Le film nous jette à la gueule des brassées de thématiques dont on ne sait que faire, des scènes d'action en veux-tu en voilà, des traumas gratuits et racoleurs qu'on tente de nous faire passer pour du courage (viol de mineure face caméra et tutti quanti). On jetterait bien son cerveau et ses oreilles à la poubelle pour ne plus avoir à subir cet amas de vacuité crasse, mais le visuel se charge à tout moment de nous rattraper. Pour une poignée de scènes et de textures réussies, le film propose un lot ahurissant de séquences mal torchées, brillant soit par leur hétérogénéité, soit par leur absence totale de fluidité ou de réalisme. On aurait pu en apprécier le côté foutraque s'il n'y avait l'affligeant sérieux de l'ensemble. Ce cinéma premier degré, dépourvu de recul, ne devrait même plus exister. Pourtant, au vingt-et-unième siècle, des équipes entières suent sang et eau sur ce genre d'aberration qui fait pitié et honte à voir. À n'aller voir sous aucun prétexte, si ce n'est pour la voix de Mathieu Kassovitz.

The prodigies d'Antoine Charreyron. 1h27. Sortie : 08/06/2011.

Un grand acteur arrête le basket : Shaquille O'Neal

2011-06-02T21:48:00.000+02:00

« After 19 seasons, Shaquille O'Neal announces his retirement ». Oui, le gros Shaq prend sa retraite. Jamais plus il ne jouera en NBA. heureusement qu'il lui reste sa brillante carrière d'acteur, entamée sur les chapeaux de roues au siècle dernier.

Si sa carrière de basketteur, très secondaire, a souvent fait oublier ses immenses talents artistiques (Shaq a toujours été meilleur en cinéma qu'en lancers francs), n'oublions jamais que monsieur O'Neal est à l'origine de quelques chefs d'oeuvre du cinéma américain. Ça commence fort logiquement avec Blue chips, film sur le basket logiquement écrit par Ron Shelton (Duo à trois, Les blancs ne savent pas sauter) et étrangement réalisé par William Friedkin. Nick Nolte y incarne un coach contraint de magouiller pour amener son équipe au plus haut, avant de tenter une ultime rédemption en rendant public l'ensemble des fraudes commises. Shaq, lui, joue - et c'est bien normal - un des basketteurs stars de l'équipe en question. Un type pas franchement futé, ayant quitté l'école très tôt pour se consacrer au basket. Un rôle de composition, en somme. Avec une scène absolument culte montrant qu'il vaut tous les Martin Lawrence de la Terre, dans laquelle cette grosse masse visite une école dans le cadre d'une opération de communication. La scène se trouve ci-dessous, et démarre à 3:36 dans la vidéo :

Vient ensuite le morceau de cinéma ultime sur lequel il aurait pu tirer sa révérence. Dans Kazaam, réalisé par Paul Michael "Starsky" Glaser, il incarne le rôle-titre : celui d'un génie sorti de sa boîte par un pauvre gamin esseulé et harcelé par une bande de vilains loustics. Les réactions sont unanimement enthousiastes, comme le prouve cette sélection exhaustive des critiques rédigées par les brillants utilisateurs d'Allociné (cliquez pour agrandir):

Kazaam est un monument, le seul film d'enfant qui devrait être montré dans toutes les écoles, une somptueuse leçon de vie aussi réaliste qu'onirique. Avec ce rôle fait pour lui, Shaquille O'Neal démontre qu'il n'a absolument rien à envier aux plus grands basketteurs-acteurs du passé, et notamment l'ex-joueur de Pau-Orthez Gheorghe Muresan. Si si, rappelez-vous My giant, bouleversant buddy movie dont il partageait l'affiche avec Billy Crystal...

Mais bref, voici un extrait de ce fameux Kazaam. Un peu de silence au fond, les grands films ça se respecte.

En 1997, Shaq boucle alors la première et plus belle partie de son œuvre, que l'on pourrait nommer « trilogie de la vie » tant les trois films réunis semblent atteindre une sorte de vérité universelle et définitive sur ce qu'est l'existence. Dans Steel le justicier d'acier de Kenneth Johnson, O'Neal interprète un ingénieur en armement (rires) qui travaille sur une nouvelle arme révolutionnaire permettant de neutraliser les soldats sans leur faire de mal (re-rires). Mais des gens pas d'accord (des qui aiment la guerre, sans doute) tentent de réduire ses efforts à néant. Sauf qu'on n'embête pas Shaq sans quelques représailles : le voici qui se transforme en justicier à l'armure d'acier, quelque part entre Iron man (mais en noir) et Robocop (mais en vivant). Pour le plaisir des yeux, voici une scène dans laquelle le fameux justicier d'acier neutralise une voiture pleine de malfrats.

Sans doute parce qu'il a peur de finir par décliner, Shaquille O'Neal prend alors une terrible décision : il met entre parenthèses sa carrière d'acteur et décide de se consacrer presque uniquement au basket. Heureusement, quelques réalisateurs parviendront à lui arracher des apparitions microscopiques mais tellement essentielles. Parmi eux, Tom Green, gros taré qui épousa un jour Drew Barrymore avant d'être touché par un cancer des testicules (ceci explique-t-il cela ?). Il convainc Shaquille de figurer dans Va te faire foutre, Freddy, délicieux summum de mauvais goût. Extrait.

Autre exploit : Shaq le privilégié obtient le droit de jouer dans la scène d'ouverture de Scary movie 4, qui parodie la série Saw. Sa seule présence permet au film d'aligner les millions de dollars au box-office américain. Savourez, succombez.

Également présent dans The wash, brillante collaboration des rappeurs Snoop Dogg et Dr. Dre, Shaquille devrait - espérons-le - profiter de sa retraite sportive pour continuer à brûler les planches. On a très très hâte de le découvrir dans Jack & Jill, le prochain Adam Sandler, avec Katie Holmes et Al Pacino dans son propre rôle. La comédie la plus excitante de la fin 2011, puisque Sandler y joue à la fois un homme et sa soeur jumelle. Encore une étape de plus vers les rôles à Oscars pour celui qui perdit tant de temps à jouer au basket-ball.

RENDEZ-VOUS AVEC UN ANGE

2011-06-01T01:13:00.000+02:00

Il y a des films qui n'ont l'air de rien, vous écrasent d'abord par la modestie de leur dispositif et de leurs personnages, puis finissent par vous cueillir comme une fleur fragile. À n'en pas douter, Rendez-vous avec un ange fait partie de cette catégorie, et embarque le spectateur dans une jolie aventure humaine brassant des thèmes a priori antagonistes avec une discrétion touchante. Tout démarre du drame d'ordre social qui touche Judith, une jeune infirmière effacée. Virée pour une faute apparemment impardonnable, elle n'ose pas avouer la vérité à Roland, son mari, autoritaire et tourmenté. Puis Roland découvre les cachotteries de sa femme, qui ne sait pas qu'il sait. Un jeu de dupes qui se mue peu à peu en jeu de piste, Roland se mettant à suivre une Judith continuant à partir tous les matins comme si elle se rendait sur son lieu de travail. Mensonge contre mensonge : les deux époux finiront par en apprendre davantage sur eux-mêmes et par découvrir chez l'autre des pans de personnalité dont ils ignoraient l'existence.

Un tel argument et un tel titre auraient pu donner lieu à une comédie romantique inoffensive, quelques aventures gentiment rocambolesques menant nos héros fatigués à une réconciliation féérique. Or, le film coréalisé par Yves Thomas et Sophie de Darudar emprunte des sentiers bien moins balisés, aussi bien par les thèmes qu'il aborde que par les genres qu'il traverse. Polar et film à thèse sont également convoqués dans un scénario beaucoup plus touffu qu'en apparence. À mesure de ses filatures, Roland va notamment percer à jour un secret insoupçonnable permettant de voir sa femme sous un jour bien différent. Une surprise de taille dans le script et un sacré outil pour rouvrir le débat sur un sujet sensible.

Assez fruste, pas franchement attirante, la mise en scène semble elle aussi portée par l'étrange montée en puissance qui enveloppe le film. Le dernier plan de Rendez-vous avec un ange, pour ne citer que lui, atteste de la relative singularité de cette œuvre ne payant pas de mine. Et si l'on peut regretter le choix d'Isabelle Carré pour incarner une nouvelle fois une nunuche-mais-pas-trop, Sergi Lopez est quand à lui formidable et incontestable en mari bougon ne laissant transparaître ses failles que lorsqu'il vit de plein fouet sa passion pour l'opéra. Comme lui, Thomas et Darudar semblent convaincus de la potentielle influence de l'expression artistique sur le développement personnel.

Rendez-vous avec un ange d'Yves Thomas & Sophie de Darudar. 1h38. Sortie : 01/06/2011. Critique publiée sur Artistikrezo.

Séances de rattrapage : L'AGENCE / LA DÉFENSE LINCOLN / LE CHAT DU RABBIN

2011-05-27T02:06:00.001+02:00

L'un n'est quasiment plus à l'affiche, le deuxième vient de sortir mais n'y restera pas longtemps, et le troisième risque de faire un petit tour discret dans nos salles : en bref, trois films mineurs mais loin d'être dispensables.

On emploie rarement l'adjectif « charmant » à propos d'une adaptation de Philip K. Dick. C'est pourtant le cas de cette Agence, curieux mélange de comédie romantique et de film d'anticipation. S'il fallait lui trouver des ressemblances avec un autre film, on irait sans doute chercher du côté de Tom Tykwer et Cours Lola cours pour sa façon de faire de l'amour une course contre la montre... et de mettre au même niveau l'anecdotique et l'essentiel. On songe aussi à la fameuse « scène des portes » de Monstres & cie, sauf que celle-ci ne durait qu'une poignée de minutes. Bref, L'agence a le charme des films mineurs qui réchauffent le coeur, stimulent l'esprit mais manquent un brin de dimension pour passer à la postérité. Heureusement, le toujours imparable Matt Damon et la plus-que-parfaite Emily Blunt offrent à George Nolfi la dose de romantisme qui manquait à sa réalisation.

On n'avait pas vu Matthew McConaughey dans un rôle un peu intéressant depuis En direct sur EDtv, étrange ersatz du Truman show réalisé par Ron Howard. Dans cette adaptation polie d'un roman de Michael Connelly, l'acteur livre une prestation proprette, confondant désinvolture et mollesse. McConaughey est tout entier à l'image de ce film plaisant mais qui semble aller volontairement à l'encontre de toute forme de suspense. La défense Lincoln ressemble surtout à du John Grisham : il s'agit pour le héros de parvenir à utiliser le code civil assez intelligemment pour venir à bout des vilaines personnes qu'il croise, protégées consciemment ou non par une sorte de no man's land juridique. Au coeur d'un casting fort en gueules et en acteurs connus (trop c'est trop), Ryan Phillippe tire comme toujours son épingle du jeu en fils à maman suspecté d'avoir secoué une fille comme un flipper. La bonnasse atitude de Marisa Tomei fait le reste.

Il y avait de quoi être déçu à l'idée de voir Joann Sfar se contenter d'adapter une de ses bédés, lui qui fut l'auteur d'un Gainsbourg discutable mais culotté. Le résultat est gentiment rassurant, Sfar et son co-réalisateur Antoine Delesvaux s'acquittant paisiblement de leur tache avec ce film mignonnet. Doublé par François Morel (riche idée), le fameux chat du rabbin est un personnage attachant et truculent qui révèle plus de personnalité que dans les bandes dessinées. Truffé de belles scènes (dont une, somptueuse, dans laquelle le chat raconte ses cauchemars nocturnes), le film pêche en fait par un manque de liant narratif. Pour faire simple, on se cogne totalement de cet histoire de voyage à travers le monde. Résultat : Le chat du rabbin ressemble à un gigantesque morceau de fromage suisse, bourré de trous d'air mais finalement assez convivial, bien aidé par une 3D pas fondamentale mais plutôt bien fichue.

L'agence (The adjustment bureau) de George Nolfi. 1h47. Sortie : 23/03/2011.
La défense Lincoln (The Lincoln lawyer) de Brad Furman. 1h58. Sortie : 25/05/2011.
Le chat du rabbin de Joann Sfar & Antoine Delesvaux. 1h40. Sortie : 01/06/2011.

SENNA

2011-05-25T18:27:00.001+02:00

Dans le top 10 de mes grands souvenirs sportifs (car le cinéphile peut aimer le sport, même si, par snobisme, il ne l'avoue pas toujours), huit sont liés à des sports collectifs (équipe de France de rugby, Liverpool FC, Girondins de Bordeaux) et deux à des sports individuels. Le premier concerne un événement heureux : le double record du monde du triple saut de Jonathan Edwards en 1995. L'autre est légèrement moins guilleret : il s'agit de la mort d'Ayrton Senna, un dimanche de mai 1994.

Je n'avais même pas 10 ans mais j'étais déjà fan de sport, au point de ne manquer aucune édition du magazine dominical Stade 2. Généralement, mes dimanches étaient tous les mêmes : petit déjeuner devant Téléfoot, délicieux repas en famille, puis après-midi paisible passée dans ma chambre à bouquiner, écrire des trucs, jouer un peu. En début de soirée mon père passait sa tête dans l'entrebâillement de la porte, sonnant l'heure consacrée où j'allais retrouver Gérard Holtz, Patrick Montel et Pierre Fulla, tontons de substitution.

Le programme fut légèrement différent en cet après-midi du 1er mai 1994. La tête de mon père n'apparut jamais dans l'ouverture de la porte de ma chambre. Une heure plus tôt, voyez-vous, ma mère m'avait appelé d'une voix forte, du bas de l'escalier, pour me demander de descendre jeter un oeil à la télé. Bien élevé, doux comme un agneau, j'obéissais aussitôt pour découvrir une terrifiante image passée au ralenti : celle d'une voiture de Formule 1 percutant un muret avant de poursuivre son chemin en rebondissant, déchiquetée par le choc. « Ayrton Senna est mort », me dit mon père. « Mort cérébrale » précise ma mère. « Cela veut dire que son cerveau ne fonctionne plus. »

Mon sang se glace. Mon père semble abattu. Nous n'étions pas les plus grands fans de Formule 1 du monde, mais Senna avait une aura, un charisme, qui nous poussait à suivre ses exploits du dimanche, de près ou de loin. Le voir ainsi fauché par la mort, victime à son tour d'un sport éminemment dangereux, nous donnait l'impression d'avoir perdu un des nôtres.

Bien loin de se consacrer à cet épisode funeste et déchirant, le documentaire d'Asif Kapadia (Far north) s'attarde sur l'ensemble de la carrière du sportif, qui fut pendant une dizaine d'années l'idole numéro un du monde de la Formule 1. Un poil trop factuel, dévoilant les grandes étapes de sa vie sportive à grands renforts de dates et de cartons, Senna offre un hommage recueilli à celui qui fut aussi le garant des rêves de tout un peuple.

En choisissant de donner à chaque saison une importance similaire, Kapadia semble d'abord sous-estimer la puissance de l'ellipse, mais le sens de sa démarche est finalement tout autre : il s'agit de pointer du doigt la monotonie de cette discipline souvent ronflante, où l'essentiel a tendance à se jouer dans les stands, et où seuls quelques génies de la trempe d'Ayrton Senna pouvaient soudain insuffler de la folie et de l'inventivité dans ce monde trop bien huilé. On finit d'ailleurs par se passionner moins pour les images de grand prix que pour les séquences dans lesquelles Senna mène la vie dure à Alain Prost, son rival de toujours. Un temps contraints par contrat de piloter dans le même écurie, les deux hommes furent des adversaires obstinés, pas toujours loyaux, impitoyables en permanence, mais se vouant un respect mutuel assez impressionnant. Si l'on comprend que Kapadia (comme d'ailleurs la plupart des spectateurs de l'époque) ait choisi son camp, le film ne cache pas son admiration presque égale pour ces deux monstres sacrés.

Le film a aussi des allures de compte à rebours, même s'il n'abuse d'aucun effet de ce type. Tout spectateur sorti de sa grotte au cours des vingt dernières années n'est pas sans ignorer la fin tragique du pilote. Aussi, chaque saison qui passe sous nos yeux nous rapproche inexorablement de l'instant où, au tout début du Grand prix d'Imola, Senna perdra le contrôle de son véhicule et de sa vie. Les instants qui précèdent le drame sont les plus beaux du film, notamment parce qu'il en émane un parfum d'incertitude malgré l'issue connue. La veille, à quelques virages de là, un autre pilote perdait la vie. L'atmosphère tendue et des doutes sur la qualité du circuit poussaient même Senna à ne plus avoir envie de courir. Sans verser dans l'ésotérisme, Asif Kapadia interroge ce sens de l'intuition, cette prémonition atroce, et les regrets qui s'en suivirent. Senna n'est pas When we were kings, mais c'est tout de même un documentaire sportif assez exceptionnel, un testament de haute volée et la madeleine qu'attendaient tous les petits garçons qui eurent 10 ans en 1994.

Senna d'Asif Kapadia. 1h44. Sortie : 25/05/2011.

VERY BAD TRIP 2

2011-05-24T15:20:00.001+02:00

Il y a, au cœur du dernier Todd Phillips, une idée toute simple mais géniale, sur laquelle aurait pu reposer son succès. Very bad trip 2 aurait pu s'appeler Very bad trip bis tant il s'agit pour toute l'équipe du film de réaliser une pure photocopie. Pourquoi s'échiner à trouver un nouveau concept, une façon originale de renouer avec des personnages, alors qu'il suffit de se calquer scène après scène sur un premier volet triomphal ? Dès le générique, Phillips et ses scénaristes choisissent d'adopter une construction similaire. Un mariage qui se prépare, le marié et les garçons d'honneur qui se volatilisent, une enquête-sprint pour déterminer ce qui s'est passé pendant une nuit dont tout le monde a oublié le déroulement... Very bad trip 2 joue sur cet effet de répétition, qu'il utilise comme un ressort comique assez inédit. « Ça a recommencé », dit le personnage de Bradley Cooper en ouverture du film. « Je voulais que rien ne change », affirmera plus tard l'un des protagonistes en faisant ouvertement référence à leurs exploits d'antan. Assumer à ce point le fait de tout miser sur des exploits passés avait quelque chose de téméraire et d'inconscient à la fois. Dommage que ce parti pris culotté n'aboutisse sur rien, la copie carbone n'étant pas tout à fait assez fidèle pour séduire.

S'exposant à la comparaison, Very bad trip 2 perd hélas à plates coutures en raison d'un manque de liant et d'idées fortes. Phillips accouche d'un délirium très mince où la ville de Bangkok, labyrinthe absolu et terrain de jeu idéal, est insuffisamment exploitée. L'exploit du premier Very bad trip était d'arriver à rester crédible (tout est relatif) à partir d'éléments pourtant improbables. Mike Tyson et son tigre, une strip-teaseuse et son bébé, un chinois à micro-pénis et un dealer de roofies se croisaient notamment dans ce qui ressemblait bel et bien à une véritable gueule de bois. Là, on ne croit guère au combo singe capucin / vieux moine mutique / émeutes à Bangkok, tout semblant trop artificiel, ou trop mal exploité, pour être un tant soit peu amusant.

Pourtant, le film est loin d'être sinistre, notamment parce que ses personnages secondaires lui influent une énergie assez folle, hélas trop épisodique. Le come back du mafieux chinois, au bras long et au chibre court, donne lieu à quelques saillies hystériquement drôles. Tout comme l'apparition d'une pute thaï aux spécialités visiblement appréciées (surprise). Étonnamment, les acteurs principaux semblent plus effacés, Zach Galifianakis semblant avoir fait le tour de son personnage de gros lourd et Ed Helms finissant par fatiguer son monde à force de pousser des hurlements de désespoir. Les héros sont fatigués, sans doute trop vieux pour ces conneries, et plus blasés que surpris lorsqu'ils découvrent peu à peu quelle zizanie ils ont semée. Nous aussi : bien que d'une crétinerie démesurée, les agissements perpétrés cette fameuse nuit ne suscitent qu'une sorte d'abattement tant tout semble exagéré, fabriqué, tout sauf naturel.

Après un début de carrière à la coule et une série de films mineurs mais attachants, Todd Phillips avait semblé sortir du lot avec ce Very bad trip inattendu. Si le film semble lui avoir permis d'augmenter de plusieurs crans son degré d'exigence (de la direction d'acteurs à la photographie, épatante), il n'apparaît aujourd'hui que comme un miracle sans vrai lendemain. Galifianakis ne sera pas son Pierre Richard sur le long terme. La gueule de bois n'aura pas été son fond de commerce très longtemps. Very bad trip 2 marque déjà la fin d'un cycle pour le cinéaste et sa bande. Le groupe a besoin d'imploser, d'explorer d'autres univers en solo, afin de ne pas sombrer plus longtemps dans une caricature déjà lassante. Un Very bad trip 3 serait une grosse erreur, sauf s'il arrive dans 20 ans sous la forme d'une nouvelle photocopie, en mode sepia cette fois. On peut toujours rêver.

Very bad trip 2 (The hangover part II) de Todd Phillips. 1h30. Sortie : 25/05/2011.

VOIR LA MER

2011-05-22T09:01:00.000+02:00

Honnêtement, qu'attendre d'une alliance entre Patrice Leconte, réalisateur fatigué (dernier film en date : La guerre des miss), et Pauline Lefèvre, ancienne miss météo de Canal+ ayant surtout brillé pour son sourire éclatant et son incroyable paire de jambes ? C'est là toute la magie de ce Voir la mer mineur en diable mais absolument charmant, qui débute comme un road movie de pacotille et se poursuit en apologie sensuelle du partage et de l'amour libre. Auteur du script en solo, ce dont il n'est pas coutumier, Leconte patine pourtant dans les premières bobines et peine à imposer un ton étrangement décalé. L'ouverture du film et un certain nombre de scènes font penser à un Bertrand Blier soft : dialogues volontairement à côté de la plaque, femmes considérées avant tout comme des objets de désir, lentes transhumances entre deux mondes au milieu d'étendues quasi désertiques... Clément Sibony et Nicolas Giraud semblent eux aussi peiner à trouver leurs marques dans ce petit univers.

Puis les héros prennent sérieusement la route, et le film séduit d'abord par son côté défouloir. Hurler du France Gall dans un camping car peut faire plus de bien que la plupart des thérapies... Le soleil est au rendez-vous, les étapes du trajet sont pittoresques et délicieuses, on mate la miss Lefèvre comme le font les deux frangins de héros, bref, la vie est assez belle. On n'imagine pas à quel point : bientôt, la séduisante Prudence choisit de ne pas choisir entre ces deux types qu'elle aime beaucoup et qui le lui rendent bien. S'engage alors une relation partagée, sans nuage, au cours de laquelle tous sembleront découvrir une sensualité à côté de laquelle ils avaient dû passer. Qui dit triangle amoureux dit forcément fin dramatique, et c'est là que Voir la mer achève de remporter la partie : comme Peindre ou faire l'amour en son temps, le film fait preuve d'un optimisme à toute épreuve et brandit fièrement une thèse selon laquelle cet amour à trois est possible et absolument viable. Une candeur jamais remise en question, qui met du baume au cœur et n'est pas loin de bouleverser.

Au contact de ses jeunes interprètes, lumineux et bien faits, Patrice Leconte semble avoir trouvé une vigueur nouvelle. Revoici le poète-bricoleur, désireux de filmer autrement, qui tente mille choses quitte à en rater cent (la séquence de l'énumération des spécialités régionales, images à l'appui, se viande copieusement mais on s'en fout). Pas loin d'être tombé amoureux de Pauline Lefèvre, délicieuse "fille aux cheveux courts" (titre de son premier roman car objet de sa fascination), il donne à voir des scènes d'amour d'une beauté absolue. Les héros se caressent, se goûtent, prennent le temps de s'aimer, le tout dans un silence quasi religieux. Leur cœur bat la chamade. Le nôtre aussi. Pour cette raison et bien d'autres encore, le générique de fin de Voir la mer arrive comme un déchirement, parce que l'histoire commune de ces trois jeunes gens est visiblement loin d'être terminée. Avoir pu passer une heure trente en leur compagnie relève déjà du privilège divin.

Voir la mer de Patrice Leconte. 1h31. Sortie : 04/05/2011.

LE GAMIN AU VÉLO

2011-05-21T07:32:00.000+02:00

Souvent, chez les Dardenne, les héros sont modestes mais braves, affrontant l'adversité et la misère avec conviction. Quitte à faire parfois les mauvais choix.

Souvent, chez les Dardenne, la dimension sociale est évidente, mais elle n'est pas le seul moteur. Les liens du sang, plus forts que tout, les fascinent particulièrement.

Souvent, chez les Dardenne, des personnages courent à perdre haleine, pour fuir une vie qu'ils ont prise en grippe, pour poursuivre un rêve ou pour courser l'ennemi.

Souvent, chez les Dardenne, le film noir n'est pas loin. Il est même là, au cœur du récit, donnant lieu à des séquences haletantes, aux enjeux cruciaux et vitaux.

Souvent, chez les Dardenne, la caméra se cache dans le dos des personnages, au plus près de leur nuque, pour les suivre au plus près et sentir leur cœur battre.

Souvent, chez les Dardenne, se produisent des événements qui glacent, font douter de l'espèce humaine, mais finissent toujours par faire avancer leurs protagonistes.

Souvent, chez les Dardenne, les personnages sont contraints à une rédemption qu'ils n'ont pas eu le loisir de choisir. Belle façon d'éviter le moralisme.

Souvent, chez les Dardenne, les interprètes sont méconnus et excellents, exprimant détresse et urgence mieux que tous les comédiens célèbres du monde.

Souvent, chez les Dardenne, passent Olivier Gourmet, Jérémie Rénier, Fabrizio Rongione, acteurs fidèles et convaincants leur devant une partie de leur succès.

Souvent, chez les Dardenne, les objets ont un sens. Quelque part entre affect et superstition, ils sont le reflet exact de la personnalité de leur propriétaire.

Souvent, chez les Dardenne, les plans-séquences sont étirés pour capter une vérité incontestable qui surgit dans ces rues belges si semblables les unes aux autres.

Souvent, chez les Dardenne, le héros est obsédé par une quête fondamentale, ce qu'ils montrent en se focalisant le plus longtemps possible sur celle-ci.

Souvent, chez les Dardenne, le travail est le seul élément social susceptible de maintenir les personnages en vie. Plus encore que l'argent.

Souvent, chez les Dardenne, les personnages sont adorables et haïssables, courageux et médiocres, capables d'actes de générosité comme des pires bassesses.

Il y a tout ça dans Le gamin au vélo.

Dans Le gamin au vélo, quelques notes de musique viennent gonfler la charge émotionnelle, comme si les cinéastes n'avaient pas trouvé d'autre moyen.

Dans Le gamin au vélo, c'est la première fois qu'une actrice débute chez les Dardenne en étant déjà connue. Cécile de France s'en tire assez correctement.

Dans Le gamin au vélo, les profils psychologiques sont étonnamment maigres et les enjeux pas si forts.

Le gamin au vélo, c'est du Dardenne pur jus, avec les mille caractéristiques qu'on leur connaît, mais également quelques nouveautés ou anomalies qui tendent toutes à faire de ce nouveau film un tout petit Dardenne, honorable mais jamais renversant, basé sur une mécanique souvent entrevue chez eux. Écriture, mise en scène, interprétation : tout semble juste un cran en-dessous par rapport à d'habitude. Vivement le prochain.

Le gamin au vélo de Luc & Jean-Pierre Dardenne. 1h27. Sortie : 18/05/2011.

[ACID 2011] GOODNIGHT NOBODY

2011-05-20T21:02:00.000+02:00

La nuit leur appartient. Ils en sont les seuls maîtres. On les envie d'avoir le temps de vivre deux fois plus que nous, d'avoir tout loisir de mener une double existence. Ils sont insomniaques au dernier degré, c'est-à-dire qu'ils ne dorment plus. Jamais. Le monde du sommeil leur est totalement étranger et leurs nuits sont comme de secondes journées. Goodnight nobody part à la rencontre de quatre de ces personnes d'origines ethniques diverses mais partageant tous des points de vue assez similaires sur cette étrange condition.

C'est que l'insomnie finit parfois par tourner au cauchemar. Passé l'amusement de la découverte, l'excitation de passer la nuit à regarder des films ou à prendre le temps de rêver, la vie de ces oiseaux de nuit ne semble pas si enviable. Ils semblent déconnectés de la réalité, marginalisés par une absence de rythme de vie qui finit par les transformer en monstres asociaux. Et qu'ils le prennent avec le sourire ou non, tous finissent rapidement par regretter de ne pas être des gens normaux, avec leurs coups de barre, leurs siestes et leurs grasses matinées. De l'européenne tendance gothique à l'africain jovial, chacun laisse entrevoir de façon plus ou moins explicite le lent désespoir qui s'est emparé d'eux.

Le doc de Jacqueline Zünd est une jolie galerie de portraits croisés, qui finit toutefois par tourner en rond et frôler le hors-sujet. Manque au film une résonance psychanalytique, une quête destinée à déterminer l'origine de ces insomnies inhumaines. On imagine que tout part d'un grand choc, d'un traumatisme jamais remonté à la surface, d'un souci pouvant se régler au terme d'une analyse. On se trompe peut-être. Dommage que la réalisatrice se contente un peu trop de faire dans le factuel et le descriptif. Goodnight nobody intrigue mais frustre par son caractère inabouti.

Goodnight nobody de Jacqueline Zünd. 1h17. Fiche ACID.

LE COMPLEXE DU CASTOR

2011-05-20T08:30:00.061+02:00

Équation : quand une cinéaste sans talent s'empare d'un sujet excitant mais casse-gueule, quel peut être le résultat ? Exactement ce que l'on pense : un film très réussi par endroits mais qui finit par manquer de souffle et de cohésion en raison du manque d'aisance et de discernement de sa réalisatrice. Le complexe du castor souffre principalement de la présence de Jodie Foster devant et derrière la caméra, ainsi que d'une incapacité à conclure dans les formes. Reste que l'impression générale est plutôt satisfaisante, d'autant que le film permet de découvrir Mel Gibson autrement. Dans son propre rôle ou presque, l'acteur livre une prestation désabusée façon Bill Murray, le autre seul comédien que l'on aurait pu imaginer dans ce rôle. Mais le choix de Gibson confère au personnage un supplément d'humanité, notamment parce que contrairement à Murray il n'est pas encore conscient de son étrange aura. Ce père de famille usé, grotesque et inadapté se révèle diablement émouvant dès les premières images, une voix off non conventionnelle nous faisant intégrer immédiatement sa détresse et son désespoir. Les premières bobines du Complexe du castor sont sans doute les plus belles, parce qu'on subit de plein fouet une dépression express assez traumatisante.

Le script ne tergiverse pas et fait vite entrer en jeu cet étrange castor en peluche que le héros va s'enfiler sur l'avant-bras gauche afin de le faire parler à sa place. Étrange thérapie permettant, c'est lui qui le dit, de mettre de la distance vis-à-vis de tous les aspects négatifs de sa personnalité. Théorie fumeuse ? Sans doute. Mais la conviction avec laquelle ce chien battu de Walter Black entame cette étrange étape de sa vie est communicative. Et comme le film porte un regard mi-attendri mi-amusé sur cette décision insolite, l'affaire est entendue. Foster parvient à doser comme il faut la part de ridicule du personnage et le rend surtout terriblement touchant. Jusqu'à faire éclater le ras-le-bol d'un cercle familial très patient mais désireux de retrouver au plus vite une existence plus normale, sans un castor présent à tout moment pour exprimer avec un drôle d'accent ce que pense celui qui lui faire remuer les lèvres à longueur de journée.

Le film n'est sans doute pas assez existentiel, pas assez resserré sur le personnage de Mel Gibson, autour duquel se nouent des intrigues parallèles tendant parfois à parasiter le propos. Mais la présence d'un autre personnage principal, à savoir le fils joué par Anton Yelchin, permet à la fois d'équilibrer l'ensemble et d'éviter toute possibilité d'overdose de bestiole à queue plate. Détestant tellement son père qu'il met un point d'honneur à gommer toutes les manies et tous les signes distinctifs qui les relient, cet ado d'une intelligence supérieure est pris dans les affres de la création artistique et du désir jusqu'au point de non-retour. L'histoire est moins forte ou singulière que celle du fameux castor, mais le jeune acteur est excellent et ses scènes toujours convaincante.

Hélas, Foster a bien du mal à conclure et s'embrouille savamment les pinceaux : faisant preuve de trop de tendresse pour ses personnages, elle s'embourbe dans un simili happy end qui débarque sans crier gare et dont on peine à saisir la teneur et le message. Le film se dégonfle à vitesse grand V en quelques bobines, mais le générique de fin intervient suffisamment vite pour stopper net ce ramollissement coupable. Rien cependant qui remette en question la qualité générale de ce Complexe du castor ayant réussi à ne pas être qu'insolite, ce qui constitue déjà un exploit en regard de son postulat.

Le complexe du castor (The beaver) de Jodie Foster. 1h31. Sortie : 25/05/2011.

LA CONQUÊTE

2011-05-19T08:30:00.002+02:00

Dans le genre "politique, fausse malice et vraie lourdeur", on connaissait déjà les documentaires de Karl Zéro. La conquête fait mieux (et donc pire) grâce à un habillage fictionnel encombrant et en partie foireux, dans lequel les acteurs semblent ne jamais savoir s'ils doivent se lancer à corps perdus dans des imitations façon Patrick Sébastien ou s'il est plus sage de garder ses distances avec des personnages politiques continuant à être exposés médiatiquement. Le film de Durringer aurait pu être encore plus mauvais à condition de se transformer en une version très longue d'un mauvais sketch des Guignols, ce qu'il n'est pas tout à fait. En l'état, ce n'est qu'une petite catastrophe, un accident industriel qui devrait dissuader tous les producteurs français de tenter l'aventure d'un film politique sur des personnalités encore en place. Dire que La conquête manque de recul serait laisser entendre qu'il s'agit d'un film avec un point de vue. Or ce n'est qu'une accumulation poussive de diapositives éculées sur le fameux Nicolas Sarközy de Nagy-Bocsa, Président de la République Française entre 2007 et 2012, et plus précisément sur les cinq années précédant sa glorieuse élection.

Scénarisé par le spécialiste du doc Patrick Rotman, qui se targue de s'être beaucoup documenté avant de se lancer dans l'écriture, La conquête est pourtant le film politique le plus illustratif qui soit. Tout spectateur français un peu au courant des différentes affaires ayant marqué la France entre 2002 et 2007 (les émeutes en banlieue, le CPE, Clearstream) sortira du film avec zéro information supplémentaire, l'esprit absolument pas stimulé par cette espèce de grosse frise chronologique sur laquelle on aurait collé à intervalles réguliers quelques bons mots susceptibles d'amuser la galerie. Les vacheries ou énormités proférés par Sarkozy, Chirac, Villepin et les autres sont immanquablement relayées dans le scénario de Rotman, comme s'il suffisait d'aligner des petites phrases déjà connues du grand public pour réussir une farce politique convaincante. L'atroce thème musical, digne d'une mauvaise comédie italienne ou d'un vieux Louis de Funès, est également là pour nous rappeler que, si si, La conquête a bien une vocation de poil à gratter cinématographique. Sauf que non. C'est un film poli, sans prise de risque, réalisé sans génie et tournant tout autour de ces quelques citations ayant perdu leur peu de drôlerie avec les années. C'est le Musée haut, musée bas de la politique, en somme. Jean-Michel Ribes aurait très bien pu être l'auteur de cette gaudriole sinistre mais prétentieuse, qui se gargarise des élans beaufs de ses héros pour mieux les reprendre à son compte.

N'optant ni pour une approche tacticienne de la fameuse conquête ni pour un pur portrait du futur président Sarko, le film slalome entre passages obligés et petits moments plus intimes dans lesquels il tente de reconstituer la lente fin du couple Nicolas-Cécilia. Qu'elles soient véridiques ou recréées de toutes pièces, ces scènes conjugales sont d'une vacuité à faire peur, l'éphémère première dame étant sans doute le personnage le plus sacrifié sur l'autel de la tiédeur. Réduite au statut de pleureuse à poigne de fer, elle est interprétée qui plus est par une Florence Pernel larmoyante et empesée. Les scènes dans lesquelles on est censé deviner qu'elle commence à fréquenter Richard Attias valent leur pesant d'or. La direction d'acteurs n'est de toute façon pas le fort de Durringer : si ses interprètes les plus doués s'en tirent avec les honneurs (c'est le cas de Denis Podalydès, qui tente d'aller au-delà de la simple panoplie de tics sarkozystes), les autres plongent tout de go dans un ridicule même pas assumé. La conquête en fait des porteurs d'anecdotes, des petites icônes pittoresques mais jamais crédibles. On reprochait au savoureux W d'Oliver Stone une scène jugée superflue dans laquelle l'ancien président américain s'étranglait avec un bretzel. Petite pique bien inutile dans un film au vitriol. Hélas pour nous, le film de Xavier Durringer a des allures de bretzel géant, comme s'il n'y avait rien à dire sur le fond. Rendant Sarkozy plutôt humain, presque sympathique, c'est un film médiocre, sans courage, qu'aucun professeur d'histoire ne pourra utiliser, dans un an comme dans cinquante. Pathétique.

La conquête de Xavier Durringer. 1h45. Sortie : 18/05/2011.

[ACID 2011] PUTTY HILL

2011-05-18T20:00:00.001+02:00

Il y a toute l'Amérique dans Putty Hill. Celle de Larry Clark, de Gus van Sant, de Raymond Carver et de Brady Udall. Le film de Matthew Porterfield réussit une synthèse parfaite, discrète et émouvante de tous ces courants de style et de pensée qui ont le mieux décrit les affres et les errements de la jeunesse américaine du dernier quart de siècle. Cette réussite prodigieuse et minimaliste tient du miracle, d'abord parce qu'elle joue dangereusement la carte du docu-fiction. Au milieu de scènes clairement fabriquées, mais dans lesquelles transparaît toujours une vérité éblouissante, les jeunes gens qui traversent le film sont interviewés par un homme dont on n'entendra que la voix. Personnage du film ? Porterfield lui-même ? Spectre narratif destiné à tirer de ces jeunes des confessions qu'ils n'auraient jamais pu faire autrement ? Pendant le film, la question ne se pose même pas, tant la mise à nu permanente de ces anti-héros nous étourdit. Quand la puissance de ce qui se produit à l'écran laisse au troisième plan les questions d'ordre technique, c'est que quelque chose de grand est en train de se produire.

Putty Hill débute avec un ado venant de découvrir le paint-ball. Il retire son masque, laissant apparaître deux yeux hagards, infiniment tristes. Nous sommes la veille de l'enterrement de son frère, retrouvé mort suite à une overdose. Le film entend décrire ces instants suspendus qui suivent la disparition de quelqu'un qu'on a aimé et qu'on aimera toujours, d'une personne qui était là hier et dont on a bien du mal à imaginer qu'elle ne reparaîtra plus. Tous les gens filmés par Porterfield semblent ne pas avoir tout à fait pris conscience de ce que signifie le décès de ce jeune homme. Ils semblent frappés par une indifférence qui n'est en fait que l'expression paradoxale de leur état de choc. C'est ce flottement qui rend le film si beau ; parce que malgré son point de départ potentiellement déprimant, Putty Hill est un film lumineux, quelque part entre le monde des vivants et celui des morts, dans un tunnel où presque rien n'a d'importance. Si les personnages du film parlent plus de leur vie actuelle et future que de la disparition de leur ami, ce n'est pas par égoïsme mais par pudeur, comme dans ces réceptions d'après-funérailles où l'on tente laborieusement de meubler la conversation. Hill montre à merveille la façon dont ces jeunes remplissent sans le savoir un vide qui devrait les terrifier.

Au-delà de leur postulat commun, il y a dans le film de Matthew Porterfield quelque chose de Ken Park, une léthargie cotonneuse remplaçant les comportements débridés des héros de Larry Clark. La poésie qui s'en dégage n'a pas de limite. On passerait volontiers des heures à l'arrière de cette voiture lancée à vive allure, vitres grandes ouvertes, dans laquelle une jeune fille se confie face caméra. Ce qu'elle dit est assez beau, mais peu importe : c'est le plan en lui-même qui est bouleversant, symbole d'une génération roulant à tombeau ouvert sans même s'en rendre compte. L'absence de réel fil narratif honore totalement le cinéaste, qui n'en a nul besoin pour captiver, hypnotiser et piquer au vif. Ce rêve éveillé, délicatement empreint de spleen, constitue à n'en pas douter l'un des plus incroyables moments de cinéma d'une année qui s'était jusque là montrée trop tapageuse pour être séduisante.

Putty Hill de Matthew Porterfield. 1h29. Sortie : 07/09/2011. Fiche ACID.

MINUIT À PARIS

2011-05-18T08:03:00.000+02:00

Dans les hauts lieux touristiques de la capitale française, on trouve sensiblement les mêmes présentoirs de cartes postales. D'un côté, des visuels datés nous rappellent à quoi ressemblait le Paris d'antan, celui de la Belle Époque et des Trente Glorieuses. De l'autre, des images plus récentes agissent comme des instantanés permettant aux touristes de pouvoir décrire le Paris qu'ils ont visité en quelques images. Au milieu se promènent quelques cartes humoristiques à la limite du potache, histoire de rappeler que les Français aussi savent faire les rigolos. Avec Minuit à Paris, Woody Allen semble avoir directement adapté l'un de ces présentoirs, mettant exceptionnellement l'image au même niveau que le verbe, et faisant de Paris un simple théâtre de rêveries et de flâneries. Un pur fantasme de touriste étranger en somme. Mais, qu'il transcende Venise dans la merveille Tout le monde dit I love you ou qu'il encanaille les personnages de Vicky Cristina Barcelona au contact de Barcelone, le new-yorkais a-t-il seulement déjà traité une ville autrement que sous ce jour tendre, schématique et passéiste ? Jamais, sans doute. Pour entrer dans son dernier film, il convient donc d'accepter que Paris soit réduit à ses quartiers les plus bourgeois et à ses artistes les plus célébrés. C'est la vie, comme disent les non francophones avec un accent souvent savoureux.

On ne sait tout de même pas trop sur quel pied danser avec ce Woody assez mineur (c'est devenu un pléonasme), truffé de moments sympathiques mais qui ne décoiffe ni par l'esprit de ses saillies humoristiques ni par la beauté de ses plongées surannées dans un Paris n'existant plus. À la logorrhée baveuse de la première partie succède une série de visites dans les lieux incontournables de la nuit parisienne des deux siècles précédents, rongée par un name dropping franchement excessif. Dans cette seconde moitié, Allen se comporte comme un gamin collant mille autocollants sur la porte de sa chambre pour se revendiquer de mille chapelles... ce qui crée un effet d'accumulation finissant par être indigeste. Quand le héros rencontre Zelda et Scott Fitzgerald, puis Ernest Hemingway, très bien, d'autant que les échanges qui se produisent entre ce laborieux écrivain et ses idoles de toujours sont assez délicieux. Mais arrivent bientôt Picasso, Man Ray, Bunuel, Gauguin, Degas et d'autres, simples silhouettes n'apportant rien d'autre qu'un surplus d'insolite franchement dispensable. Les comédiens ont beau s'en donner à coeur joie dans la peau de ces grands artistes d'une autre époque (ah, Adrien Brody en Dali), reste l'impression désagréable d'avoir payé pour un Woody Allen et de se retrouver trimbalé au musée Grévin, voire chez Patrick Sébastien. Tout cela pour accoucher d'une énième histoire allenienne autour de la création, du désir, et de l'influence des lieux sur tout cela...

Seulement voilà : bien qu'ayant tout pour agacer (Carla Bruni, Gad Elmaleh, sérieusement ?), Minuit à Paris laisse une impression finale assez charmante. Si la photographie n'est pas révolutionnaire (cela fait bien longtemps que les cadrages n'intéressent plus ce vieux Woody), les choix de lumière de Darius Khondji rendent les plongées dans le passé crédibles et enveloppantes. Le casting des rôles principaux est cette fois parfait, avec notamment un Owen Wilson pile dans le ton et un Michael Sheen impayable en érudit pédant. Difficile de bouder son plaisir, d'autant que le spectateur français a de quoi se régaler rien qu'en jouant au petit jeu du « tiens, comment s'appelle cet acteur français qui apparaît dans un demi-plan grâce aux efforts surhumains de son agent ? ». Le film a même tendance à se bonifier de bobine en bobine, parlant de déni ou regardant son passéisme et celui de ses personnages avec la distance nécessaire. Et malgré des thèmes musicaux stéréotypés et répétitifs, on sort gentiment séduit par cette ritournelle. Le Woody Allen des années 80 ne reviendra plus, c'est un fait. En l'acceptant, il est encore possible de passer de bons moments en sa compagnie, comme un grand-père au souffle court mais aux souvenirs pittoresques.

Minuit à Paris (Midnight in Paris) de Woody Allen. 1h34. Sortie : 11/05/2011.

[ACID 2011] RUE DES CITÉS

2011-05-17T20:00:00.000+02:00

Ça commence avec un slammeur qui, quelque part entre Grand Corps Malade et un élève de cours préparatoire venu réciter un poème, enchaîne les lieux communs et les rimes attendues. Ça se poursuit avec une querelle familiale sur le thème « où t'as rangé mon t-shirt à manches longues », jouée de façon scolaire par des acteurs pétris de bonne volonté. Par la suite, Rue des cités aura beau explorer différentes pistes, tenter des choses et multiplier les protagonistes, il continuera lentement mais sûrement à se planter en beauté. Le film co-réalisé par Carine May et Hakim Zouhani prouve si besoin qu'un milliard de bonnes intentions ne remplacera jamais un peu de talent. On sent bien poindre dans le film un désir commun de dire son amour à une banlieue souvent maltraitée, mais ce pâle ersatz des films de Kechiche et Dridi n'est hélas pas à la hauteur de ses gentilles ambitions.

Avec son noir et blanc un peu tiède et ses acteurs clairement non professionnels, Rue des cités fleure l'amateurisme à chaque séquence, et ce jusque dans la façon dont il est construit. Se basant sur des envies de fiction, le film prend pourtant le temps d'intercaler les témoignages face caméra de vraies gens, à savoir les habitants de ces quartiers difficiles, qui en profitent pour exprimer leur nostalgie et leurs regrets. Mais plus que la relative banalité de leurs témoignages, c'est surtout le manque de pertinence du procédé qui frappe. Visiblement intégrées aléatoirement, ces vignettes candides ont hélas des allures de vaste remplissage. De même, la tentative de mise en abyme à base de film dans le film semble avoir été ajoutée pour justifier la piètre qualité des comédiens (dont le réalisateur dans le film souligne le manque de naturel) plus que pour créer quelque chose de véritablement cinématographique.

Rue des cités n'a rien d'un film détestable, c'est juste un film copieusement raté parce que dépourvu de style, d'idées neuves et surtout de cohérence. On veut bien croire à la passion de tous ces gens pour leur ville et leur quartier, mais celle-ci aurait sans doute été plus palpable si le tandem May - Zouhani s'était contenté de livrer un documentaire déclaration adressée en bonne et due forme à cette ville d'Aubervilliers dont les habitants ont sans doute mille histoires passionnantes à raconter.

Rue des cités de Carine May & Hakim Zouhani. 1h08. Fiche ACID.

THE TREE OF LIFE

2011-05-17T01:06:00.000+02:00

La Grâce ou la Nature : tels sont les deux choix proposés par Terrence Malick, dont le cinquième long résonnait un peu trop comme une annonce messianique faite au monde. Élu chef d’œuvre parmi les chefs d’œuvre avant même d'avoir vu le jour, The tree of life n'est pas le Saint Graal attendu, mais recèle néanmoins suffisamment de richesses et de matière pour intégrer sans mal le club des films qu'on n'oubliera pas de sitôt. Tant par sa patte visuelle que par l'ampleur de son message, le dernier Malick se distingue par l'intransigeance de ses partis pris et son refus du consensus. C'est comme si le cinéaste prenait des risques pour la première fois, acceptant de délaisser en partie une Dame Nature qu'il avait toujours traitée avec recueillement pour se payer une virée au royaume des cieux, quitte à faire grincer des dents. Aussi casse-gueule soit-il, The tree of life a au moins le mérite d'être formidablement cohérent dans sa démarche et dans ses questionnements. S'il est tout à fait possible de ne pas adhérer au message en raison de divergences d'ordre spitiruel, sensitif ou émotionnel, il est en revanche difficile de contester l'ampleur du travail abattu par un réalisateur qu'on devine habité par son sujet, parfois à la limite de la transe, mais refusant toujours de s'abîmer dans la confortable tiédeur qui caractérise, qu'on le veuille ou non, la majorité de son œuvre passée.

Le plus incroyable avec The tree of life, c'est qu'il est capable de placer le spectateur le plus ouvert face à ses contradictions de consommateur de films. Un jugement basé sur l'immédiateté pousserait à juger le film comme totalement ridicule, absolument poseur, risible de part en part. Il est vrai que sa première demi-heure a tout pour être fatale, et ce de façon totalement rédhibitoire : Malick recrée en effet une sorte d'odyssée de la vie qui fait autant penser à Yann Arthus-Bertrand qu'au 2001 de Kubrick. C'est dire l'ampleur du grand écart. Division cellulaire, phénomènes climatiques, étendues désertiques, méduses, dinosaures en mauvaises images de synthèse : d'une certaine beauté formelle, les images s'enchaînent, s'accumulent, dans un grand vent de contemplation béate face à ce que Dieu le père a pu nous apporter de plus beau et de plus grand. Remonter à l'origine des temps pour ne conter au final qu'une banale histoire de famille, voilà le signe d'une grande audace.

Cette famille-là, on en découvre d'abord la tragédie (la mort d'un fils à peine majeur) avant de repartir paisiblement de ses débuts, à savoir la naissance du premier des trois fils qui la composeront. C'est la partie la plus mièvre du film, filmée à grands renforts de plans lyriques et d'improbables mouvements de caméra, mais c'est aussi d'elle que le film semble démarrer enfin. En suivant patiemment la croissance de trois frères et leur relation avec leurs parents (qui ne sont autres, ne soyons pas dupes, que la Grâce et la Nature), on finit par se familiariser avec eux et à oublier peu à peu la ribambelle d'images aberrantes vues précédemment. Peu à peu se tissent alors des enjeux modestes en apparence mais gigantesques pour peu qu'on les observe sous un jour symbolique. Car le chef de famille, joué par un Brad Pitt relativement convaincant, tente de donner à ses fils une éducation religieuse mais pas naïve, où l'on apprend tout autant à respecter ses aînés qu'à se battre pour être le meilleur et le mieux blindé face aux épreuves de la vie. Une façon de faire qui finit par peser sur la conscience du plus âgé des frères, bientôt à la tête d'une révolution de poche s'orchestrant entre lui, sa conscience et ses parents. Est-ce neuf ? Pas tout à fait, et on peut reprocher à Malick de ne pas avoir assez approfondi des thèmes déjà abordés de façon nettement plus discrète dans des films indépendants à petit budget (demandez à David Gordon Green ou Michael Cuesta). Il n'empêche que dans ces instants-là, The tree of life captive. Sans atteindre, il est vrai, les sommets trop vite annoncés.

Ces histoires de famille et d'enfance, Malick les traite sur la durée, en prenant sans doute trop son temps, manquant singulièrement d'efficacité dans le traitement. Et parce qu'il était décidé depuis le départ que son film serait métaphysique ou ne serait pas, le metteur en scène clôt son œuvre par de nouveaux appels à la nature, à l'univers... et au paradis. Un paradis pensé comme une simple plage, havre de paix où chacun finirait par se retrouver en dépit de la façon dont sa vie fut menée. S'il ne cède pas à un kitsch dans lequel était par exemple tombé Peter Jackson avec Lovely bones, il est toutefois difficile de s'accorder pleinement avec cette vue de l'esprit qui est cependant la conséquence logique de toute ce qui précède. D'un point de vue religieux, le cinéaste n'a pas grand chose à se reprocher, son approche du livre de Job étant assez claire et la morale délivrée n'ayant rien de scandaleux. Plus qu'un fond discutable mais loin d'être inintéressant, c'est finalement par sa forme que le film dérange le plus. Dans ses passages les plus lyriques comme ailleurs, The tree of life ressemble en effet trop souvent à un gigantesque patchwork composé d'images souvent "jolies" mais rarement conciliables. Cela ne fait que confirmer que Terrence Malick est plus un grand faiseur d'images qu'un brillant metteur en scène : il sait composer des plans, travailler des textures, trouver des angles stimulants, mais il se montre souvent incapable de rendre l'ensemble harmonieux. Un film censé parler de la Vie et de tout le reste mais ne parvenant jamais à créer l'émotion peut être qualifié de film raté, ou de film malade. En attendant de pouvoir le réévaluer dans dix, vingt ou cinquante ans, on chosira pour The tree of life ce dernier qualificatif.

The tree of life de Terrence Malick. 2h18. Sortie : 17/05/2011.

ROAD TO NOWHERE

2011-05-16T09:35:00.000+02:00

La sortie de Road to nowhere est à l'origine d'un phénomène inédit : c'est sans aucun doute la première fois qu'on peut parler d'un film lynchien sans que la comparaison tourne immanquablement en faveur du cinéaste-adjectif. Le dernier film de Monte Hellman, sorti du diable vauvert alors qu'on ne l'attendait plus, résonne comme un cousin de Mulholland drive et de Twin Peaks : fire walk with me, réorchestrant des ambiances et des thématiques dont on croyait la maîtrise réservée au grand Lynch. Qu'on ne s'y trompe pas : si ce film-ci peut-être décrit comme un puzzle mental, il n'entend pas se vautrer dans le bizarroïde ou le malsain, mais simplement s'épanouir dans une mise en abyme riche et stimulante.

Road to nowhere est impossible à résumer convenablement, sauf peut-être par les analystes les plus structurés. Il y est question d'un fait divers à base de disparition(s)/suicide(s) ainsi que d'une centaine de millions de dollars, fait divers bientôt repris par un cinéaste désireux d'en tirer un potentiel chef d'oeuvre, sous l'oeil notamment d'une blogueuse s'étant particulièrement intéressée à l'affaire... Très vite, les univers vont se croiser, s'interpénétrer, l'ensemble s'axant autour de la mystérieuse Velma Duran, troublante héroïne de l'histoire originelle, et de son interprète à l'écran, une actrice débutante au magnétisme fou. La complexité de l'ensemble est incontestable, mais le scénario est moins conçu comme un casse-tête à résoudre que comme un voyage psychique dans l'univers du cinéma et du désir. « Si je comprenais, ça ne m'intéresserait pas », dit en somme le metteur en scène du film dans le film (qui partage d'ailleurs les mêmes initiales que Monte Hellman). Car c'est bien là qu'est la beauté de cet art : créer devant nous les plus beaux points d'interrogation qui soient, et les faire briller de mille feux. Road to nowhere s'y emploie brillamment pendant plus de deux heures.

Le film fait du cinéma un sacrifice plus qu'un sacerdoce, et fait de chaque plan un véritable combat, artistique aussi bien que personnel. Son projet ayant largement convaincu producteurs et comédiens, tous persuadés de participer à un chef d'oeuvre, le cinéaste Mitchell Haven n'a aucun droit à l'erreur... et ce bien que la réalisation n'ait rien d'une science exacte. Et quand le désir éprouvé pour son actrice se confond avec celui qu'il ressent pour elle en tant que femme, les perceptions sont biaisées et plus rien n'est pareil. D'autant que le spectre de l'affaire Velma Duran est toujours présent et d'autant plus tenace que l'affaire n'a jamais été résolue (si affaire il y a). Ce trouble-là, Hellman le met en boîte avec une maîtrise ébouriffante, sa mise en scène assez simple permettant de toujours rester au plus près de l'action et des protagonistes. On peut légitimement se perdre dans certains des dédales du script, mais le film ne donne jamais l'impression de prendre son spectateur de haut. Ce qui fait toute la différence avec bien d'autres oeuvres de réalisateurs poseurs.

Plein comme un œuf, Road to nowhere donne l'impression de n'être que la version courte d'une œuvre pharaonique, et donne en tout cas envie de multiplier les visions pour saisir un peu mieux les rouages de cette histoire sensorielle, grisante et habitée. Il faut dire qu'avec à sa tête la trop rare Shannyn Sossamon à sa tête, Hellman ne pouvait trouver interprète plus lumineuse et énigmatique. Belle à se damner, elle fait de ses personnages (Velma Duran et l'actrice Laurel Graham) des Laura Palmer contemporaines, boîtes de Pandore humaines dont on rêverait de percer les mystères. Pas si inaccessible (mais accueilli avec une grande frilosité), Road to nowhere diffère certes de ce que Monte Hellman avait pu offrir jusqu'ici, mais c'est purement et simplement la plus belle proposition de cinéma qu'il ait été donné de voir cette année.

Road to nowhere de Monte Hellman. 2h01. Sortie : 13/04/2011.

Séances de rattrapage : L'ÉTRANGÈRE / LOVE & GAME / STONE

2011-05-16T00:40:00.000+02:00

La vie est cruelle pour ces trois films, dont les réalisateurs rêvaient sans doute d'être chroniqués en long et en large dans ces lignes. Les pauvres.

Non, la réussite d'un mélodrame n'est pas toujours professionnelle au volume de larmes versées pendant sa projection. L'Étrangère a beau avoir fait chialer la majorité de ses spectateurs, le film n'en reste pas moins un pur produit lacrymal, qui sous prétexte de dénoncer la dure condition de la femme et de l'étranger (imaginez quand on cumule) s'abime dans un dispositif complaisant et un brin putassier. S'il n'y avait l'interprétation plutôt digne de la belle SIbel Kekilli (sorte de Karina Testa, version turque et actrice), il y aurait sans doute de quoi céder à une certaine consternation face à cette accumulation de souffrances trop calculée pour atteindre sa cible. La photographie bleutée n'est pas mal non plus, la réalisatrice Feo Aladag ayant au moins eu le bon goût de ne pas céder aux facilités d'un filmage à l'épaule. Pas vraiment suffisant pour donner suffisamment d'intérêt au film.

Le meilleur gag de Love & game : tenter de nous faire croire à Queen Latifah dans un rôle de trentenaire. On s'amuse à la voir donner la réplique à Pam Grier, qui joue sa mère, en essayant désespérément de nous convaincre de la crédibilité de ce lien familial. On s'occupe comme on peut face à cette comédie romantique bien plate, sur le thème éculé de « la belle et la grosse », et avec un (léger) fond de basket-ball pour secouer le tout. Opposant une ronde sympa et une bonnasse ingrate (la toujours ravissante Paula Patton) dans une course à l'amour au cours de laquelle chacune aura sa chance, le film finira exactement comme vous pensez. Sans surprise, sans folie, sans humour. Cousu de fil blanc, il remplit jusqu'au bout sa tache de pur véhicule pour la miss Latifah, dont la simple présence suffit souvent à garantir un succès au box-office. En tout cas de l'autre côté de l'Atlantique.

Dès les premières minutes, on comprend à quel point on va souffrir devant ce Stone : il suffit pour cela de découvrir la prestation ridicule d'Edward Norton en taulard loubard. Le reste est à peine moins pénible, le film se résumant bien souvent à un ennuyeux face-à-face entre un De Niro empesé et une Milla Jovovich bien en peine dans son rôle de vamp. Devrait se créer entre eux une sorte de jeu de séduction, mais la fadeur conjointe de leurs interprétations désamorce chacune de leurs scènes en moins de trois répliques. Encombré par une logorrhée insupportable et inexplicable, Stone est le premier ratage de la carrière de John Curran, réalisateur de We don't live here anymore et du Voile des illusions. Mais quel ratage. Il est clair que Stone ne doit sa sortie dans nos salles qu'à l'opportunisme de distributeurs ayant voulu profiter de la couverture médiatique autour de la présidence cannoise de De Niro.

L'Étrangère (Die Fremde) de Feo Aladag. 1h59. Sortie : 20/04/2011.
Love & game (Just Wright) de Sanaa Hamri. 1h40. Sortie : 11/05/2011.
Stone de John Curran. 1h45. Sortie : 11/05/2011.

L’ŒIL INVISIBLE

2011-05-15T09:14:00.001+02:00

Un lycée prestigieux au coeur de Buenos Aires. Une jeune surveillante (on devine qu'elle est jeune même si l'air strict qu'elle est contrainte d'arborer lui fait prendre dix ans) qui vérifie les rangs, fait l'appel puis transmet la future élite du pays à son professeur. Dehors, la révolution menace l'ordre dictatorial en place. Nous sommes en 1982 et les choses pourraient bien s'envenimer sous peu. Alors, pour que l'entropie extérieure ne se répercute pas dans l'établissement, le surveillant en chef décide d'en faire son œil invisible. Sa fonction ? Traquer, épier, rapporter chaque fait et geste pouvant laisser penser qu'un élève ou un autre risque de déraper trop loin et trop fort.

L’œil invisible débute assez fort, par la description des taches qui attendent la jeune Teresa, condamnée à l'inflexibilité vis-à-vis de ces jeunes gens qui pourraient être ses petits frères. Très vite, les rouages bien huilés de cette institution traditionaliste commencent à être obstrués par de sérieux grains de sable. Incapable de s'imposer sur le long terme la discipline qu'implique ce genre de travail, Teresa se met à déconner, de façon imperceptible pour les autres, mais de manière évidente pour le spectateur. Trop évidente sans doute, par la faute d'une écriture manquant de finesse et d'une mise en scène parfois pachydermique. Lorsque la surveillante découvre qu'elle est troublée par l'un des élèves dont l'aura et le parfum l'obsèdent, Diego Lerman n'hésite pas à multiplier les gros plans sur le visage de son actrice, yeux fermés et nez frétillant comme le ferait une souris de dessin animé flairant un gros morceau de gruyère.

Ce n'est pas un film, c'est un tour de montagnes russes : on déchante très régulièrement en raison du manque de discernement du cinéaste argentin, mais la force de l'interprétation et la robustesse psychologique de certaines séquences créent un étrange état d'addiction vis-à-vis du film. Pourtant, le parallèle entre les signes avant-coureurs d'une rébellion adolescente et le fait que les rues de la capitale argentine soient en train de gronder n'est pas le plus finaud du monde. Mais l'essentiel n'est pas là : car le personnage du surveillant général, que l'on pensait d'une droiture absolue, finit par révéler sa véritable nature. Ce que martèle Lerman alors qu'il aurait pu se contenter de le suggérer, c'est que tout parapluie dans le cul cache une bonne dose de névroses et de perversité. En gros, plus quelqu'un s'imposerait une existence faite de rigueur, plus il aurait besoin de compenser... et pas en douceur. Le film dévie peu à peu de son intéressant sujet de départ pour finir en jeu dangereux à base d'attractions non réciproques et de filles cachées dans les toilettes des garçons. Autant dire que la morale de ce curieux Œil invisible reste floue, et ce malgré les assez gros sabots de son réalisateur.

L’œil invisible (La mirada invisible) de Diego Lerman. 1h45. Sortie : 11/05/2011.

[ACID 2011] BOVINES

2011-05-14T11:00:00.004+02:00

Dans Le quattro volte, l'une des renversantes surprises du festival de Cannes 2010, Michelangelo Frammartino passait un bon quart de son film à filmer un troupeau de biquettes allant et venant, l'air de rien, jusqu'à ce que l'une d'entre elles finisse par s'égarer et se retrouver salement esseulée. C'était drôle, émouvant et un peu cruel. Pas sûr qu'on puisse en dire autant de ce Bovines, dans lequel Emmanuel Gras (aucun jeu de mots, merci) filme en long et en large... un troupeau de vaches. Ni éthologue ni franchement esthète, le réalisateur a choisi la carte de la pure contemplation, sans même tenter de créer un brin d'intrigue ou de suspense.

En résulte un film passablement ennuyeux, comme une promenade au grand air sans le grand air, où les différentes phases de la journées de nos amies (?) les vaches sont patiemment décortiquées. Entre deux phases d'observation, Gras s'abandonne à quelques élans poétiques et filme la pluie, la nuit, le brouillard, apparemment sans autre objectif que celui d'opérer de douces transitions entre les séquences. Bovines est l'équivalent cinématographique de ces VHS d'aquarium ou de feu de cheminée destinées à offrir un peu d'ambiance (hum) aux gens seuls.

Au final, si le film crée une sorte d'ennui irréel et ne parvient jamais à attendrir ou à toucher, c'est sans doute parce que la vache est l'animal le moins mystérieux, le moins magnétique que la Terre ait porté. Comment être fasciné par ces yeux sans vie, cet air stupide et ce fessier proéminent, si ce n'est en considérant les animaux proposés devant la caméra comme des futurs morceaux de viande en puissance ? Bovines est victime d'un délit de sale gueule et aurait sans doute connu un tout autre destin si ses héros avaient été des manchots ou de jeunes brebis. La vie est injuste.

Bovines d'Emmanuel Gras. 1h02. Fiche ACID.

[ACID 2011] ODÉON DANCING

2011-05-14T10:50:00.002+02:00

Ils arrivent, apprêtés, pour jouer comme chaque dimanche les dernières cartes séduction de leur existence. Les danseurs de l'Odéon Dancing ont leur vie derrière eux mais tentent, pour quelques heures encore, de se sentir flamboyants. La réalisatrice Kathy Sebbah dépeint leurs danses de séduction, leurs échanges empruntés, leurs efforts pour progresser en tant que danseurs... À travers son prisme, l'Odéon Dancing ressemble à une basse-cour dont chacun essaie de prendre le contrôle.

En 25 minutes, Kathy Sebbah ne fait qu'effleurer les êtres et les couples. On aurait aimé en savoir plus sur cette femme visiblement en train d'apprendre à supporter son veuvage, ou sur cet homme si perfectionniste qu'il en oublierait presque de se détendre. L'ensemble est d'autant plus déstabilisant que le film est construit sur une ambiguïté entre le documentaire et la fiction : des scènes d'un réalisme accru succèdent à d'autres qui semblent plus scénarisées, plus construites, avec des mouvements de caméra trop fluides pour être improvisés.

Odéon dancing aurait gagné à choisir un camp pour gagner en cohérence et en homogénéité : à l'écran ne subsiste qu'une désagréable impression de bâtardise. On voudrait se moquer tendrement des protagonistes, de leurs permanentes et de leurs bronzages, ou pourquoi pas s'intéresser à la façon dont ces gens se croisent, chaque semaine, dans ce même lieu ; on ne fait que slalomer entre des doutes qui parasitent la lecture de ce film anecdotique qui en dit moins sur le troisième âge que n'importe quelle scène des Petits ruisseaux de Pascal Rabaté.

Odéon Dancing de Kathy Sebbah. 25 min. Fiche ACID.

[ACID 2011] PALAZZO DELLE AQUILE

2011-05-13T18:53:00.000+02:00

Que faire quand les pouvoirs publics écoutent vos doléances en hochant la tête mais vous laissent immanquablement patauger dans une misère ne cessant de gagner du terrain ? À Palerme, ces dix-huit familles ont choisi de prendre les choses en main : sans-abri depuis des lustres malgré leurs supplications, elles décident de prendre d'assiéger les locaux de la Mairie afin d'y élire domicile le temps qu'on leur propose une solution digne de ce nom. Le documentaire de Stefano Savona suit de près leur révolution de poche, montrant par la même occasion que l'ampleur de toute révolte est à la hauteur du désespoir qui l'a engendrée.

Négociations, intimidations, tables rondes : la vie de ces insurgés est rythmée par des séries de rencontres avec des personnalités politiques souhaitant à tout prix réinvestir les lieux en fournissant aussi peu d'efforts que possible. Ce n'est pas nouveau, mais Palazzo delle aquile montre à quel point les réalités de l'univers politique sont éloignées de celles des plus nécessiteux. En les plaçant côte à côte, le documentaire rend cela édifiant, consternant, accablant. Il faut voir cette mairie, confortable lieu abritant les symboles de la République Italienne, se transformer peu à peu en gigantesque capharnaüm. L'image serait parfaitement réjouissante s'il ne s'agissait pas pour les nombreux héros du film de tenter de sauver leurs familles de la précarité et des dangers de la rue.

Les enfants jouent, s'amusent, tentent de ne pas perdre leur innocence dans cet endroit peu adapté à leurs envies et aspirations. Pendant ce temps, leurs parents se battent pour eux. Ce sens de la famille et de l'engagement politique est parfaitement mis en avant par Savona, qui aurait cependant gagné à resserrer son film. Le terrible ennui de ces révoltés, qui n'en finissent plus d'attendre à force de refuser (à raison) les propositions paresseuses des autorités en place, finit par devenir trop communicatif. Les dernières bobines, elles, sont idéales : empreintes d'un suspense jamais putassier, elles montrent que l'issue de ce genre d'acte citoyen ressemble hélas à un coup de dés. La conclusion laconique et muette ne fera que renforcer cette terrible impression.

Palazzo delle aquile de Stefano Savona, Alessia Porto & Ester Sparatore. 2h08. Fiche ACID.

[ACID 2011] NOCES ÉPHÉMÈRES

2011-05-12T22:00:00.000+02:00

L'héroïne de Noces éphémères, film de l'iranien Reza Sarkanian, est incarnée par Mahnaz Mohamadi, elle-même cinéaste, actuellement contrainte par les autorités de son pays de ne pas sortir du territoire. Quoi de plus tristement normal étant donné le vent de subversion et de révolte qui plane sur le film d'ouverture de l'ACID 2011...

Au cœur de Noces éphémères, une problématique jamais abordée encore par les films iraniens ayant pu arriver jusqu'à nos écrans : les mariages à durée déterminée, qui permettent aux hommes de s'assurer une descendance et réduisent les femmes au simple état de pondeuses tout juste bonnes à élever l'enfant d'un homme qui ne lui devra respect (tout est relatif) et fidélité que durant les premières années suivant le mariage. Un concept qui fait fi des sentiments, de la parité et du respect de la personne humaine. Une nouvelle façon d'opprimer la femme iranienne.

En s'attardant également sur des histoires de familles toutes plus ou moins reliées à ce sujet, Serkanian évite les pièges du film-dissertation et offre un instantané saisissant des conditions rudimentaires dans lesquelles les femmes iraniennes sont contraintes de se débattre (lorsqu'elles peuvent se débattre). À la tête du film, Mahnaz Mohamadi livre une prestation touchante et modeste, à l'image d'une œuvre un peu frêle mais ne devant son existence qu'à l'union de citoyens et artistes iraniens désireux de faire changer les choses.

Noces éphémères de Reza Serkanian. 1h24. Fiche ACID.

[ACID 2011] PANDORE

2011-05-11T10:00:00.003+02:00

Co-réalisateur du bon Commissariat aux côtés d'Ilan Klipper (crédité ici à l'image et au son), Virgil Vernier se rappelle à notre bon souvenir avec ce Pandore qui confirme sa filiation avec Raymond Depardon. Le principe est simplissime : planter sa caméra à quelques mètres de l'entrée d'une boîte de nuit pour mieux observer le travail de Mathieu, physionomiste, accompagné d'un collègue videur. En plans fixes ou presque, et sans jamais entrer à l'intérieur des lieux tant convoités, Vernier met en place un double processus : la description d'un métier qui fascine et inquiète, et le portrait d'un homme d'une trentaine d'années, sosie de Sébastien Thoen (Action Discrète) qui s'acquitte avec professionnalisme d'une tache relativement ingrate.

Le processus pourrait faire craindre un film répétitif, mais ce serait oublier qu'une entrée en discothèque est parfois aussi anxiogène et révélatrice que touts les entretiens d'embauche du monde : soignant leur image, ménageant leurs effets, jouant la sincérité ou le bluff, les aspirants fêtards n'ont qu'une seconde pour faire bonne impression et parvenir à franchir le fameux cordon. Effectuant son travail à la chaîne mais pas sans humanité, Mathieu travaille à l'instinct, use de son pouvoir de conviction, tente de se montrer démocrate jusqu'au moment où ce n'est plus possible. Il faut aussi faire avec les amis des patrons, les invités qu'on ne peut refuser malgré leur comportement et les débordements en tous genres.

La force de ce type, c'est qu'il parvient à rester absolument attachant malgré sa fâcheuse tendance à dire non. Sans jugement, en portant un regard tendre et suffisamment distant (le style Depardon) pour ne mépriser personne, Pandore réussit un exploit dont peu de courts et moyens métrages sont capables : donner envie de voir la même chose en version longue, pour cerner un peu mieux les personnalités d'un Mathieu moins tranquille qu'il n'y paraît et les étranges facettes d'un métier attisant la curiosité. Virgil Vernier semble avoir le chic pour trouver des angles inédits et les traiter aussi pertinemment que possible.

Pandore de Virgil Vernier. 35 min. Fiche ACID.

[ACID 2011] La sélection en critiques

2011-05-11T09:00:00.004+02:00

À Cannes, moins exposée que les principales sélections, la sélection de l'ACID donne à voir des films souvent modestes et prometteurs, dont la plupart sont pour l'instant sans distributeur. Retrouvez ci-dessous la liste des films sélectionnés cette année (longs, moyens et courts) et qui seront projetés dans les jours à venir lors du festival. Les titres suivis d'une astérisque sont ceux des films que j'ai eu la chance de voir à Paris avant le début du festival : ils seront chroniqués en ces lieux durant les prochains jours, et les liens vers les critiques ajoutés peu à peu dans cette page.

Longs-métrages
Black Blood de Miaoyan Zhang (Chine / France)
Bovines* d'Emmanuel Gras (France)
Goodnight Nobody* de Jacqueline Zünd (Suisse / Allemagne)
Le Grand'Tour de Jérôme Le Maire (Belgique)
Noces éphémères* de Reza Serkanian (France / Iran)
Palazzo delle aquile* de Stefano Savona, Alessia Porto & Ester Sparatore (Italie / France)
Rives d'Armel Hostiou (France)
Rue des cités* de Carine May (France)
Les vieux chats de Pedro Peirano & Sebastian Silva (Chili)

Courts-métrages
Odéon Dancing* de Kathy Sebbah (France)
Pandore* de Virgil Vernier (France)

Courts-métrages Talents Cannes Adami 2011 (en savoir plus)
Christine de Gilles Porte
Deep inside de Marc Gibaja
Devine de Laurent Perreau
Encore heureux d'Ivan Calbérac
Scène de vestiaire de Frédéric Malègue
Yasmine : la révolution de Karin Albou

Longs-métrages (séances spéciales)
Putty Hill* de Matthew Porterfield (États-Unis)
Paraboles (Mafrouza 5) d'Emmanuelle Demoris (France)
Léa de Bruno Rolland (France)

LA SOLITUDE DES NOMBRES PREMIERS

2011-05-10T12:50:00.001+02:00

Non, ne fuyez pas, il n'est pas question ici de mathématiques, ou si peu, le temps en fait de justifier en une poignée de répliques ce titre si intrigant, dont les vertus romantiques ne sont que des apparences. Qui connaît les nombres premiers et le fameux (oui, fameux) crible Ératosthène sait très bien que plus ceux-ci sont grands, plus ils sont éloignés les uns des autres, divergeant peu à peu vers un état d'intense solitude. Les personnages nés dans le roman à succès de Paolo Giordano, ont-ils vraiment tendance à s'isoler de plus en plus à mesure que les années passent ? Pas tout à fait : leur trajectoire serait plutôt d'ordre sinusoïdale, avec ses passages hauts et ses coups de mou, ses retours à la normale et ses soudaines remontées. S'attardant alternativement sur quatre périodes-charnières des existences de Mattia et Alice, deux petits italiens amenés à se croiser et à s'apprivoiser, le film de Saverio Costanzo est moins mathématique que métaphysique, comme une plongée dans le cosmos en compagnie de deux âmes seules. On suit en parallèle leurs enfances déchirées, scarifiées même, au cours desquelles drames et traumatismes tendront à faire d'eux des adultes avant l'heure.

Énième roman d'apprentissage, simple film d'initiation de deux jeunes gens s'adaptant mal à la vie dite normale ? Non, La solitude des nombres premiers va plus loin que ça, notamment grâce à l'insondable tristesse qui semble s'emparer des principaux protagonistes. Dès leur plus jeune âge, ils semblent empreints d'une mélancolie dévastatrice et apparemment héréditaire. Que des enfants d'apparence ordinaire soient condamnés d'emblée à traîner derrière eux leurs états d'âme comme d'autres portent leur croix laisse pantois. Loin de se complaire dans un éloge petit-bourgeois de détresses infantiles, Costanzo va plus loin, collant de près (sans avoir lu le livre, on l'imagine) au style du romancier pour mettre le doigt sur chacune des névroses et des psychoses rongeant peu à peu l'existence de Mattia et Alice. Résultat : régulièrement, le film revêt une parure de giallo oppressant, prenant aux tripes et à la gorge tout spectateur s'étant lancé sur les traces des deux héros. Dès le formidable prologue, on sait. On sait qu'on ne lâchera plus ces deux personnages-là, d'un vestiaire de gymnase à un appartement douillet en passant par une soirée dansante prenant des allures de scène de théâtre antique.

Malgré son éclatement narratif dû à la multiplicité des périodes et à la nécessité de traiter les points de vue des deux personnages, le film fait preuve d'une admirable fluidité et ne cherche jamais à se donner des allures de mauvais puzzle. On ne passera pas deux heures à s'interroger sur les raisons de la gravité qui semble s'être emparée des visages d'Alice et Mattia : celles-ci sont patiemment exposées au gré de scènes souvent déchirantes mais jamais mélodramatiques. Costanzo choisit de s'attacher davantage aux lieux et aux cicatrices qu'aux personnes, à l'image de ses personnages déshumanisés. La dernière partie, qui s'attarde contrairement à ce qui précède sur une unique période, poursuit dans ce sens de façon fort cohérente : évitant tout sensationnalisme, soucieux d'éviter la gravité sous toutes ses formes, le metteur en scène intrigue, émeut, broie et éviscère un spectateur interloqué d'être passé par autant de sentiments en si peu de temps. C'est sans doute cela qu'on appelle un grand cinéaste.

La solitude des nombres premiers (La solitudine dei numeri primi) de Saverio Costanzo. 1h58. Sortie : 04/05/2011.

[DVD] BELLE ÉPINE

2011-05-08T11:35:00.000+02:00

S'il devait ne rester qu'un exemple récent d'une "fille de" n'ayant pas volé son entrée dans le monde du cinéma, il y aurait mille raisons de jeter son dévolu sur Léa Seydoux, actrice grave et magnétique, qui devrait joliment mûrir avec le temps à condition de ne pas s'enfermer trop longtemps dans des rôles de lycéenne. Elle incarne ici Prudence Friedmann, ado de 17 ans venant tout juste de perdre sa mère et profitant de l'absence momentanée de son père pour tester les joies et les désagréments d'une vie en autonomie. Une sensation de liberté absolue qui se muera rapidement en sentiment de profonde solitude. Pour la jeune fille se muant en jeune femme, c'est l'heure des premières désillusions, le temps de prendre conscience qu'une vie d'adulte n'a rien du havre de possibilités et d'opportunités auquel on croit aboutir lorsqu'on est trop jeune pour comprendre. La dureté de cet apprentissage, la réalisatrice Rebecca Zlotowski la compense idéalement par un traitement frontal mais assez doux, comme du Pialat version ouatée. Une impression renforcée par un cadre soigné mais pas chichiteux, et par une désorientation temporelle qui fait que l'histoire de Prudence pourrait se dérouler de nos jours comme dans les années 70.

Belle Épine a quelque chose de fugace, d'un peu éphémère, sans doute en raison de sa brièveté et de l'absence d'intrigue à proprement parler. Zlotowski semble moins intéressée par ses situations que par ce qu'elles impliquent de spirituel ou de sensoriel. Ce que confirment son traitement de la spiritualité et de la sexualité, souvent abordées par le biais de discussions délicieusement étirées, transcendées par une brochette de jeunes acteurs ayant déjà franchi le statut d'espoirs du cinéma français. Anaïs Demoustier, Johan Libéreau, Guillaume Gouix : des noms encore trop méconnus pour des interprètes qui comptent, et qui livrent ici des prestations convaincantes mais discrètes. Si Belle Épine a tendance à frustrer, c'est justement parce qu'on aimerait en voir plus, savourer plus longtemps la présence des comédiens, tenter d'apprivoiser sa cinéaste. Mais c'est une frustration saine, le film semblant parfaitement dosé.

Peut-on en conclure pour autant à l'avènement d'une réalisatrice de talent ? Prudence (tiens donc) : car si ses personnages parlent souvent beaucoup, Zlotowski semble hésiter à se livrer, à l'instar de son héroïne. Il lui faudra sans doute se montrer moins évasive et plus rentre-dedans pour parvenir à imposer véritablement une identité de cinéaste. Mais il y a sans nul doute, dans sa façon de filmer des errances nocturnes ou des raids à moto, quelque chose qui la distingue de la plupart des réalisateurs de premiers films souvent trop conscients de jouer leur carrière sur un coup de dés, et accentuant excessivement les aspirations auteurisantes de leurs films. Belle Épine fait montre une sensibilité sans égal dans le paysage cinématographique français actuel, notamment par son étonnante façon de combiner à un cinéma potentiellement parisiano-nombriliste des influences inattendues comme celle du fameux giallo. À l'incroyable bande originale (signée d'un certain Rob, du groupe Phoenix) s'ajoute en effet une façon fort reconnaissable de filmer le royaume de la nuit.

Belle Épine de Rebecca Zlotowski. 1h20. Sortie : 10/11/2010. Sortie DVD : 04/05/2011.

LE DILEMME

2011-05-07T10:00:00.006+02:00

Quelle mouche a bien pu piquer Ron Howard pour qu'il décide, après s'être forgé une réputation (moyennement reluisante mais sacrément lucrative) de faiseur de grosses machines, de s'attaquer régulièrement à des projets plus modestes ? Comme avec Frost / Nixon en 2009, l'ex héros de Happy days choisit ici un profil bas qui lui va plutôt bien. En chipant le fauteuil de réalisateurs relativement interchangeables tels que David Dobkin ou Dennis Dugan, il montre des prédispositions dans la mise en scène comique dont on ne le savait pas (plus ?) capable. Pourtant, ce Dilemme commence bien mal, uniquement irrigué par la légendaire faconde de Vince Vaughn, qui brasse de l'air durant plusieurs scènes en tentant de défendre des scènes d'exposition bien palotes. Mais ni Kevin James, acteur comique célèbre aux USA et toujours méconnu chez nous malgré Hitch et compagnie, ni le tandem Winona Ryder - Jennifer Connelly (qui semblent s'ignorer copieusement) ne parviennent à l'aider à redresser la barque. Résultat : dans ses premiers instants, Le dilemme laisse craindre le pire, à savoir une heure cinquante de discussions inutiles et sans âme.

Si l'on ajoute que le job des deux héros du film consiste à créer des bruits de moteur convaincants à des voitures électriques de luxe, et si on souhaite achever l'audience en précisant qu'un second rôle est joué par Queen Latifah en commerciale hommasse adepte des blagues graveleuses, la messe semble dite. Et pourtant, Le dilemme se tire peu à peu du marasme dans lequel il avait démarré et finit par se déployer peu à peu. D'un postulat assez pauvre (doit on prévenir son meilleur ami s'il s'avère cocufié ?), le scénariste Allan Loeb tire une longue et lente descente aux enfers pour un héros dépassé, harassé, anéanti dans son propre couple alors qu'il tentait avant tout de sauver les meubles dans le mariage de son meilleur pote. On attendait une nouvelle bromance, et celle-ci n'a heureusement pas lieu (Kevin James n'est vraiment pas un acteur intéressant : en revanche, la prestation douce-amère de Vaughn rend les choses nettement plus appréciables. Le film rend palpable ce terrible sentiment d'injustice qui étreint ceux qui détiennent une vérité mais ne peuvent la communiquer sous peine de blesser ou d'être pris pour des menteurs. Bref, de devenir des parias alors qu'ils ne sont responsables de rien. On souffre avec le héros, et on se met à détester avec lui la Terre entière, faite d'hypocrites, de menteurs, de médiocres, d'intolérants et de débiles légers. À plus d'une reprise, Howard parvient à créer le malaise, ce qui étonne de la part d'un réalisateur souvent consensuel.

La saveur du film vient de sa propension à éviter une partie des désastreux clichés hollywoodiens qui auraient rapidement pu le rendre insupportable. Cela concerne notamment le personnage joué par Winona Ryder, à savoir la fameuse femme infidèle : on craint un temps que le film joue la carte du quiproquo permettant de tout désamorcer en fin de course, mais il s'avère rapidement qu'elle est volage et surtout d'une perfidie sans nom. Pour autant, Le dilemme ne fait pas des femmes les responsables des échecs conjugaux : chacun en prend pour son grade à différents degrés. Mais, d'une addiction au jeu en passant par une affection pour les jeunes masseuses asiatiques, chacun est animé par des perversions plus ou moins inavouables qui rendent les couples équilibrés dans leurs déséquilibres. Plus fataliste que moraliste, Le dilemme réussit le double exploit de se clore dans un mélange d'euphorie et d'émotion, comme c'est le cas lors des nouveaux départs. Habile sans être génial, Ron Howard fait parler son métier pour mettre en scène cette histoire moins simple qu'il n'y paraît, savamment alourdie par des rebonds d'ordre psychanalytique et par des moments de folie salvateurs.

Le dilemme de Ron Howard. 1h52. Sortie : 11/05/2011.

[DVD] LES ÉMOTIFS ANONYMES

2011-05-06T18:00:00.002+02:00

Petit succès surprise de la fin d'année 2010, Les émotifs anonymes est atteint d'une maladie à deux visages : le syndrome du film gentil. Comme ces gens inoffensifs et insignifiants dont on n'ose pas dire du mal (sous peine de les faire pleurer) mais qu'on n'inviterait pas non plus à dîner (sous peine d'avoir envie de se pendre), un film gentil est un objet délicat à manipuler parce qu'il peine à créer autre chose que de l'indifférence. Il ne se distingue par aucun défaut majeur, si ce n'est l'extrême mesure de tout ce qu'il entreprend. Il parvient à se montrer sacrément sympathique, ce qui peut même donner le sourire pour peu que l'on soit de bonne composition. Mais le film gentil, au fond, est voué à un oubli rapide et cruel. Il sera rarement cité à titre d'exemple ou de mètre-étalon. On oubliera son titre et le nom de son réalisateur. On l'évoquera si besoin en le désignant comme « le film avec Carré et Poelvoorde » et les gens penseront qu'il s'agit d'Entre ses mains. Dieu que le destin du film gentil est triste.

Reste que Les émotifs anonymes, comme bien des films gentils, est assez mignon à regarder. Il semble en fait contaminé par la léthargie de ses deux héros, tous deux incapables de communiquer correctement et donc contraints de se réfugier derrière une façade semi-timorée, semi-marginale, pour tenter d'avancer dans la vie en faisant bonne figure. Cette histoire de deux handicapés affectifs qui finiront par se trouver, hommage délibéré à The shop around the corner et autre pâtisseries filmiques, possède un charme discret mais certain. Pas exempt d'un certain cachet, et malgré quelques étrangetés comme cette bande originale bâtarde et exaspérante, le film accomplit son œuvre : celle de charmer, au moins pour un temps.

Pourtant, le scénario co-écrit par Jean-Pierre Améris et Philippe Blasband souffre d'un certain systématisme qui fait rouiller ses ressorts vaudevillesques : s'il est logique que ce scénario en forme de conte de fées se nourrisse des passages obligés inhérents au genre, il le fait avec un excès de classicisme et une certaine stupeur, comme si les auteurs du film étaient persuadés de faire preuve d'une grande originalité. Oui, on a bien compris que les mille divergences de parcours tendant à éloigner les héros n'étaient que des fausses pistes ; alors pourquoi jouer sans arrêt une sorte d'étonnement teinté de candeur ? Court sur pattes, le film est également court sur le plan de la durée : soixante-douze minutes à peine, et envoyez le générique. Cette histoire chocolatée laisse un léger goût de frustration, heureusement rehaussé par son statut de film gentil ainsi que par la prestation plus que touchante d'un Benoît Poelvoorde jamais aussi à l'aise que dans ses prestations en creux. Isabelle Carré, elle semble trop effacée même si c'est évidemment son personnage qui l'impose. Les émotifs anonymes, film gentil par excellence, a de quoi susciter sourires polis et légers bâillements.

Les émotifs anonymes de Jean-Pierre Améris. 1h20. Sortie : 22/12/2010. Sortie DVD : 27/04/2011.

[DVD] ROOM IN ROME

2011-05-05T16:33:00.000+02:00

De Julio Médem, cinéaste espagnol décomplexé, on préfèrera retenir les élans érotico-romantiques des Amants du cercle polaire et de Lucia y el sexo plutôt que les marasmes pseudo-existentiels de Caótica Ana, son dernier film. Reste que celui qu'on surnomma souvent le Lelouch ibérique (le Lelouch des bons jours, s'entend) lorgne ici davantage vers des films comme le Nuit d'été en ville de Michel Deville, où deux êtres complètement à poil (zigounette et pilou pilou apparents, oui) dissertaient sur la vie et sur l'amour dans une petite chambre d'hôtel. À ceci près que le duo Marie Trintignant - Jean-Hugues Anglade, certes fort agréable à regarder, laisse ici place à un tandem de femmes au potentiel érotique certain et à la langue bien pendue.

Dans Room in Rome, une madame lesbienne en trouble une autre a priori un peu moins lesbienne. Une chose en entraînant une autre, la petite espagnole et la grande russe se retrouvent à faire chambre commune pour la nuit. L'occasion de se mettre à nu, au sens comme au figuré, et d'apprendre à se connaître avant, peut-être, de retourner à sa vie d'avant. Médem ayant toujours considéré le sexe et le verbe comme les deux derniers bastions de l'être humain en général et de la femme en particulier, il trouve avec ce concept (unité de temps, unité de lieu) l'occasion idéale pour ne parler que de ça. Filmer des corps qui s'apprivoisent et des existences qui se racontent. Faire du mensonge la chose la plus romantique de la Terre en permettant à ses héroïnes de raconter n'importe quoi pourvu qu'elles le disent bien. C'est agréable à l'œil autant qu'à l'oreille, les jolies formes des deux actrices n'ayant d'égal que leurs phrasés délicats, accents étrangers en prime. En délaissant l'espagnol pour une langue anglaise plus reposante, Médem se débarrasse en outre du léger sentiment d'hystérie que créait parfois l'usante faconde de ses personnages. L'occasion idéale pour faire de cette nuit un instant idéal où le temps suspend son vol.

Alors certes, il y a bien çà et là quelques longueurs, quelques instants où l'imagination débordante de Médem et de ses personnages semble s'égarer et nous laisser sur le bord de la route. Mais, par la force d'une mise en scène veloutée, Room in Rome parvient toujours à raccrocher le spectateur, et l'attirer dans ses filets en lui dévoilant ses charmes. On est ravis qu'un cinéaste ayant autant la bougeotte (géographiquement ou chronologiquement, ses films ont des allures de gigantesques rollers coasters) s'épanouisse autant en faisant du surplace. Profond, ludique, sensuel, ce film hélas inédit en salles semble marquer pour lui une parenthèse réparatrice bienvenue ou le signe d'un nouveau départ vers des aventures moins mouvementées mais toujours aussi exaltantes.

Room in Rome de Julio Médem. 1h48. Sortie DVD : 03/05/2011.

L'AIGLE DE LA NEUVIÈME LÉGION

2011-05-04T09:41:00.001+02:00

Choix étonnant de la part du réalisateur Kevin Macdonald (Le dernier roi d'Écosse, State of play), cet Aigle de la neuvième légion pourrait pourtant réussir l'exploit de réconcilier les spectateurs avec le péplum. Un genre noble, respectable, mais donnant souvent lieu à des spectacles funestes pour ne pas dire mortifères. Après le rebond amorcé par Ridley Scott avec un Gladiator datant d'il y a déjà dix ans, cette adaptation d'un roman pour la jeunesse participe au sursaut de modernité souhaité par le cinéaste. Son intrigue guerrière et politique s'accompagne ici d'une quête personnelle accompagnée d'une enquête à la lisière du polar. À cet égard, le tandem de héros incarnés par Channing Tatum et Jamie Bell fait office de Holmes et Watson avant la lettre, y compris dans ce soupçon d'ambiguïté évoqué par le pachyderme Guy Ritchie dans son Sherlock Holmes. Qu'on apprécie ou pas les élans épiques, il y a de quoi être emballé par le parcours de ces deux hommes esseulés, capables ensemble d'exploits intellectuels et physiques dont on ne les savait pas capables.

Avant même la formation du duo, le film de Macdonald accroche l'oeil et le palpitant. Magnifiquement filmé, l'assaut nocturne d'un camp de centurions permet de mesurer l'aisance visuelle du réalisateur et le souffle héroïque du film et de son héros. À mi-chemin entre finesse et robustesse, Channing Tatum fait preuve d'une finesse dont on ne le savait pas capable jusque là. Il y avait de quoi être dubitatif quant à sa présence à la tête d'un film plutôt sérieux, mais ces doutes sont rapidement dissipés. D'autant que le personnage de Marcus Aquila ne cesse de prendre de l'ampleur : d'abord au contact d'Esca, son esclave (Jamie Bell, impec), puis à travers chaque étape d'un voyage intense et sans temps mort. Le principal point d'ancrage du scénario consiste en un rebondissement digne de L'île des esclaves de Marivaux, où le maître et l'esclave sont contraints d'intervertir leurs rôles pour parvenir à se sortir d'une situation difficile. Un long climax intermédiaire dont le film parviendra heureusement à se relever grâce à la résolution émouvante et convaincante de l'imbroglio semi-policier.

Car il s'agit pour Marcus Aquila, jeune centurion aux prestigieux aïeux, de retrouver la trace de cette fameuse neuvième légion, disparue comme par enchantement dans le nord de l'Angleterre. 5000 hommes envolés en fumée avec leur totem, un aigle doré, et parmi lesquels figure le père du héros. Toujours sur plusieurs pistes à la fois, le film trouve le juste équilibre entre divertissement permanent et sentimentalisme exacerbé, d'autant plus touchant qu'il s'agit d'histoires d'hommes. Des hommes auxquels on a appris à masquer leurs faiblesses, bien cachés derrière des muscles saillants et des équipements sophistiqués (pour l'époque). Qu'un film pareil puisse être aussi bourrin que pudique, aussi doux qu'impitoyable, montre bien que Kevin Macdonald est loin d'être le premier yes man venu.

L'aigle de la neuvième légion (The eagle) de Kevin Macdonald. 1h51. Sortie : 04/05/2011.

L'HOMME D'À CÔTÉ

2011-05-03T14:10:00.005+02:00

Résumé imparable de ce qui se produira ensuite, oeuvre simple et plastique digne des meilleures expositions d'art moderne, le générique de L'homme d'à coté suffit à donner la preuve du haut niveau d'exigence de son duo de réalisateurs. Un split-screen d'une simplicité désarmante permet d'observer simultanément les deux face d'un même mur : à droite, un homme armé d'une masse frappe avec régularité dans la cloison afin de la perforer ; à gauche, le mur se fissure peu à peu puis finit par offrir une ouverture de plus en plus conséquente. Le tout au rythme des coups sourds portés par cet homme dont on ne voit que le bras. Ou comment un havre de paix et d'harmonie se transforme subitement en un petit théâtre de cauchemar à cause de quelques décibels et d'une poignée de gravats. Le film de Gaston Duprat et Mariano Cohn bâtit autour de cette querelle de voisinage une étude de moeurs absolument époustouflante, critique acerbe de l'homme dans ce qu'il a de plus médiocre.

Personne n'est épargné : ni le designer fièrement installé dans une maison construite par Le Corbusier (la seule dans toute l'Argentine) avec une famille qui le méprise, ni son voisin taciturne, bricoleur du dimanche et beauf permanent, qui vient briser son apparente plénitude en perçant un jour une fenêtre donnant sur sa luxueuse habitation. Une ouverture qui pourrait permettre à chacun de découvrir l'univers de l'autre, de s'en accommoder, d'en tirer profit, mais qui ne fait au contraire que renforcer les tensions et les différences d'ordre social et culturel. Avec maestria, le duo de cinéastes parvient à faire vivre ce fil très ténu pendant près de deux heures sans jamais s'écarter de son sujet. L'homme d'à côté épouse avant tout le point de vue de Leonardo, artiste et concepteur arrivé en haut de l'échelle et désirant le faire ressentir à tout le monde. Complaisant ou méprisant avec ses étudiants, flagorneur et mielleux dans ses rapports conjugaux, il n'est jamais autant lui-même que face à sa propre fille, qui répète inlassablement les mêmes chorégraphies sans jamais se soucier de ses conseils, de ses réprimandes ni même de sa simple présence. Ce type a construit sa vie entière en dessinant un fauteuil ergonomique et agréable à l'œil ; quelques secondes d'harmonie créatrice pour des années à s'enfoncer dans une suffisance doucereuse, une auto-satisfaction crasse, un dédain total pour tout ce qu'il juge inférieur à lui. Il suffit d'une fenêtre pour faire voler en morceaux ses certitudes et son petit confort, et son naufrage progressif est absolument jouissif.

Pour autant, le script ne se contente pas de faire du fameux perceur de fenêtre le révélateur trop évident des mille contradictions d'un homme s'étant cru arrivé. Car Victor Chubello, celui par qui le tumulte arrive, n'a rien d'un homme providentiel. Sa voix rauque et ses airs de brute épaisse créent d'entrée un malaise palpable : clairement, ce type se moque des conventions, de l'ordre établi, de ce qui définit le bon et le mauvais goût. Chaque découverte successive ne fera que confirmer la déstabilisante marginalité de cet homme-là, qu'aucune entreprise amicale ou hostile ne peut contenir. Le réalisme des situations et la précision du trait permettent très vite de s'assurer qu'il ne s'agit pas d'un thriller, que Chubello ne va pas débarquer du jour au lendemain et zigouiller ses voisins comme cela se produit dans la plupart des films du genre. L'emprise de L'homme d'à côté est plus insidieuse car elle permet avant tout de mettre en lumière les failles d'un système et les fissures qui lézardent les prisons les plus dorées.

Froide sans être clinique, la mise en scène tire malicieusement profit de la structure singulière de la maison dans laquelle évolue la famille Kachanovsky. Baies vitrées à perte de vue, pièces bizarrement emboîtées, hall entortillé : un décor idéal dont le tandem Cohn-Duprat ne se contente pas. Sur les plans visuels ou sonores, L'homme d'à côté n'est jamais au repos ; contrairement à son méprisable héros, il reste sur le qui-vive et se remet en question de façon permanente. C'est une opération de chirurgie sociale, ludique et grinçante, qui cloue chacun au pilori mais le fait sans systématisme, jusqu'à une fin terrible et laconique dont l'amertume enthousiasme.

L'homme d'à côté (El hombre de al lado) de Gaston Duprat & Mariano Cohn. 1h50. Sortie : 04/05/2011.

Critique publiée sur Playlist Society.

Séances de rattrapage : LA BALLADE DE L'IMPOSSIBLE - NORWEGIAN WOOD / COUNTRY STRONG / BLOOD ISLAND (BEDEVILLED)

2011-05-02T10:41:00.003+02:00

Deux sorties ciné à venir et un inédit DVD : trois raisons de faire la moue.

Ne pas confondre Ryu Murakami, prince des écrivains tokyoïtes, chantre d'une subversion non feinte, et son compatriote Haruki Murakami, romancier faisant rimer classique et ennui. Hélas, c'est le second que Tran Anh Hung a choisi d'adapter avec ce film aussi poussif et interminable que son double titre français. Résultat : un laborieux calvaire qui n'assume ni son évident classicisme ni ses influences chinoises, Wong Kar-Waï en tête. Confondant contemplation et pose, le cinéaste vietnamien ne tire rien de ses protagonistes, si ce n'est quelques bribes de réflexion sur la folie, la fascination morbide et surtout le sexe. Lorsqu'un personnage féminin s'interroge sur la condition de l'érection ou les conditions de la masturbation, on retrouve enfin une part de la moiteur qui avait fait de L'odeur de la papaye verte ou À la verticale de l'été des films intéressants à défaut d'être passionnants. Des rebonds bien trop éphémères, guère aidés par la morne bande originale de Jonny Greenwood.

Par essence, le chanteur de country est mystérieux, chaleureux, visage et coeur burinés par l'alcool et l'existence. Dernier exemple cinématographique en date, le très beau Crazy heart et le rédemption ratée de ce chanteur fourbu joué par Jeff Bridges. Aux antipodes de cela, il y a Country strong, faux drame indé probablement écrit avec beaucoup de sincérité, mais si grossier qu'il finit par verser dans le terrorisme sentimental. Prévisible de bout en bout, joué de façon consternante, le film multiplie les banalités et les traumas pré-fabriqués pour mieux exploser dans les dernières bobines. Là, le film de Shana Feste multiplie les fins (dix, peut-être quinze) jusqu'à trouver la plus putassière qui soit afin de tirer une petite larmichette à ses spectateurs les plus influençables, les mêmes qui trouveront jolie cette bande originale enrichie en mélasse. Racoleur, très hollywoodien, et au final juste gerbant.

Après avoir fait trembler Cannes en 2010 et Gérardmer en 2011, ce film de genre(s) coréen débarque directement en DVD. Est-ce si étonnant ? Pas vraiment, car ce Blood island polymorphe brille surtout par sa totale bâtardise. Débutant comme un drame social, le film évolue peu à peu vers une issue que l'on devine très sanglante, un personnage martyr finissant par prendre son destin en main pour châtier ses oppresseurs. Mais des ressorts psychologiques rouillés et une tendance à rabâcher chaque information jusqu'à plus soif transforment assez rapidement le film en un pénible chemin de croix. D'autant que la mise en scène, d'une rare incohérence, semble piocher aléatoirement vers différentes influences... Dès lors, l'éclatement d'hémoglobine tant attendu finit par laisser totalement indifférent. L'image finale, qui transforme un visage en île au gré d'un morphing abracadabrant, ne fait que confirmer le drôle de statut de ce film qui décontenance mais ne stimule jamais.

La ballade de l'impossible - Norwegian wood (Noruwei no more) de Tran Anh Hung. 2h13. Sortie : 04/05/2011.
Country strong de Shana Feste. 1h52. Sortie : 04/05/2011.
Blood island (Bedevilled) (Kim-bok-nam Sal-in-sa-eui Jeon-mal) de Jang Cheol-soo. 1h55. Sortie DVD : 03/05/2011. Places à gagner pour la soirée Panic ! Cinéma.