Sans faire du délit de faciès, les finlandais ont pourtant des mines sacrément reconnaissables, quelque part entre le verdâtre, le patibulaire et le buriné. À croire que le fort taux de chômage et les nuits interminables ont depuis fort longtemps eu raison du moral d'habitants apparemment peu enclins à la gaudriole. C'est d'ailleurs sur ce genre de constatation que s'ouvre Very cold trip : un savoureux prologue établit une sorte de généalogie des tendances suicidaires qui animent une partie des citoyens du pays. Le film de Dome Karukoski emploie de part en part ce ton désabusé, pince sans rire, pour décrire l'infortune et la léthargie qui s'emparent des jeunes (in)actifs pour ne plus les lâcher.
Selon les premiers échos, le dernier Eastwood en date serait moins bon que les précédents, voire même l'un des plus gros ratages de sa carrière. Ce serait oublier qu'Au-delà possède deux atouts qui lui permettent d'échapper au peloton de queue des oeuvres du sieur Eastwood : l'absence de manichéisme et le refus de titiller les glandes lacrymales. En cela, ce film prétendument surnaturel surpasse allègrement des abominations telles que Million dollar baby ou Gran Torino et de gentilles guimauves comme Sur la route de Madison. Et s'il est loin d'être franchement réussi, il a au moins le mérite d'être un film reposant, recueilli, symbole de l'assagissement certain d'un cinéaste souhaitant désormais rester tapi dans l'ombre.
La famille Reitman va mal. Tandis que le fils, Jason, est en train de s'embourber dans le moule hollywoodien, son père, Ivan, sucre les fraises depuis pas loin de vingt ans. Il faut se rendre à l'évidence : le dernier film regardable du réalisateur de S.O.S. Fantômes n'est autre que Président d'un jour, qui date tout de même... de 1993. Depuis, le pauvre Ivan s'abime un peu plus de film en film. Raison principale de ce naufrage ? Un refus d'accepter le temps qui passe et un désir permanent d'avoir l'air jeune en s'emparant de thématiques à la mode mais certainement pas à la portée de la plupart des types de 66 ans. Ses dernières tentatives, Evolution et Ma super ex, le faisaient carrément ressembler à l'un de ces vieux beaux persuadés de dissimuler correctement sous leur moumoute un crâne chauve pourtant loin d'être honteux.
Avide d'aventures humaines et géographiques, Edward Zwick s'essaie pour la première fois à la comédie romantique... ou plutôt non-romantique. Car avec son héros vendeur d'anti-dépresseurs puis de Viagra et son héroïne parkinsonienne mais surtout froidement cynique, Love, et autres drogues (quel titre à la con) tente de jouer la carte du détachement en étalant pendant sa première heure un réalisme pittoresque pouvant éventuellement séduire. On peut aussi préférer son cousin Thank you for smoking, plus amer et plus instructif à la fois. Mais le pire, c'est que Zwick ne parvient pas à conserver sa ligne de conduite jusqu'au bout et finit par s'abandonner aux violons inhérents au genre sans même assumer sa subite harlequinisation. Et malgré un tandem Hathaway / Gyllenhaal aussi percutant qu'à poil, le film s'embourbe peu à peu dans une mièvrerie que ses partis pris de départ auraient dû permettre d'éviter.
C'est peut-être le film le plus indescriptible de l'année Le quattro volte ressemblerait à une gigantesque anomalie cinématographique s'il n'était aussi maîtrisé. En quatre parties, chacune se référant à une forme de vie bien spécifique (l'humain, l'animal, le minéral...), le film de Michelangelo Frammartino recrée une sorte de cycle de la vie qui pourrait être mortifiant mais s'avère aussi hilarant qu'émouvant. Il y a quelque chose d'un peu miraculeux dans le fait d'être émerveillé pendant dix minutes par les déambulations d'un troupeau de chèvres ou la fabrication de charbon de bois ; pourtant, sans snobisme aucun, on se passionne véritablement pour cette superbe étrangeté. Le plus fascinant là-dedans, c'est qu'il semble assez impossible de discerner ce qui est millimétré et ce qui est aléatoire : seul un plan-séquence absolument incroyable, dans lequel (entre autres) un chien déplace une brique qui fait dévaler une fourgonnette le long d'une pente, donne une petite idée du degré de malice d'un metteur en scène qu'il convient désormais d'avoir à l'oeil.
S'il n'y avait Le quattro volte, Sound of noise aurait lui aussi pu concourir au titre le film le plus bizarre de 2010. Il est cependant moins étrange que ce que laissaient entendre les premières rumeurs... Pourtant, cette histoire d'un sextet de terroristes musicaux bien décidés à jouer leur partition malgré la chasse à l'homme menée par un flic musicophobe a plus d'un tour dans son sac. Construite autour de quatre numéros musicaux absolument prodigieux, dans lequel le mobilier urbain est mis à rude épreuve afin de faire du quotidien un film musical en puissance, Sound of noise exploite avec intelligence les codes du polar mais les retourne perpétuellement afin de n'aller que dans une seule direction : celle de l'ode à la musique, art aussi omniscient qu'inconscient, présent l'air de rien dans nos administrations et sur nos places publiques. Drôle et énergique, le film a néanmoins quelque chose de légèrement vain qui l'empêchera sans doute de rester dans les annales.
Charles de Meaux aurait-il fait un accident vasculaire cérébral entre le tournage de Shimkent hotel, son précédent long-métrage, et celui de Stretch ? Ce serait la seule raison capable d'expliquer l'incongru ratage de ce dernier film, tellement réalisé avec les pieds et écrit avec les fesses qu'il ne peut pas décemment être l'oeuvre d'un être humain en pleine possession de ses moyens. Stretch est une douleur de tous les instants, une insulte faite aux amoureux du cinéma, un crachat à la face des cinéphiles aventuriers ayant bien voulu entrer dans la salle pour y suivre l'histoire de ce jockey français exilé à Macao... Rien, absolument rien, ne peut justifier qu'on s'inflige ce calvaire. Fuir loin de ce film, c'est rendre service non seulement au septième art, mais également à son réalisateur, encore assez jeune pour changer de métier ou se remettre complètement en question.
Loin des vieux cons qui défouraillent des petits jeunes depuis leur fenêtre d'immeuble à cause de quelques discussions un peu trop haut perchées, Harry Brown est un homme qui souffre. Un vrai de vrai. Un taiseux, ancien militaire, qui vit tristement une vie de quasi veuf entre un appartement propre comme un sou neuf et le pub du coin, où il paisiblement joue aux échecs avec son vieux pote Leonard. Paisiblement ? Pas tant que ça. Car Harry Brown vit dans une banlieue de Londres où une jeunesse mal élevée et délaissée fait régner la terreur et la loi du plus fort. Bientôt Leonard mourra sous les coups de quelques loubards, goutte d'eau qui fera déborder le vase Harry Brown. On est loin de ces vigilante plus que douteux dans lesquels des victimes de la société deviennent de vraies cocottes-minute lancées à toute blinde pour l'amour de la vendetta. Le premier film de Daniel Barber est moins une histoire de vengeance que la chronique d'un ras-le-bol, celui d'un honnête citoyen qui finit par ne plus supporter de subir la loi de quelques mafieux de bas étage.
Auteur de courts réputés, passé au long en 2006 avec le puissant mais discret Avril, Gérald Hustache-Mathieu revient enfin, et c'est une excellente nouvelle. D'autant que le réalisateur retrouve à cette occasion Sophie Quinton, actrice précieuse mais hélas trop rare, mais véritable muse pour ce cinéaste original et délicat. Faisant référence à James Ellroy pour la manière dont le héros s'implique corps et âme dans son enquête, Poupoupidou ressemble davantage à un polar de Donald Westlake, rigolard par endroits avant de vous bouleverser par surprise. Hustache-Mathieu livre un film singulier, différent de ses oeuvres précédente, mais tout à fait cohérent en regard de sa filmographie passée : tout y est, de son application d'orfèvre à son penchant pour les gentils marginaux. Y compris son amour débordant pour Sophie Quinton.
Depuis quelques années, Hayao Miyazaki prépare sa relève, semant les disciples comme Albert de Monaco sème les gosses. Nous voilà sans doute repartis pour un quart de siècle d'univers oniriques, fantastiques, bourrés d'enfants malins et de créatures merveilleuses. Vingt-cinq ans d'écologie de bas étage et de morales niaises pour des films interminables et consensuels. Et nul doute que Hiromasa Yonebayashi sera l'un des leaders de cette nouvelle vague de guimauve : dans le genre platitude monolithique, son Arrietty semble même battre des records.
Certains ne vont au cinéma que pour se « vider la tête » ; sans aucun doute, ce Bébé mode d'emploi est fait pour eux, puisqu'il se distingue uniquement par sa totale absence de prétention. À un canevas de comédie romantique éculé et jamais rehaussé (« ils n'étaient pas faits pour se rencontrer, et pourtant... ») s'ajoute un thème central aussi sympathique qu'inconséquent : étudier le comportement de deux adultes parachutés parents adoptifs du jour au lendemain. Gags prévisibles (bouillie, caca, premiers pas) et questionnements existentiels moyennement profonds caractérisent ce film aussitôt vu aussitôt oublié, qui séduira davantage les futurs et anciens parents que ceux qui n'en ont rien à faire. Dommage que la mise en scène de Greg Berlanti soit aussi vomitive, avec des mouvements de caméra à vous filer la nausée et un grain assez dégueulasse. Ce transfuge de la télévision n'a vraisemblablement pas beaucoup d'avenir au cinéma. 
À l'heure où les extrémistes de tous poils montrent chaque jour qu'ils manquent légèrement d'humour, il fallait avoir un sacré culot pour réussir à boucler une comédie autour d'aspirants djihadistes aussi doués pour le terrorisme que Gerard Butler pour l'art dramatique. C'est pourtant le tour de force de Chris Morris, dont le We are four lions impressionne avant tout par son existence. Mais l'exploit ne s'arrête pas là : voici un film qui tient debout et fait preuve d'une drôlerie aussi salvatrice que déstabilisante. Seulement voilà : comme In the loop l'an dernier, le film finit par tourner en rond à force de se complaire dans un humour british délicieux mais systématique. Ce qui aurait fait une chouette mini-série télé ou un moyen-métrage détonnant finit par ressembler à un long trop répétitif pour être réellement irrésistible.
Fini pour le cinéma depuis une bonne dizaine d'années, Bob De Niro rebondira peut-être prochainement grâce à Scorsese ou à sa présidence cannoise. Mais ce n'est pas ce laborieux Little Fockers qui lui permettra de retrouver sa cote d'antan : plus cabotin que jamais, il erre comme une âme en peine dans un scénar mal fagoté, qui multiplie (et sacrifie) les personnages secondaires et enchaîne les séquences sans grande logique, passant du coq à l'âne comme si le monteur était sous LSD. On a beau être ravi de retrouver Ben Stiller ou de mater Jessica Alba, il y a aussi de quoi être navré de voir Harvey Keitel, Laura Dern et quelques autres s'embourber dans ce troisième volet inutile, qui brise la mécanique comique bien huilée (trop ?) du premier film et accentue les défauts du deuxième. Souhaitons pour tout le monde que les Fockers et les Byrne s'arrêtent là : on a soupé de leurs quiproquos, de leurs fantaisies artificielles et de leurs grandes leçons de vie. 
Pour comprendre les principaux maux de cet honorable Même la pluie, il convient de se focaliser sur Paul Laverty, son scénariste, et sur sa vie personnelle et professionnelle. Démonstration en deux points.
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