Question pour des champions : quel est le dernier film avec Mel Gibson à être sorti sur les écrans français ? Il faut remonter huit ans en arrière pour trouver la réponse : Signes, dans lequel l'acteur interprétait un bon père de famille plus vraiment sûr de sa foi. Entre les deux, il a réalisé deux films mais s'est surtout fait remarquer pour ses dérapages multiples et variés. Alcoolisme, antisémitisme, intégrisme religieux : la liste est longue. Alors, pour se relancer, Mel revient au cinéma. Sa tactique ? Interpréter un papa qui fait ce qu'il faut pour trouver lui-même les clés du meurtre de sa fille, moins pour tenter de passer à autre chose que pour se régaler d'une vengeance pétrie de violence. De quoi se réconcilier, c'est sûr, avec les plus extrêmes des électeurs républicains. En revanche, pour ce qui est de reconquérir les spectateurs, l'affaire semble bien mal embarquée. Car Hors de contrôle, malgré quelques tentatives, n'est qu'une énième charlesbronsonerie. Ou, pour employer un jargon plus orthodoxe, un vigilante movie de plus.
Ça fait parfois un bien fou de revenir aux sources, ou en tout cas d'en avoir l'impression. Au beau milieu de la révolution permanente qui s'opère en terme de techniques d'animation, à une époque où l'opium semble être devenu l'opium du peuple, les réalisateurs de La petite sirène et Aladdin nous prennent par surprise avec ce film en 2D, variation autour du mythe de la princesse et de la grenouille (on s'en serait douté, vu le titre). Si La princesse et la grenouille fonctionne, c'est d'abord par la profonde nostalgie dans laquelle il nous plonge, celle où quelques coups de crayon suffisaient à croquer deux héros sympathiques et leurs petits compagnons rigolos. Voir le film dans une salle pleine de marmots est extrêmement parlant : les enfants reviennent à un plaisir immédiat et simplissime, animés par des sentiments purs et nobles. La princesse est « vraiment trop belle », le vilain « trop trop méchant »...
Le choix d'un titre est une étape essentielle, trop souvent prise à la légère, de l'élaboration d'un film. Sans dire que Dima El-Horr n'y a pas réfléchi, on peut envisager le fait qu'elle ait commis une erreur en nommant son premier long Chaque jour est une fête... . Avec cette affiche représentant trois femmes alanguies sur un canapé au milieu de nulle part, le spectateur potentiel risque de croire à coup sûr qu'il s'apprête à voir une énième almodóvarerie, cette fois à la sauce libanaise. Or il n'en est - presque - rien : Chaque jour est une fête... (brrr) est un film autrement plus original, très loin d'être parfait mais ayant au moins le mérite de tenter des choses.
Onzième long en autant d'années pour François Ozon, le français qui tourne plus vite que son ombre - le douzième, Potiche, serait même prêt ou presque. Depuis ses débuts à la fin du siècle dernier, Ozon s'est non seulement distingué par une certaine boulimie filmique, mais aussi et surtout par la variété des sujets et des ambiances abordés. D'où un cinéma souvent perturbant, extrêmement hétérogène de par la qualité des oeuvres, mais donnant toujours envie de voir la suite tant le cinéaste semble bouillonner sans cesse d'idées et de projets. Il a suffi de deux films, Ricky et ce Refuge, pour que la fascination créée par sa filmographie passée se mue en une affliction grandissante. On parlait plus haut de boulimie, et c'est désormais l'impression qui domine : ces temps-ci, Ozon semble faire des films pour faire des films, sans prendre le temps d'en évaluer l'intérêt et l'utilité. « Faire un film sur une femme enceinte » : c'est ce qui a, selon ses propres mots, motivé l'envie de monter ce film. Armé d'un scénario faisant deux pages - c'est encore lui qui le dit -, flanqué d'une Isabelle Carré enceinte pour de vrai, Ozon a alors pris sa caméra et est parti à l'aventure.
Juste après le générique final de son Gainsbourg, Joann Sfar insère une de ses propres citations en guise de note d'intention. Orgueil ou manque de confiance ? Nombrilisme ou tentative maladroite de justifier des partis pris qui divisent ? On ne sait pas. Tout comme on se gardera bien d'émettre un avis définitif sur cette (Vie héroïque) aux allures de patchwork, qui supporte difficilement une appréciation d'ordre global. Sfar nous convie à un défilé d'errances oniriques, d'évènements plus ou moins célèbres, de divagations en tous genres. Il construit ses séquences comme les planches d'une bande dessinée, s'imposant un nombre maximum de cases pour raconter telle ou telle chose avant de passer inexorablement à la page suivante et à un autre pan, fantasmé ou non, de la vie de l'homme à la tête de chou.
Il y a 6 semaines avait lieu la première édition du TAMS, ce fameux jeu à base de shooters de café* organisé par les excellents gens de Vodkaster. Par modestie, je préfère ne pas révéler qui a remporté le jeu au terme d'une mort subite épique, mais la réponse est ici.
Jason Reitman avait charmé pas mal de monde avec Juno, mais avait également exaspéré une bonne partie de l'auditoire. Toujours dans le registre faussement indépendant qui a fait son succès, son troisième long risque quant à lui de créer une certaine indifférence, et ce malgré la présence de George Clooney dans le rôle principal. Dans une certaine mesure, In the air marque un coup d'arrêt pour le style Reitman, et montre les limites d'un réalisateur qui devra aller chercher plus loin pour réussir ses prochaines oeuvres. Ce qui frappe d'abord, c'est à quel point le Ryan Bingham joué ici par Clooney ressemble au Nick Naylor incarné par Aaron Eckhart dans Thank you for smoking. Tous deux sont les employés forcément cyniques d'une grosse boîte qui les utilise pour effectuer de bien sales besognes avec un semblant de classe. Tous deux parcourent les États-Unis pour convaincre, mentir, embrigader. Mais quand Naylor allait jusqu'au bout de sa logique, prenant un vrai pied à défendre le lobby du tabac et ne se remettant en cause que de façon très éphémère, Bingham nous joue soudain le coup du mec qui ne veut plus être un salaud.
À lire : l'interview du réalisateur.
C'est vrai ça, où sont passés les Morgan ? À Ray, bled parmi les bleds du Wyoming, où la chasse au cervidé et le rodéo sont les seules occupations disponibles. Ça fait un peu bizarre quand on a vécu toute sa vie dans de beaux appartements new-yorkais. Mais ça peut permettre de renouer avec soi-même ou avec l'être jadis aimé. Oui, le nouveau Marc Lawrence est aussi tarte et prévisible que son résumé, et c'est fichtrement dommage. S'il avait réussi à dépasser son postulat avec Le come-back, il se vautre ici dans les clichés et les raccourcis, bondissant aussi prestement que possible sur toutes les oppositions binaires qui passent. Les citadins sont précieux, les campagnards sont généreux. Les uns sont égoïstes, les autres généreux. Les uns sont démocrates, les autres républicains. Où sont passés les Morgan ? n'est, la plupart du temps, que l'expression culpabilisante d'un réalisateur ayant subitement pris conscience de la superficialité de sa vie à la ville. Tout ça ne fait pas un film.
Denzel Washington n'est pas un si grand acteur que ça. Le livre d'Eli permet de s'en rendre compte, puisqu'il s'y produit enfin quelque chose. Planqué derrière des lunettes noires, il est enfin occupé à autre chose qu'à placer son éternel regard évoquant compassion, fermeté et course aux Oscars. Denzel est plus que jamais convaincu par son personnage de super gardien de la dernière Bible, qui pourrait sauver le monde à condition d'être bien utilisée. Et c'est bien normal : comme son producteur Joel Silver, l'acteur est très croyant et parfaitement convaincu de la toute-puissance de Dieu et de la nécessité de mêler religion et politique. Quitte à virer très lourdement vers la droite. C'est en cela que le film des frères Hughes se distingue des autres oeuvres post-apocalyptiques de ces dernières années : il confie les clés de l'univers aux intégristes et tente de convaincre son spectateur que c'est là que réside le seul salut du monde.
Cinéaste et vidéaste, Abbas Kiarostami poursuit avec Shirin son étude de la condition de la femme iranienne, déjà au centre d'un Ten dans lequel il filmait des conversations de taxi. Le dispositif imaginé pour Shirin va plus loin. Le film se situe dans une salle de cinéma, dans laquelle une centaine de spectateurs - des femmes en grande majorité - regarde un film justement nommé Shirin, adaptation d'un poème iranien datant du douzième siècle. De ce film-là, on ne verra jamais la moindre image ; en revanche, on entendra parfaitement les dialogues et l'ambiance sonore. À l'écran vont se succéder, pendant une heure et demie - durée du film dans le film -, des plans fixes et rapprochés sur les visages des spectatrices. Âges et postures se mélangent, mais un élément les réunit : toutes sont voilées et regardent le film avec passion.
Généalogies d'un crime. Ou comment suivre en parallèle la rencontre et l'évolution d'un couple d'une part, et l'enquête sur la mort du jeune homme de l'autre. Les deux époques vont évidemment se nourrir, se répondre et faire progresser notre compréhension des évènements. Mais il serait tout à fait réducteur de réduire Complices au polar qu'il n'est pas : il s'agit d'abord et avant tout d'ausculter la relation homme-femme à travers ce jeune couple impétueux et ce duo de flics fatigués qui cherche à les comprendre. Romance des premiers instants, fougue des échanges amoureux, descente aux enfers pour les tourtereaux ; périodes de latence, amertume des bilans et recherche d'une raison de vivre pour les quadras usés. Une vingtaine d'années semblerait donc suffire pour réduire à néant les illusions des amoureux ? Oui, et peut-être même moins, puisque la mort peut accomplir son office plus tôt que prévu et rompre à tout jamais la mécanique amoureuse...
C'est vrai que si l'on considère son seul résumé, City island ne paraît pas très original : il s'agit de l'histoire d'une famille vivant en banlieue new yorkaise, que l'arrivée d'un inconnu va montrer sous un nouveau jour. Raymond de Felitta décortique avec ardeur l'éclatement de la cellule familiale sous le regard de cet ex-taulard plutôt bienveillant, qui va agir comme un révélateur sur l'ensemble des membres du foyer. Le film se distingue par la tonalité adoptée, le réalisateur estimant visiblement que la quantité de perversions et de perfidies contenues dans le scénario était suffisamment élevée pour ne pas verser dans l'excès avec un traitement outrageusement cynique. Il porte donc un regard amusé et souvent tendre sur ces adultes et ados dont les agissements sont peut-être condamnables mais n'en restent pas moins humains.
Il est toujours étonnant que des cinéastes au style si reconnaissable soient capables de nous surprendre, année après année, voguant de films mineurs en oeuvres majeures avec une envie égale de cerner la part d'absurde qui rend chacun d'entre nous si singulier. Vu de loin, A serious man pouvait apparaître comme un cousin du récent Burn after reading, épatant de drôlerie mais à la superficialité assumée. Il en est en fait l'exact complément, pratiquant un humour indéfinissable - noir ? juif ? -
Les films de blaxploitation ont connu leur essor et leur apogée dans les années 70, grâce notamment à des héros comme Shaft, Coffy ou Foxy Brown. Depuis, le genre a quasiment disparu des écrans, si ce n'est à l'occasion de rétrospectives populaires ou de remakes sans goût - rappelons-nous le Shaft de John Singleton. D'où l'envie de Michael Jai White - interprète de l'oubliable Spawn - de refaire parler de ce qui, il y a une trentaine d'années, était une véritable institution qui a inspiré bon nombre de cinéastes actusl. Rodriguez et Tarantino en tête. L'acteur a revu des films avant de prendre son petit stylo et d'écrire le scénario de ce Black dynamite à la fois hommage et parodie.
Michel Blanc est un sacré dialoguiste. L'air de rien, il bâtit punchline après punchline, donnant du rythme et de l'esprit sans donner l'impression de se gargariser de ses trouvailles. Une petite zone de turbulences doit beaucoup, voire même tout, à la qualité des répliques, dans lesquelles on retrouve régulièrement l'amertume et le pessimisme qui caractérisait la plupart des personnages de l'excellent Embrassez qui vous voudrez. Du sur-mesure pour lui-même : il s'est réservé quelques-unes des lignes les plus jouissives du scénario, qu'il interprète avec délice. Son personnage est d'ailleurs le plus intéressant du lot, sorte d'ultime synthèse de tous ses rôles passés : l'hypocondriaque de Marche à l'ombre, le mari impulsif d'Embrassez qui vous voudrez...
De la bière, du cul, de la déconne : chez les frangins Strobbe, on n'est pas du genre à lire Kant au coin du feu. Profiter de la vie, c'est forcément assouvir des besoins primaires et immédiats pour se donner l'impression d'exister sans intellectualiser. La merditude des choses suit ces quatre frères vivant chez leur maman bonne poire pour ne pas aggraver leurs situations financières. Le belge Felix van Groeningen épouse le point de vue du jeune Gunther, ado à nuque longue qui tente de trouver sa place au milieu de cet énorme capharnaüm. Deviendra-t-il un adulte équilibré ou perpétuera-t-il la tradition qui veut qu'un Strobbe soit forcément un pochtron sans plan de carrière ? La réponse n'a rien d'un mystère, puisque l'histoire est racontée par un Gunther adulte, devenu écrivain.
